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出版者:

作者:Williams, Randall

出品人:

页数:45

译者:

出版时间:

价格:$ 14.63

装帧:

isbn号码:9781423421368

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 音乐
• 乐器
• 技巧
• 练习
• 和弦
• 指板
• 音乐教育
• 流行音乐
• 进阶

音乐的边界：探索音律的非线性构造 本书是一部深入探讨音乐结构、和声理论以及演奏实践的综合性著作，旨在为音乐家、作曲家和高级音乐爱好者提供一套全新的视角，以超越传统调性体系的限制，构建复杂而富有张力的音响世界。我们摒弃了关于“绝对正确”的和弦进行或音阶模式的教条，转而聚焦于音高、音色、节奏和空间之间的动态关系。 第一部分：基础的解构与重建 本卷首先对西方音乐理论中的核心概念进行了彻底的批判性审视。我们不满足于将音高简单地视为频率的线性排列，而是将其视为一种可塑的、受环境影响的感知实体。 第一章：超越十二平均律的感知阈限 本章深入研究了微音（Microtones）在不同文化音乐语境中的应用，并探讨了人耳对非标准音高间隔的敏感度与适应性。我们分析了巴托克对民间音乐中“音高差异”的运用，并对比了印度斯坦尼音乐中“士鲁提”（Shruti）的概念与现代电子音乐中对音高精度的微调。重点放在如何通过精确的频率调制而非简单地“插入”音符来创造情绪的流动性，而非僵硬的过渡。讨论了如何设计听觉实验，以量化听众对不同音程的心理距离感。 第二章：和声的张力与释放：基于功能重构的视角 我们抛弃了传统的“主-属-下属”功能三元组的绝对统治地位，转而采用一种基于“音响密度”和“声场定位”来定义和声关系的框架。本章引入了“声压级和声”（Acoustic Pressure Harmony），即声音在特定空间内相互作用产生的听觉效果，如何定义一个和弦的“功能”。例如，一个包含大量密集次三度堆叠的集群和弦，在低音区可能被感知为“稳定”的根基，而在高音区则表现出极端的“不稳定”和“边缘化”。我们详细分析了亨利·考威尔（Henry Cowell）对音块（Tone Clusters）的开创性探索，并将其扩展到多维度的集群理论中。 第三章：节奏作为空间塑形：非对称性与循环递归 节奏不再被视为对时间的线性切割，而是对听觉空间的划分和重塑。本章深入探讨了复杂复节奏（Polyrhythms）的实现，特别是那些无法通过简单公约数表示的非对称性结构。我们引入了“相位锁定循环”（Phase-Locked Loops）的概念，将其应用于分析和创作中，探讨如何使两个看似不协调的节奏组在某个特定时间点上产生“消失”或“融合”的瞬间效果。此外，本章还详细分析了西非鼓乐中嵌入的叙事性节奏模式，以及它们如何通过细微的时间差异（亚节奏的“呼吸”）来传递意义。 第二部分：结构、织体与演奏的未来 在掌握了基础元素的解构之后，第二部分将重点放在如何将这些新颖的元素组织成具有整体性和叙事性的音乐结构中。 第四章：动机的“形态发生”：从微观到宏观的生长 本章探讨了如何利用极简的音乐材料（如一个短小的音型或一个特定的音色变化）作为“种子”，使其在音乐的进程中，通过自发性的、类似自然界中形态发生（Morphogenesis）的过程，自然地生长、演化、分化，并最终汇聚成宏大的结构。我们借鉴了复杂系统理论和混沌理论的概念，展示了如何通过预设的、非线性的演化规则，来控制音乐的走向，从而避免传统结构中的预设感和重复性。重点案例分析了布莱希（Bregenz）在处理长时间段音乐材料时的“渐变密度”策略。 第五章：音色作为主导要素：材料学的音乐应用 音色不再是旋律或和声的附属品，而是音乐作品的骨架。本章详细描述了如何对乐器的物理特性进行最大限度的利用和拓展。涵盖了对弓弦摩擦的控制、对打击乐器内部结构的调整、以及对电子合成器中波形失真曲线的精细调校。特别关注了“噪音频谱”在音乐结构中的整合——如何将无序的、随机的噪音信号，通过滤波和调制，转化为具有特定“纹理”的、具有引导性的听觉材料，使其在听觉上与传统音高材料产生有效的对比和对话。 第六章：空间化与听觉定位：三维音乐的实现 本章将听众置于音乐体验的中心，探讨了如何通过多声道技术和精妙的声学处理，将音乐从平面的谱面提升到三维的听觉空间。我们分析了安德烈亚斯·梅尔（Andreas Melas）在空间化混响和延迟网络中的实践，以及如何利用声音的到达时间、相位差异和声学反射来“雕刻”听众周围的虚拟乐器布局。关键在于，声音的移动不是为了炫技，而是为了服务于音乐的结构——例如，一个持续的低音声部可以被缓慢地、几乎察觉不到地从左前方移动到右后方，以此来暗示时间的流逝或情绪的转移。 第三部分：演奏与即兴的边界探索 第七章：记谱法的局限与非符号化指令 传统的五线谱及其标记系统，往往无法准确传达演奏者在处理非标准音高或复杂节奏时所需要的细微控制。本章提出了一系列替代性的记谱方法，包括基于图形的指示、基于声学参数的量化描述（如频谱图的直接引用），以及“程序化”的演奏指令集。重点讨论了如何设计一套清晰的、能激发演奏者创造力的非符号化指令，以便在不牺牲复杂性的前提下，提高作品的可演奏性。 第八章：即兴的结构化与随机性控制 即兴不再是完全自由的表达，而是受控的结构化探索。本章探讨了如何为即兴演奏设定“软约束”——例如，规定即兴的材料必须源自于前一乐章的某个特定音色变化，或者要求即兴必须在某个预设的声场位置内完成。通过对随机性（Stochastic Processes）的引入与控制，我们得以在作品中保持新鲜感，同时避免了完全的不可预测性，使即兴成为作品整体结构中不可或缺的、具有逻辑连贯性的部分。 结语：听觉的无限可能性 本书的最终目标是激发读者挑战现有音乐范式，将声音视为一种流动的、多维的物质，并通过对物理学、感知心理学和数学模型的借鉴，开辟出前所未有的音乐表达领域。我们相信，真正的创新来自于对既有边界的勇敢超越，以及对每一次听觉事件的深刻好奇。

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