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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Kofi Agawu

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:2008-12-2

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780195370249

丛书系列:

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• 音乐研究
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音乐的言说：声响、意义与沟通的织体 音乐，作为人类最古老、最普适的表达形式之一，其力量不仅仅在于悦耳动听的旋律与和谐的音响。它是一种深刻的沟通，一种无声胜有声的言说，能够触及我们内心最柔软的角落，激荡起最澎湃的情感，甚至重塑我们对世界的认知。本书《音乐的言说》并非仅仅罗列作曲家的生平事迹，或解析音阶与和弦的复杂结构。它更着重于探究音乐如何转化为一种具有强大力量的“言语”，如何在人与人之间、个体与社会之间、甚至是人类与超越性的存在之间搭建起沟通的桥梁。 本书将带领读者深入探索音乐的言说维度，从宏观的文化语境到微观的听觉体验，层层剥茧，揭示音乐传递意义的内在机制。我们将不再仅仅满足于“好听”的评价，而是去理解音乐的“说”在哪里，它如何“说”，又“说了”些什么。 第一篇：声响的语言学 我们将从音乐作为一种语言系统的基本属性入手。虽然音乐不像口语那样拥有明确的词汇和语法，但它同样拥有一套组织声音的规则和结构，能够传达信息和意义。 音高、节奏与音色：意义的构建模块。 这一章节将深入剖析构成音乐最基本元素的意义生成机制。高亢的音调如何暗示兴奋与光明？低沉的乐音又如何营造庄重与忧郁？急促的节奏如何唤起紧张与活力？舒缓的步伐又如何带来平和与沉思？音色——同一音高在不同乐器上的表现差异——又如何为表达增添丰富的色彩和情感层次？我们将借鉴语言学中的一些概念，探讨音乐的“音位”和“音素”是如何组合，形成更复杂的音乐“词汇”和“乐句”。 旋律与和声：叙事与情感的编织。 旋律如同故事的线索，引导听者在音高变化的流动中体验起伏与转折。本书将分析不同的旋律形态如何塑造音乐的叙事性，从简单的上升下降到复杂的装饰性乐句。同时，和声，作为音与音同时发声的叠加，其产生的协和与不协和、紧张与解决，更是情感表达的强大武器。我们将探讨和声色彩如何影响听者的情绪反应，以及和声进行如何推动音乐的“情节”发展。 曲式结构：意义的宏观组织。 音乐的宏观结构，如奏鸣曲式、赋格、变奏曲等，如同文学作品的章节划分和情节安排。这些结构不仅仅是为了形式上的规整，更是为了有效地组织和呈现音乐的意义。我们将分析不同的曲式如何影响听者对音乐内容的理解和预期，以及作曲家如何利用结构来构建音乐的逻辑和张力。 第二篇：音乐的语境与文化 音乐的意义并非孤立存在，它深深植根于特定的文化和社会语境之中。不同的文化赋予音乐不同的功能和象征意义。 仪式与宗教中的音乐：神圣的召唤。 在人类历史的长河中，音乐始终扮演着连接世俗与神圣的关键角色。本书将审视宗教仪式、祭祀活动中音乐的地位，探讨它如何通过统一的节奏、庄严的旋律来营造崇高的氛围，引导信徒进入冥想或狂喜的状态，从而实现与神灵的沟通。我们将分析不同宗教音乐的特点，以及它们如何反映不同文化对神圣的理解。 民族音乐与身份认同：乡愁的旋律。 民族音乐是民族情感、历史记忆和文化传统的载体。每一段乡野的歌谣，每一次节日的鼓点，都承载着一个族群独特的身份认同。本书将探讨民族音乐在凝聚民族精神、传承民族文化中的作用，以及在现代社会中，民族音乐如何成为个体表达乡愁、维系身份的重要方式。 艺术音乐与社会变革：时代的呼声。 从古典时期的优雅到浪漫时期的激昂，再到现代音乐的探索，艺术音乐的发展史在很大程度上反映了社会思潮的变迁和变革。本书将分析不同历史时期艺术音乐所承担的社会功能，例如在革命时期，音乐如何成为鼓舞人心的战歌；在社会转型期，音乐又如何反映和引导人们的情感与思考。我们将探讨音乐作为一种批判性言说，如何挑战既有观念，提出新的可能性。 流行音乐与大众沟通：时代的脉搏。 流行音乐以其广泛的传播度和接受度，成为现代社会重要的沟通媒介。它不仅反映了大众的情感需求和价值取向，更在一定程度上塑造着时代的审美和文化潮流。本书将分析流行音乐的歌词、旋律、节奏和编曲如何触及大众心理，以及流行音乐如何成为社会议题的讨论平台，反映和影响社会舆论。 第三篇：音乐的个体体验与情感共鸣 音乐最终是要抵达个体的内心，触动个体的情感，引发个体独特的体验。 情感的传递与唤醒：音乐的催化剂。 音乐最直接的力量在于其唤醒和传递情感的能力。一段旋律能够瞬间勾起回忆，一首歌曲能够引发共鸣。本书将探讨音乐如何通过其结构、音响和表现力，直接作用于听者的生理和心理，从而唤起喜悦、悲伤、愤怒、宁静等各种情感。我们将分析音乐的哪些元素最容易引发特定的情感反应，以及这种反应的神经科学基础。 音乐与记忆：时间的回响。 音乐与记忆之间存在着深刻的联系。许多童年的歌谣，一段熟悉的旋律，都能够轻易地将我们带回过去的时光。本书将探讨音乐如何成为一种强大的记忆锚点，以及它如何在我们的个人叙事中扮演重要角色。我们将分析音乐如何帮助我们构建和重构个人记忆，以及个体对同一首音乐的记忆如何因人生经历而异。 音乐的解释与意义建构：每个人心中的独特乐章。 尽管音乐的结构和元素是客观存在的，但听者对其意义的解读却是主观的。不同的人，在不同的心境下，对同一首音乐可能会产生截然不同的理解。本书将探讨听者在音乐体验中扮演的积极角色，以及他们如何运用自身的知识、经验和情感来建构对音乐意义的理解。我们将分析文化背景、个人经历、甚至是当下的情绪状态如何影响音乐的意义解读。 非语言沟通的极致：超越言语的界限。 音乐的强大之处在于它能够超越语言的局限，直接触达人类共通的情感和经验。有时，一段纯音乐比任何冗长的文字更能表达深刻的情感。本书将探讨音乐作为一种非语言沟通形式的独特优势，它如何在跨文化交流中发挥作用，以及它如何表达那些难以用言语形容的微妙感受。 第四篇：音乐的实践与创造 音乐的言说不仅仅是理论上的探讨，更体现在音乐的创作、演奏和接受的实践活动中。 作曲家的意图与听者的解读：意念的传递与重塑。 作曲家在创作时，往往怀揣着特定的意图和情感。然而，音乐一旦脱离了作曲家的意念，就进入了听者的世界，并可能被赋予新的意义。本书将探讨作曲家意图在音乐意义中的作用，以及听者在接收和解读音乐时所发挥的能动性。我们将分析音乐作品的开放性，以及这种开放性如何允许意义的多元生成。 演奏家的诠释与音乐的生命：再创造的艺术。 音乐作品在不同演奏家的手中，会呈现出不同的生命力。同一个音符，在不同的演奏家那里，可以被赋予不同的情感色彩和表现张力。本书将关注演奏家在音乐言说中的重要角色，他们如何通过自己的技巧、理解和情感投入，将乐谱上的符号转化为鲜活的声音，从而完成对作品的再创造。 音乐的社会功能与互动：社群的共振。 音乐不仅仅是私人的体验，它也是一种社会性的行为。音乐会、演唱会、音乐节等集体性的音乐活动，能够拉近人与人之间的距离，增强社群的凝聚力。本书将探讨音乐在社会互动中的作用，以及音乐如何成为一种共享的体验，构建社群的共鸣。 结语：音乐的永恒言说 《音乐的言说》希望通过对音乐多维度言说方式的深入探讨，带领读者重新审视音乐在我们生活中的地位和意义。它并非一味地赞美音乐的艺术价值，而是希望揭示音乐作为一种深刻的沟通媒介，其蕴含的巨大力量。理解了音乐的言说，我们就能更好地倾听、更好地感受、更好地与之共鸣，从而让音乐在我们的生命中扮演更加丰富和有意义的角色。本书期待能成为一座桥梁，连接起声音与意义，音乐与沟通，个体与世界，最终让我们在音乐的无限言说中，发现更广阔的内心世界和更深刻的生命体验。

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这本书简直是一场声音与权力的角力场，它彻底颠覆了我过去对音乐“纯粹美学”的幻想。我原以为作者会沉溺于对旋律优美与否的评判，结果却发现，她（或者他）的笔锋直指音乐在社会场域中的运作机制。读完关于特定历史时期“官方音乐”构建意识形态的部分时，我感到一阵寒意——原来我们习以为常的背景音乐、进行曲，甚至是那些被奉为圭臬的“经典”，都浸透着精心计算过的政治意图。作者的叙事风格非常具有煽动性，她擅长使用强烈的对比手法，将那些被主流话语压制或边缘化的音乐形式拎出来，放在聚光灯下进行解剖。她的论述充满了一种批判性的激情，仿佛在控诉一种长期的听觉压迫。我尤其喜欢她对“沉默”的探讨，她认为在音乐结构中，未被演奏的部分、被刻意省略的音色，同样是一种强大的话语表达，这种对“负空间”的挖掘，让我对如何倾听世界有了全新的认识。读完这部分，我再听任何音乐时，都会不由自主地带着一层怀疑的滤镜，去探究它背后所要“说服”我的东西。

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与其说这是一本学术专著，不如说它是一份对“听”这种行为的哲学宣言。作者将听觉从被动的接收状态，提升到了主动的、具有能动性的权力实践层面。全书的基调是内省的、具有高度自我反思的。她不断地追问：“我们是如何学会去听的？”，“我们所听到的，真的是音乐本身，还是我们被教导应该听到的东西？”这种方法论上的溯源，使得这本书的视野极其开阔，它甚至会触及到神经科学关于听觉皮层如何处理信息的内容，但又立刻将其拉回到文化建构的语境中。最让我拍案叫绝的是，作者并未满足于分析已有的音乐形式，而是用大量篇幅来畅想“未来可能的话语”——那些尚未被发明、尚未被接受的听觉组织方式。这部分内容充满了大胆的预测和对现有范式的挑战，让人在合上书本之后，依然久久地对着空气，试图捕捉那些还未发出的声音。这本书的阅读体验是层层递进的，它先让你放下成见，再重塑认知，最后让你对未来充满期待。

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这部作品的开篇就展现出一种近乎学术论文的严谨姿态，它并非那种可以轻松翻阅的消遣读物，而是更像一本邀请读者进入复杂理论迷宫的邀请函。作者似乎对声音的结构和意义生成过程有着近乎偏执的探索欲，从最基础的音高、节奏、和声这些音乐学的“砖块”开始，逐步搭建起一个关于“话语”的宏大框架。我特别欣赏它在处理不同文化背景下音乐叙事方式时的细致入微，比如，它会不厌其烦地比较西方古典音乐的线性叙事和某些非西方音乐中循环或情境化的表达差异，这种跨文化的参照让读者不得不重新审视自己习以为常的听觉经验。读到中间部分时，我感觉自己像是在拆解一台精密的仪器，作者用极其精准的术语定义了每一个部件的功能，论证的链条环环相扣，逻辑密度极高，以至于我常常需要停下来，翻阅前面的章节来确认某个关键概念的引申义。这本书的挑战性在于，它要求读者不仅要具备一定的音乐素养，更要对符号学、修辞学乃至社会建构理论有所涉猎，否则，那些高深的理论模型可能会像蒙上了一层灰色的薄纱，让你看不清其真正的纹理。总的来说，这是一次智力上的马拉松，而不是一次轻松的散步。

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如果用一个词来形容这本书给我的感受，那就是“迷宫”。作者构建了一个极其庞大且自我指涉的理论体系，它并非线性展开，更像是一张层层嵌套的网，每一个新的章节都可能将你带回到早期某个被忽略的脚注中。我曾尝试速读，但很快就发现这种做法是徒劳的，因为作者在阐述一个关于“节奏模式如何编码集体记忆”的观点时，会突然跳跃到19世纪末的某个特定剧院的建筑布局上去寻找佐证。这种跨学科的、近乎拼贴式的写作手法，虽然丰富了内容，但也极大地考验了读者的耐心和专注力。这本书的语言是高度风格化的，充满了大量晦涩但又极具画面感的比喻，例如将复调音乐比作“社会阶层的多重对话”，将音色变化描述为“身份的临时伪装”。我不得不承认，在很多关键的论点上，我需要借助外部的资料才能真正把握住作者想要传达的深度。这是一本需要反复阅读、边读边做笔记，并且可能需要一位“向导”才能真正通关的文本。

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这本书的叙事腔调非常独特，它带着一种近乎散文诗般的韵律感，即使在讨论最枯燥的结构分析时，文字本身也仿佛在低语，在吟唱。作者似乎并不急于得出明确的结论，而是更倾向于呈现一种“开放性”的讨论空间。她更像是一位经验丰富的音乐人类学家，带着一个充满好奇心的记录本，行走于不同的听觉现场。我印象最深的是她对“现场性”和“录音媒介”的区分讨论。她探讨了现场音乐演奏中，身体的参与感、汗水的气味、空间的回响如何共同构成了一种无法被数字复制的“真实”话语，而录音技术则如何在试图捕捉这种真实的同时，也阉割了它的一部分生命力。这种对感官体验的细腻捕捉，让我仿佛能透过文字闻到音乐厅里尘封的绒布气味。这本书的魅力在于它的“在场感”，它让你感觉自己不只是在阅读关于音乐的文字，而是在某个特定的时间点，与作者一同置身于那个声音事件之中，共同参与到意义的建构过程里。

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