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出版者:辽宁教育出版社

作者:齐如山

出品人:

页数:524

译者:

出版时间:2010-3

价格:45.00元

装帧:平装

isbn号码:9787538280715

丛书系列:花生文库·齐如山作品系列

图书标签:

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《国剧艺术汇考》 《国剧艺术汇考》并非一部单纯罗列戏曲剧目或演员生平的辞典，而是一部旨在深入梳理、系统考辨中国戏曲（此处以“国剧”代称，涵盖京剧、昆曲、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧等主要剧种）历史发展脉络、艺术演变轨迹、表演程式精髓、音乐唱腔奥妙、文学剧本演变、舞台美术革新以及其在社会文化语境中的独特地位与功能的学术巨著。本书以严谨的学术态度，集结了众多戏曲研究领域的资深学者，力图通过多角度、深层次的剖析，为读者呈现一幅全面而立体的中国戏曲艺术画卷。 第一卷：溯源与奠基——早期戏曲的孕育与形成 本卷聚焦于中国戏曲的起源与早期发展。我们追溯其在唐宋元时期的萌芽，探讨原始的歌舞、百戏、参军戏、滑稽戏等表演形式如何逐渐演变为具有故事情节、人物塑造和特定表演程式的早期戏曲。重点考察元杂剧的辉煌成就，分析其文学性、音乐性、表演程式的成熟，以及对后世戏曲发展的深远影响。我们将详细辨析不同时期影响戏曲形成的关键因素，如社会政治环境、经济发展、思想文化潮流以及民间艺术的滋养。此外，还将对唐代乐舞、宋代瓦舍勾栏、元代戏曲理论（如《录鬼簿》）进行梳理，勾勒出戏曲从“散乐”走向“剧”的演进图景。 第二卷：百花齐放——剧种的繁荣与地域特色 随着历史的推进，中国戏曲呈现出地域化、多样化的发展态势，形成了丰富多彩的剧种体系。本卷将系统梳理明清以来各大主要剧种的形成、发展与演变，包括但不限于： 昆曲： 详述其作为“水磨调”的细腻婉转，分析其优雅的唱腔、精绝的表演、严谨的程式以及在士大夫阶层中的传播，探讨其从宫廷走向民间，再从民间步入衰落与复兴的历程。 京剧： 考辨其形成的历史背景，分析京剧如何融合徽班、汉调等元素，形成“徽汉合流”的局面，成为“国剧”的代表。深入剖析京剧的声腔系统（如二六、慢板、流水板）、表演程式（如唱、念、做、打），以及四大名旦等表演艺术家对京剧艺术的贡献。 越剧： 探讨其“的笃班”的起源，分析其细腻写实、抒情优美的唱腔，以及“越剧十姐妹”等黄金时代的辉煌，重点考察其在女性化表演和现代题材改编方面的创新。 黄梅戏： 追溯其源于民歌的朴实动人，分析其简洁明快的唱腔、生动活泼的表演，以及《天仙配》等经典剧目在全国范围内的传播，探讨其如何从民间小调走向全国舞台。 评剧： 考察其“花鼓戏”、“莲花落”等早期形式，分析其贴近市民生活的题材、通俗易懂的唱腔，以及“四大名旦”对评剧艺术的提升。 豫剧： 阐述其“河南坠子”、“大弦戏”等根基，分析其豪放高亢的唱腔、粗犷有力的表演，以及其在中国北方广阔地域的流行，重点考察其对传统戏曲的继承与创新。 此外，本卷还将提及其他重要的地方剧种，如秦腔、晋剧、花鼓戏、湘剧、粤剧、昆曲、婺剧、瓯剧、绍兴莲花落、沪剧、滑稽戏等，简要介绍其艺术特色、代表剧目和地域影响，从而勾勒出中国戏曲“百花齐放”的繁荣局面。 第三卷：形神兼备——表演艺术的传承与创新 表演是戏曲的灵魂，本卷将深入剖析中国戏曲的表演艺术体系。我们将从以下几个层面展开论述： 程式化表演： 详细解析戏曲表演的“程式”概念，如身段、步法、亮相、甩袖、扇子功、翎子功等，分析其在不同剧种中的差异与共性，以及程式如何承载人物性格、情节发展和情感表达。 人物塑造： 探讨戏曲如何通过脸谱、服装、唱腔、念白、做功等多种手段来塑造典型人物，分析青衣、花旦、老生、净、丑等行当的表演特点，以及艺术家们如何赋予程式以生命力，创造出有血有肉的艺术形象。 唱念做打： 深入研究“唱、念、做、打”这四大基本功，分析其在不同剧种中的表现形式和艺术功能。例如，京剧的“唱”与“念”如何相辅相成，越剧的“做”如何细腻传神，豫剧的“打”如何刚劲有力。 虚拟性表演： 阐释戏曲表演高度的虚拟性，如“马鞭”、“船桨”的运用，如何通过观众的想象力来完成场景的转换和动作的描绘，以及这种虚拟性如何赋予戏曲独特的艺术魅力。 武戏与杂技： 探讨戏曲武戏的训练方法、表演技巧，以及其与杂技、武术之间的渊源关系，分析武戏如何为剧情增添紧张刺激的氛围。 情感表达： 论述戏曲演员如何通过丰富的内心体验和精湛的外在技巧来传达人物的情感，分析不同情感（如喜、怒、哀、乐、悲、恐）在戏曲中的表现方式。 传承与创新： 考察戏曲表演的师徒传承制度，分析口传心授在技艺传承中的重要性，以及当代戏曲表演艺术家如何在继承传统的基础上进行创新，适应时代发展。 第四卷：声腔流韵——音乐与唱腔的奥秘 音乐是戏曲的另一重要构成要素，本卷将深入探究戏曲的音乐与唱腔艺术。 声腔体系的构成： 辨析不同剧种的声腔体系，如京剧的西皮、二黄，昆曲的曲牌，越剧的“尺调”、“越调”，黄梅戏的“二黄”、“花腔”等，分析其声韵特点、音乐结构和表现力。 唱腔的演唱技巧： 详述戏曲唱腔的演唱技巧，包括吐字、归音、润腔、行腔、换气、气口等，分析这些技巧如何使得唱腔既有音乐性，又能传达人物情感和叙述剧情。 伴奏乐器的运用： 介绍戏曲伴奏乐器（如京胡、京二胡、月琴、鼓板、大锣、小锣、铙钹等）的种类、功能及其在营造音乐氛围、烘托剧情中的作用，分析文武场面的配合。 板式与节奏： 探讨戏曲音乐的板式（如慢板、二六、流水板、散板等）及其节奏特点，分析板式如何与人物性格、情境和表演程式相匹配。 音乐与表演的融合： 论述唱腔与表演的紧密结合，分析唱腔如何引导表演，表演又如何丰富唱腔的内涵，以及“锣鼓点”在衔接剧情、烘托气氛中的作用。 地域音乐风格： 考察戏曲音乐中蕴含的地域音乐文化特色，分析南方小调、北方民歌等元素如何融入戏曲唱腔。 现代音乐的探索： 探讨戏曲音乐在现代发展中，如何借鉴西洋音乐、流行音乐等元素，进行融合与创新，以及这种探索带来的影响。 第五卷：锦绣舞台——文学、剧本与舞台美术的演进 本卷将从文学创作、剧本演变和舞台美术等角度，展现戏曲艺术的整体面貌。 文学剧本的演变： 梳理中国戏曲剧本的发展脉络，从元杂剧的叙事性、宋元南戏的自由奔放，到明清传奇的章回体、清代戏曲的成熟，再到近代新编剧本的探索。分析不同时期剧本在结构、人物、语言、思想等方面的特点。 经典剧目赏析： 精选一批具有代表性的经典剧目，如《牡丹亭》、《长生殿》、《桃花扇》、《霸王别姬》、《贵妃醉酒》、《白蛇传》、《梁祝》等，深入分析其文学价值、艺术成就以及在不同时代改编演出情况。 戏曲语言的魅力： 探讨戏曲唱词、念白的语言艺术，分析其高度凝练、富有韵律、意境深远的特点，以及其在塑造人物、表达情感、推进剧情中的独特作用。 舞台美术的革新： 考察戏曲舞台美术的演变，从早期的简陋布置到近代程式化的脸谱、服装、道具，再到现代舞台美术的多元化探索。分析服饰、化妆、布景、灯光等在烘托气氛、塑造人物、展现时代风貌中的作用。 传统服饰与化妆： 详细介绍戏曲中不同行当、不同人物的服装（如蟒袍、官衣、褶子、靠等）和化妆（如脸谱）的象征意义、艺术表现力和历史沿革。 道具与虚拟空间的运用： 探讨戏曲道具（如马鞭、船桨、拐杖等）的象征性运用，以及如何通过有限的道具创造出无限的虚拟空间。 舞台技术的应用： 分析现代舞台技术（如机械布景、升降平台、多媒体投影等）在戏曲演出中的应用，以及其对传统戏曲舞台呈现方式的影响。 第六卷：时代回响——戏曲的社会功能与文化传承 本卷将从宏观视角，探讨中国戏曲在社会文化中所扮演的角色及其历史意义。 戏曲的社会教化功能： 分析戏曲作为一种大众艺术形式，如何通过劝善惩恶、宣扬道德、传承伦理来发挥其社会教化作用。 戏曲与历史文化： 考察戏曲剧目如何反映历史事件、社会风俗、民间传说和民族情感，分析戏曲作为一种活态的文化载体，如何传承和激活历史记忆。 戏曲与民间生活： 探讨戏曲在民间节日、庆典、祭祀等活动中的作用，分析其如何与民俗文化紧密结合，成为丰富人民群众精神生活的重要组成部分。 戏曲的政治象征意义： 分析在不同历史时期，戏曲如何被赋予政治象征意义，以及统治阶层如何利用戏曲来宣传其意识形态。 戏曲的国际传播与影响： 考察中国戏曲在海外的传播情况，分析其在世界艺术舞台上的地位，以及对外国戏剧、音乐、舞蹈等艺术形式产生的启发与影响。 戏曲的保护与发展： 探讨戏曲在现代社会面临的挑战，如人才培养、市场推广、观众流失等，以及国家和社会在戏曲保护与发展方面所做的努力。 戏曲的当代价值： 总结中国戏曲在当代社会所具有的艺术价值、文化价值和精神价值，以及其在传承中华优秀传统文化、构建民族文化认同方面的重要意义。 《国剧艺术汇考》是一项长期而艰巨的学术工程，本书的出版，旨在为海内外研究者、戏曲爱好者以及所有关心中国传统文化的读者，提供一本集学术性、系统性、权威性于一体的参考巨著。本书不追求速成，而是以历史的长镜头，细致入微地观察、审视、分析中国戏曲艺术的每一个侧面，力求呈现其源远流长的生命力与博大精深的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

这是一部了不起的著作，类似的书，以前不曾有过，以后也不会有了。是作者占尽了天时地利人和，才成就了这样一部奇书。 第一，作者生于清末，比蔡元培小七岁，比鲁迅大六岁，那个时代可以说是京剧的辉煌时代，他出生的时候程长庚尚在，什么同光十三绝，什么四大名旦，可以说他亲...

评分☆☆☆☆☆

这是一部了不起的著作，类似的书，以前不曾有过，以后也不会有了。是作者占尽了天时地利人和，才成就了这样一部奇书。 第一，作者生于清末，比蔡元培小七岁，比鲁迅大六岁，那个时代可以说是京剧的辉煌时代，他出生的时候程长庚尚在，什么同光十三绝，什么四大名旦，可以说他亲...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

我平日里对中国古典文学的兴趣远大于戏曲本身，但我被这本书的文学性深深吸引住了。作者的文字功底极为深厚，遣词造句讲究，尤其是在描述那些经典的唱段或身段时，总能用出人意料但又恰如其分的比喻。比如，他形容某位花旦的“水袖”功法时，用的词句仿佛在描摹流动的山泉和拂过的轻风，读来让人心旷神怡。这本书的结构安排也体现了一种高度的文学自觉，它不像教科书那样刻板，而是像一部精心编排的交响乐，有起承转合，有高潮迭起。在梳理繁复的艺术谱系时，作者总能找到一个情感的切入点，将冰冷的历史节点包裹在温润的人文关怀之中。对于我这样的非专业读者来说，它成功地让我感受到了国剧的“美”，而非仅仅是“知识”。这本书读完后，我打算把以前听过的戏曲录音重新找出来，带着这本书里获得的感悟再去聆听，相信会是完全不一样的体验。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的《国剧艺术汇考》，光是拿到手里，沉甸甸的质感就让人对其中蕴含的文化底蕴肃然起敬。我一直对京剧、昆曲这些传统艺术形式抱有浓厚的兴趣，但总觉得缺乏一本既有宏观视野又能深入细节的权威著作来系统梳理。这本书的装帧设计简洁大气，没有过多花哨的装饰，这恰恰体现了对艺术本身的尊重。我翻开目录，里面详尽的章节划分，从戏曲的起源流变，到各个主要剧种的表演体系、声腔特色，再到著名剧目、代表性演员的生平与艺术成就，可谓是包罗万象。特别是它对不同历史时期剧目改编与创新的比较研究，让人耳目一新，能清晰地看到艺术在时代洪流中的呼吸与演变。我尤其欣赏作者在论述中大量引用的史料和一手观察记录，这使得整部作品充满了坚实的学术支撑，绝非空泛的赞美之词。阅读过程中，我感觉自己仿佛穿越时空，亲临了不同年代的戏园子，与那些艺术大师们进行了一次无声的对话，深刻体会到国粹艺术的博大精深与韵味无穷。这本书无疑是戏曲爱好者、研究者案边不可或缺的案头宝典，它提供的不仅仅是知识，更是一种对传统美学的深度体悟。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书纯粹是出于对那个黄金年代梨园行内幕的好奇。市面上关于戏曲的介绍很多，但大多停留在对剧目梗概的介绍，对于幕后的艰辛、艺术家之间的传承与较量，以及剧团内部的运作机制，往往一带而过。这部《国剧艺术汇考》在这方面给予了极为详尽的披露。书中对于清末民初几个重要戏班的兴衰，不同流派在艺术风格上的微妙差异乃至激烈的竞争，描述得入木三分。作者似乎花费了大量时间去挖掘那些尘封的档案和口述历史，使得文字充满了历史的厚重感和现场感。读到某些段落，我仿佛能听到后台紧张的催场声、看到艺术家们在台下反复揣摩身段的身影。更引人注目的是，作者并未陷入无谓的褒贬，而是以一种近乎冷静的观察者视角，去分析和评价每一位艺术家的贡献和局限性。这种客观而深入的剖析，极大地提升了本书的信服力，也让我对这些为艺术奉献一生的前辈们，产生了更深层次的敬意。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一名专业的舞美设计工作者，我更关注的往往是戏曲在视觉呈现和空间调度上的革新。这本书的视觉研究部分，简直是为我量身定做的惊喜。它没有简单地停留在服饰的华丽或者脸谱的色彩分析上，而是深入探讨了“一桌二椅”的极简主义哲学是如何影响了空间意象的构建，以及灯光和布景在不同时期如何配合声腔的变化而服务于情感表达。作者对于不同历史时期戏曲舞台灯光使用的演变，进行了细致的梳理，这一点在其他综合性的戏曲书籍中是极少涉及的深度。每一次阅读关于舞台调度和人物走位的部分，我都会立刻联想到我的设计图纸，并从中汲取新的灵感，思考如何将传统美学中的写意性融入现代舞台技术之中。这本书不仅是艺术史的梳理，更是一本关于舞台语言的“解码器”，它帮助我理解了看似随意的动作背后，蕴含着多么严谨的审美逻辑和技术考量。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚开始接触这本《国剧艺术汇考》时，我还有些担心它会像很多学术专著一样，语言晦涩难懂，充满了只有内行才能理解的术语。然而，出乎意料的是，作者的叙事口吻非常富有张力且极具画面感。他不仅仅是在“罗列事实”，更是在“讲述故事”。比如，当他描绘某位老艺术家的嗓音如何从高亢激昂转为苍劲悠远时，那种文字的力量几乎能穿透纸面，让人联想到舞台上的神韵。我特别留意了其中关于“虚拟写意”在舞台呈现上的哲学探讨部分，作者巧妙地将东方哲学思想与具体的表演技巧联系起来，将那些抽象的“做、念、唱、打”用清晰的逻辑串联起来，使得即便是初涉戏曲的朋友也能领略到其中的精妙之处。阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一种沉浸式的体验。它成功地架起了一座沟通传统艺术与现代读者的桥梁，让那些曾经遥不可及的艺术殿堂，变得触手可及，充满了人性的光辉和艺术的魅力。这本书的价值，就在于它既有学问的深度，又不失文学的美感。

评分☆☆☆☆☆

一个了解中国戏剧非常好的途径

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略读

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