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出版者:人民邮电出版社

作者:福克斯(Michael Langford)

出品人:

页数:386

译者:张浩

出版时间:2010-5

价格:128.00元

装帧:平装

isbn号码:9787115221377

丛书系列:“十一五”国家重点图书出版规划项目

图书标签:

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探寻视觉语言的起源：从黑暗到光明，捕捉瞬间的艺术 在这场关于图像创造的探索之旅中，我们将一同揭开摄影这门迷人艺术的神秘面纱。这并非仅仅是关于按动快门、聚焦光线那么简单，而是一次深入理解视觉表达、锤炼观察力、以及掌握技术工具以传递内心世界的旅程。我们将从摄影最原始的形态——“暗箱”的原理出发，追溯光影如何被捕捉、被记录，最终演变成我们今天所熟知的图像。 第一章：光影的秘密——摄影的起源与基础 本章将带领你回到摄影的黎明。你将了解到，古老的“暗箱”——一个简单的光线投射装置——是如何激发了人类对永久记录图像的渴望。我们会详细剖析光线在摄影中的核心作用，它不仅是形成图像的媒介，更是塑造形态、营造氛围、传递情感的无形画笔。从自然光到人造光，我们将学习如何识别、理解和运用不同光源的特性，理解光线的方向、强度和色温如何影响画面的质感与情绪。你将了解到，一张成功的照片，往往是对光线巧妙运用的结果，它是在黑暗中寻找到光明，并将瞬间凝固的神奇过程。 第二章：窥视视界的窗口——镜头的光学原理与选择 镜头，作为摄影师的“眼睛”，其背后的光学世界同样充满了奥秘。本章将深入浅出地解析镜头的光学原理，从焦距、光圈、景深到视角，我们将一一拆解这些构成影像的关键要素。你将理解不同焦距的镜头（广角、标准、长焦）如何改变我们观察世界的方式，它们各自适合捕捉何种场景；而光圈的调节，则直接关系到景深，它决定了画面中哪些部分是清晰的，哪些部分是虚化的，从而帮助我们引导观众的视线，突出主体。我们将探讨如何根据不同的拍摄对象和创作意图，选择最适合的镜头，让你的影像语言更加丰富和精准。 第三章：唤醒影像的魔法——感光材料与数字传感器 从湿版摄影的繁复到胶片时代的经典，再到如今的数字影像，摄影的记录媒介经历了翻天覆地的变化。本章将带你回顾感光材料的演变，理解它们如何通过化学反应捕捉光线。更重要的是，我们将聚焦于现代摄影的核心——数字传感器。你将深入了解CCD和CMOS传感器的工作原理，它们如何将光信号转化为电信号，以及像素、分辨率、ISO感光度等关键技术指标对最终成像质量的影响。我们将探讨高ISO在弱光环境下的优势与挑战，以及如何通过合理的曝光设置，最大化传感器的表现力。 第四章：构筑视觉叙事——构图的艺术与法则 摄影不仅仅是记录，更是表达。构图，则是连接观看者与被摄对象的重要桥梁。本章将为你揭示那些历久弥新的构图法则，如三分法、黄金分割、引导线、对称构图等。你将学会如何运用这些工具，有意识地组织画面元素，引导观众的目光，突出主体，营造视觉的平衡与张力。更重要的是，我们鼓励你打破规则，去探索属于自己的视觉语言，通过独特的视角和构图方式，赋予画面生命力，讲述属于你的故事。 第五章：时间的舞蹈——曝光的控制与创意 曝光，是摄影的灵魂。它是光线与时间在感光材料上的精确舞蹈。本章将深入探讨曝光三要素——光圈、快门速度和ISO感光度——之间的相互关系，以及如何根据现场光线条件和创作意图，进行精准的曝光控制。你将学习如何运用不同的曝光组合，实现诸如“凝固瞬间”（高速快门）或“记录轨迹”（慢速快门）等创意效果。我们还将涉及曝光补偿、包围曝光等技巧，帮助你在复杂的光线环境下，捕捉到细节丰富、层次分明的影像。 第六章：色彩的低语——白平衡与色彩理论 色彩，是影像中最直观的表达语言，它能唤起强烈的情感共鸣。本章将带你走进色彩的世界，理解色彩的构成、对比与和谐。你将学会如何运用白平衡，准确还原场景中的色彩，避免因光源色温不同而造成的偏色。从冷暖色调的运用，到互补色、近似色的搭配，我们将探讨色彩如何影响画面的情绪和意境，以及如何通过后期色彩调整，进一步提升影像的艺术表现力。 第七章：聚焦真实——对焦的精确与选择 精准的对焦，是保证影像清晰度的基石。本章将深入解析自动对焦与手动对焦的原理和应用场景。你将了解不同的对焦模式（单次对焦、连续对焦）如何适应不同的拍摄对象，以及如何选择对焦点，确保主体得到最清晰的呈现。无论是捕捉飞驰的运动瞬间，还是刻画人物细腻的情感，精准的对焦都是不可或缺的关键。 第八章：捕捉运动——快门速度的魔力 快门速度，是控制时间流逝的魔法棒。本章将深入探讨快门速度在影像创作中的作用。你将学习如何运用高速快门，将运动的瞬间凝固，展现清晰而富有动感的画面；如何运用低速快门，捕捉流动的光影、虚化的背景，创造出富有艺术感的“拖影”效果。无论是运动摄影、风光摄影还是人像摄影，掌握快门速度的运用，都能为你的作品增添独特的魅力。 第九章：景深的力量——光圈的控制艺术 光圈，不仅控制着进入相机的光量，更是景深的关键决定因素。本章将深入解析光圈与景深的关系。你将理解大光圈如何创造出迷人的背景虚化效果，突出主体，而小光圈则能实现更大的景深，让画面中的景物从前景到背景都清晰可见。从人像的特写到壮丽的风光，我们都将探讨如何通过光圈的巧妙运用，达到理想的视觉效果，引导观众的视线，强化画面的主题。 第十章：超越按键——摄影师的观察与思考 摄影的最高境界，在于摄影师的观察与思考。在本章，我们将回归摄影的本质，强调培养敏锐的观察力，捕捉日常生活中的不凡瞬间。你将学会如何带着问题去观察，去思考，去理解被摄对象背后的故事和情感。我们鼓励你跳出技术层面的束缚，用心去感受，用眼睛去发现，用镜头去表达，从而创造出真正触动人心的作品。这是一场关于发现、理解与表达的旅程，我们将一同探索如何让你的每一张照片都充满意义与力量。

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这本书，我可以说是在一种“循序渐进”的惊喜中度过的。我一直对摄影的后期处理抱有很大的期待，但又担心自己无法掌握，这本书在这方面给了我很大的信心。它在基础摄影部分非常扎实，对于光线、构图、色彩等基本要素的讲解，清晰明了，即使是完全的初学者也能很快理解。但更让我惊喜的是，它在基础之上，开始探讨如何通过后期来“强化”和“升华”照片。书中并没有教你复杂的PS技巧，而是从摄影师的视角，讲解了后期在调整色彩平衡、优化明暗关系、甚至是用色彩来营造情绪方面的作用。它让我明白，后期不是“修图”，而是“二次创作”。它强调了“忠于原片”和“适度调整”的平衡，让我意识到，好的后期应该是让照片更加接近摄影师最初的设想，而不是凭空捏造。我尤其喜欢它关于“情绪色彩”的讲解，它通过分析不同色彩组合如何影响观者的情绪，让我对色彩的运用有了更深的理解。书中还给出了一些非常实用的后期思路，比如如何通过调整对比度来增加画面的冲击力，如何通过局部提亮来引导观者的视线。读完这些内容，我感觉自己对摄影后期的恐惧感消失了，取而代之的是一种跃跃欲试的冲动。我迫不及待地想把书中学到的知识应用到我自己的照片上，去看看它们能发生怎样的变化。

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读完《英国皇家艺术学院基础摄影教程》，我感觉自己像是推开了一扇全新的大门。在接触这本书之前，我一直以为摄影是关于相机的参数设置、镜头选择等等技术性的东西，而忽略了摄影艺术本身。这本书的独特之处在于，它将摄影上升到了艺术表达的高度，强调了摄影师的“眼睛”和“思想”才是最重要的。它并没有上来就讲什么曝光补偿、白平衡，而是从“看见”开始。书中关于“观察力”的训练部分，让我受益匪浅。它指导我如何去留意生活中的细节，如何去捕捉光影的变化，如何去发现平凡事物中隐藏的美感。我曾经尝试过几次摄影，拍出来的照片总是显得很“平”，缺乏生命力，现在我明白了，问题不在于我的相机不够好，而是我没有真正“看见”我要拍的东西。书里的一些练习，比如“用线条讲述故事”，就非常有启发性。它引导我思考，如何通过画面中的线条来引导观者情绪，表达一种意境。我试着去捕捉那些充满动感的线条，或是那些具有引导性的线条，发现它们真的能够让照片瞬间变得不一样。此外，它在讲解色彩运用时，也给我留下了深刻的印象。它不是简单地告诉你什么是冷色调、暖色调，而是分析了色彩如何影响观者的情绪，以及如何在画面中运用色彩来营造特定的氛围。这本书让我明白，摄影不仅仅是记录，更是一种创作，一种用光影和色彩来表达内心的语言。我感觉自己现在看世界的方式都发生了变化，仿佛随时都能发现那些可以被定格下来的美好瞬间。

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这本书给我最大的感触是它对“光影对话”的极致追求。《英国皇家艺术学院基础摄影教程》让我明白，摄影的本质，是光影的艺术。它不仅仅是教会我如何使用相机来捕捉光线，更是引导我如何去“理解”和“驾驭”光线。书中对“侧光”、“逆光”、“顶光”等不同光线条件的分析，都非常详尽，并且配有大量对比鲜明的图片，让我能够直观地感受到不同光线对画面所带来的差异。我尤其喜欢它关于“二次曝光”和“长曝光”的讲解，它让我看到了如何通过叠加光影，创造出更加富有想象力和艺术表现力的画面。它还关于“自然光与人造光的结合”也有深入的探讨，让我明白如何在复杂的照明环境中，巧妙地运用光线来突出主体，营造氛围。我之前拍摄的照片，总觉得画面缺乏“层次感”和“立体感”，看完这本书，我才意识到，关键在于我没有去深入理解光影的互动和变化。它让我开始带着一种“探寻”的眼光去观察世界，去感受光线在不同物体上的投射和漫反射，去思考如何利用这些光影来塑造我想要表达的画面。感觉自己现在拿起相机，不再是简单的记录，而是像一个画家一样，用光影的笔触来描绘我心中的世界。

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这本书的“构图进阶”部分，可以说是彻底改变了我对摄影构图的认知。《英国皇家艺术学院基础摄影教程》并非仅仅罗列各种构图法则，而是将这些法则置于更广阔的艺术语境中进行解读。它深入分析了“黄金分割”、“三分法”等经典法则背后的数学原理和视觉心理学依据，让我不仅知其然，更知其所以然。我一直认为构图是为了让画面“好看”，但这本书让我明白，构图更是为了“叙事”和“表达”。它通过大量优秀的摄影作品，展示了摄影师是如何巧妙地运用构图来引导观者的视线，营造画面的节奏感和韵律感，甚至是在画面中埋藏信息和暗示。我尤其喜欢它关于“负空间”的运用和讲解，它让我看到了在画面中留白的重要性，以及负空间如何能够增强画面的意境和留给观者想象的空间。书中还探讨了一些更具挑战性的构图技巧，比如“对称构图的打破”和“非传统视角的运用”，这些都极大地拓展了我的摄影思维。我感觉自己现在看待画面，不再是简单地评价好坏，而是会去分析它背后的构图逻辑和表达意图。它让我开始有意识地去构建自己的画面，去思考每一个元素在画面中的位置和作用，仿佛我不再是一个单纯的拍摄者，而是一个画面的“设计师”。

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《英国皇家艺术学院基础摄影教程》在“色彩理论”方面的讲解，绝对是我的“启蒙之光”。我一直对色彩充满迷恋，但却苦于无法将这份迷恋转化为实际的拍摄技巧。这本书并没有将色彩理论复杂化，而是以非常直观和易懂的方式，为我揭示了色彩在摄影中的重要作用。它深入浅出地讲解了“色彩心理学”，让我明白了不同的色彩组合能够唤起什么样的情绪和感受，以及如何在画面中运用色彩来营造特定的氛围。我尤其欣赏它对于“色彩搭配”的分析，它不仅介绍了互补色、邻近色等基本概念，更通过大量实际案例，展示了如何通过色彩的巧妙运用，让画面更具吸引力和表现力。书中的“色彩倾向”的讲解也让我大开眼界，它让我意识到，通过控制画面的整体色调，可以有效地传达摄影师的情感和意图。我之前拍摄的照片，总是色彩比较“杂乱”，缺乏统一的风格，看完这本书，我才意识到，关键在于我没有去理解和运用色彩的“语言”。它让我开始有意识地去观察生活中的色彩关系，去思考如何将我所看到的色彩进行提炼和重组，从而创造出更具艺术感染力的画面。我现在看待世界，仿佛进入了一个五彩斑斓的调色盘，充满了无限的创作可能。

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这本《英国皇家艺术学院基础摄影教程》的封面设计就足以吸引我，那种典雅又充满艺术气息的风格，让我在拿到书的瞬间就感受到了一种专业和权威。我一直对摄影充满好奇，但零基础的我总是被复杂的术语和器材搞得一头雾水。翻开这本书，我惊喜地发现，它并没有直接灌输理论，而是从最根本的光线、构图入手，用非常形象的比喻和生动的例子来解释每一个概念。比如，书中对于“光线的质感”的描述，不仅仅是讲了硬光和柔光，还通过对比不同场景下的光线如何影响被摄对象的表情和氛围，让我瞬间明白“画光”的真正含义。我尤其喜欢它讲解构图的部分，并没有生搬硬套各种法则，而是通过分析大量优秀的摄影作品，指出构图在引导观者视线、突出主体、营造画面平衡感方面的作用，让我从“为什么”的角度去理解这些规则，而不是死记硬背。书中的案例分析也非常到位，每一个案例都配有详细的讲解，分析了摄影师是如何运用光线、构图、色彩等元素来表达自己的想法，这对我这个初学者来说，简直是及时雨。我之前以为摄影就是按下快门，但这本书彻底颠覆了我的认知，让我看到了摄影背后蕴含的艺术思考和技术细节。它的语言风格非常亲切，仿佛是一位经验丰富的老师在耳边谆谆教导，而不是一本冷冰冰的教科书。我感觉自己已经能够运用书中学到的知识，去观察周围的世界，用一种新的视角去发现美，去捕捉那些稍纵即逝的瞬间。这本书不仅教会了我如何“拍出好看的照片”，更重要的是，它点燃了我对摄影艺术的真正热爱，让我迫不及待地想拿起相机去实践。

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这本书的“故事性”让我印象深刻。我原本以为摄影教程会是枯燥的理论堆砌，但《英国皇家艺术学院基础摄影教程》却让我感觉像是在听一个资深摄影师在娓娓道来他的创作历程和心得。它在讲解摄影基础知识的同时，巧妙地融入了许多摄影师的真实故事和创作背景，让我对摄影的理解不仅仅停留在技术层面，更能体会到摄影师的个人思考和情感表达。它在讲解“人像摄影”时，不仅仅是教会我如何调整光线让人物更上镜，更是强调了与被拍摄者的沟通和情感连接的重要性。它让我明白，一张好的肖像，不仅仅是外表的呈现，更是内在的灵魂的捕捉。书中对“眼神”的捕捉和处理的讲解，让我觉得非常有共鸣。它让我意识到，眼神是传递情感和故事的关键。它还关于“环境人像”的讲解，让我看到了如何将人物置于特定的环境中，通过环境来烘托人物的性格和故事。我之前拍摄人物，总觉得照片缺乏生命力，看完这本书，我才意识到，关键在于我没有去理解和挖掘人物背后的故事。它让我开始思考，如何通过画面去讲述一个关于人的故事，如何让照片不仅仅是二维的影像，更是三维的情感和灵魂的载体。

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《英国皇家艺术学院基础摄影教程》给我最深刻的印象是它对“瞬间”的捕捉和表达的重视。我一直认为摄影就是记录，但这本书让我明白，摄影更是一种对“决定性瞬间”的精准把握。它不仅仅是教你如何按下快门，更是教你如何去“预判”和“等待”那个能够承载故事和情感的最佳时刻。书中在讲解“抓拍”时，用了大量的实例，分析了摄影师是如何在复杂多变的场景中，捕捉到那些能够瞬间抓住人心的瞬间。它强调了观察力和反应速度的重要性，并且提供了一些实用的训练方法，比如“观察生活中的节奏感”，让我开始留意那些日常生活中的韵律和变化。我之前拍摄街景，总是觉得照片缺乏灵魂，看完这本书，我才明白，关键在于我没有捕捉到那些人与人之间、人与环境之间的互动，那些能够体现故事性和情感的“瞬间”。它还关于“运动的捕捉”也有很深入的讲解，不仅是冰冻的瞬间，更是如何通过快门速度来表现运动的轨迹和动感，让我对动感摄影有了全新的认识。这本书让我开始主动地去观察生活，去寻找那些有故事的瞬间，去思考如何在画面中传递情感。感觉自己现在拿起相机，不再是随意拍摄，而是带着一种目标和期待，去寻找和捕捉那些能够触动人心的画面。

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《英国皇家艺术学院基础摄影教程》给我最大的感受是它的“厚重感”，但这并非指内容的晦涩难懂，而是它所传达的专业度和深度。它让我明白，基础并非意味着简单，而是意味着扎实。书中的每一个章节，都像是在为我打下坚实的地基。我尤其喜欢它对“景深”的讲解，它不仅仅是告诉我们如何控制景深，而是通过大量的实例，展示了景深在突出主体、虚化背景、营造空间感方面的作用。我之前总是觉得背景虚化就是为了好看，但看完这本书，我才意识到，景深的选择是摄影师表达意图的重要手段。它如何引导观众的注意力，如何塑造画面的层次感，都与景深息息相关。书中对“对焦”的讲解也同样深入，它不仅仅是教我们如何让画面清晰，更是引导我们思考，在什么位置对焦，才能最有效地传达信息。它还提到了“柔焦”和“失焦”的艺术性运用，让我对摄影的理解又进了一步。我感觉这本书更像是一本摄影的“哲学读本”，它不只教你“怎么做”，更引导你思考“为什么这么做”。它的语言简洁而精准，没有丝毫的冗余，每一个字都充满了力量。我一直在寻找一本能够真正让我入门摄影的书，而这本书无疑达到了我的预期，并且远远超越了我的预期。它让我从一个旁观者变成了参与者，让我开始渴望用自己的双手去创作，去表达。

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《英国皇家艺术学院基础摄影教程》给我最大的震撼是它对“黑白摄影”的重新定义。我一直觉得黑白摄影是一种复古的风格，是一种怀旧的表达方式，但这本书让我看到了黑白摄影的现代感和无限可能。它不仅仅是教你如何将彩色照片转为黑白，而是深入探讨了黑白摄影的核心——光影、线条、纹理和情绪。书中对“对比度”在黑白摄影中的作用的讲解，让我印象深刻。它让我明白，在没有色彩的干扰下，对比度才是画面视觉冲击力的主要来源。它还关于“纹理”的表现力有非常细致的讲解，让我看到了如何通过黑白摄影来突出物体表面的质感和细节。我之前尝试过拍摄黑白照片，但总觉得画面比较“灰”，不够有力量，看完这本书，我才明白，关键在于我没有去理解和运用黑白摄影独特的语言。它鼓励我去“用光来绘画”，去关注画面中的形状和结构，去用最纯粹的视觉元素来表达我的想法。它让我看到了黑白摄影的简洁之美和永恒魅力，也让我开始用一种全新的视角去审视我周围的世界，去发现那些隐藏在色彩之下的，更加本质的美。

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放20年前是很好的教材…

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很基础，讲胶片、原理，胶片才是摄影的基础

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很基础，讲胶片、原理，胶片才是摄影的基础

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確實太基礎了...

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读了个开头。