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出版者:中国人民大学出版社

作者:吴焯

出品人:

页数:312

译者:

出版时间:2010-6

价格:49.80元

装帧:平装

isbn号码:9787300119304

丛书系列:世界美术通史

图书标签:

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好的，这是一份关于《欧洲中世纪建筑艺术探析》的详细图书简介，完全不涉及朝鲜半岛美术的内容。 --- 欧洲中世纪建筑艺术探析：从罗马遗风到哥特式高峰 图书简介 本书深入剖析了欧洲中世纪（约公元5世纪至15世纪）波澜壮阔的建筑艺术史，重点聚焦于这一时期西方世界在信仰、权力与技术变革驱动下所实现的建筑美学飞跃。我们超越单纯的风格分类，致力于揭示建筑形式背后的社会结构、宗教哲学以及技术创新，展现中世纪如何在继承古典遗产的同时，孕育出独树一帜的视觉语言。 第一部分：奠基与过渡——黑暗时代的建筑回响 (公元500年 - 公元1000年) 中世纪的开端并非一片空白，而是罗马帝国衰亡后，各地蛮族王国试图在古典废墟上重塑秩序的艰难过程。本部分将详细考察这一“黑暗时代”的建筑遗产。 1. 早期基督教与拜占庭的遗产继承： 我们将首先审视西罗马帝国灭亡后，早期基督教会在罗马城郊及意大利半岛的初步发展。重点分析早期巴西利卡式教堂的平面布局如何适应基督教礼仪的需求，以及对古罗马穹顶结构（如万神殿）的运用与改造。随后，我们转向东方，探讨拜占庭风格的巅峰之作——圣索菲亚大教堂，分析其突破性的“伪穹顶”技术如何实现空间与光线的完美融合，这种对中央集中式布局的追求对后世产生了深远影响。 2. 墨洛温与加洛林文艺复兴的实践： 聚焦于法兰克王国的强盛时期，考察查理曼大帝试图复兴罗马帝国荣光的努力。本章详细研究了对后世修道院建筑至关重要的原型——加洛林式修道院平面图，特别是其引入的西斯泰斯（Westwork，西部门楼）概念，这不仅是防御性的，更是对世俗权力与神圣空间的界定。对科隆圣殿骑士团教堂等早期案例的测绘分析将展现早期的砖石技术与木结构过渡期的特点。 3. 罗马式建筑的勃兴与地域多样性（公元1000年 - 公元1150年）： 随着社会相对稳定和朝圣热潮的兴起，欧洲建筑迎来了第一个成熟的风格——罗马式（Romanesque）。本章是全书的重点之一，我们将深入探讨罗马式建筑的“厚重”美学及其技术驱动因素： 厚墙与支撑系统： 分析厚重的墙体、浅窄的窗户和半圆形拱券（Round Arch）在防火和结构稳定上的优势与局限。 拱顶技术的革新： 从早期的木制屋顶过渡到砖石拱顶（如筒形拱顶和交叉拱顶）的过程，以及这对建筑内部光线和声学效果的制约。 雕塑与建筑的融合： 重点剖析比萨大教堂、达勒姆大教堂等地的雄伟的西立面以及圣徒雕像在柱头和门楣（Tympanum）上的叙事功能，体现了“向文盲传授圣经”的教育目的。 地域流派的差异： 对诺曼式（在英格兰的发展）、勃艮第学派（如克吕尼修道院的宏大叙事）以及意大利（如托斯卡纳的彩色大理石运用）进行对比研究。 第二部分：光之圣殿——哥特式建筑的辉煌与哲学 (公元1150年 - 公元1500年) 哥特式（Gothic）建筑是中世纪技术与精神哲学的最高体现。本书的后半部分将集中于对这一“光明艺术”的解构。 1. 技术的革命：哥特式的三要素： 哥特式建筑的本质在于解决了罗马式建筑的采光和内部空间限制问题。本章详细解析了驱动这一革命的三个关键结构要素： 尖拱（Pointed Arch）： 分析尖拱如何更有效地将侧推力向下引导，减少了对墙体的压力。 肋拱（Rib Vault）： 阐述肋拱作为骨架如何使拱顶的重量得以集中于少数几个点上，而非均匀分散于墙体。 飞扶壁（Flying Buttress）： 这是哥特式最引人注目的外在特征。通过详细的结构分析和受力图，揭示飞扶壁如何将中殿上部产生的巨大侧推力安全地传导至地面，从而使得墙体得以被“解放”为巨大的彩色玻璃窗。 2. 法国哥特式的起源与发展脉络： 以法兰西岛（Île-de-France）为中心，我们追踪了哥特式从诞生到成熟的清晰演变路径： 早期哥特（Early Gothic）： 以圣但尼修道院（St. Denis）的重建和圣母院（Notre-Dame de Paris）为例，探讨四层立面结构（拱廊、画廊、玫瑰窗、高窗）的形成。 盛期哥特（High Gothic）： 以沙特尔、兰斯、亚眠大教堂为代表，分析其追求极致高度与统一空间感的特征，以及高耸的尖塔和宏伟的玫瑰窗如何将信徒的目光导向天堂。 放射式与火焰式（Rayonnant and Flamboyant）： 考察晚期哥特对装饰的极致化追求，窗棂的复杂如同火焰般扭曲的形态，以及对光影效果的痴迷。 3. 欧洲各地的哥特式变体与本土化： 哥特式风格传播至欧洲各地后，因地制宜地产生了鲜明的地域特色： 英国哥特（English Gothic）： 强调横向发展和连续性，重点分析其独特的四段式立面、更长的中殿以及“垂直式”（Perpendicular Style）中复杂的网状拱顶（Net Vaulting）。 德意志与中欧： 探讨“大教堂”（Hallenkirche，大厅式教堂）的出现，即中殿和侧廊的高度趋于一致，创造出开阔、光线均匀的内部空间，这反映了市民阶层对平等和社区感的追求。 西班牙与意大利： 分析地中海气候对建筑的影响，如意大利哥特式对厚重墙体的保留、更少使用飞扶壁，以及对古典主义的隐约回归。 第三部分：建筑之外——中世纪建筑的社会与象征意义 本书最后一部分将从更宏观的视角审视中世纪建筑的深层价值，超越纯粹的工程学分析。 1. 建造的组织与经济： 考察石匠行会（Masons' Guilds）的运作模式、技术知识的保密与传承，以及大型教堂和城堡的建造周期与资金来源（王室、贵族、教会与市民捐赠）。 2. 象征主义与宇宙观： 深入探讨中世纪神学家和建筑师如何将教堂视为“天国的缩影”（Microcosm of Heaven）。光线被解释为上帝的具象，复杂的象征性布局（如十字形平面）如何映射《圣经》的叙事结构和中世纪的宇宙模型。 3. 从教堂到世俗建筑：城堡与市政厅： 对比教会建筑的垂直向上与世俗建筑的横向巩固。分析中世纪晚期随着城市经济发展，市政厅（如布鲁日的钟楼）如何成为市民财富与自治权的象征，以及防御性城堡向宫廷化住宅的转变，预示着文艺复兴的来临。 --- 本书特色： 结构优先： 详细图解和结构分析，帮助读者理解中世纪工程师如何解决承重与跨度问题。 跨学科视野： 结合考古学、神学和艺术史，构建一个全面的历史叙事。 聚焦技术演变： 清晰勾勒出从早期罗马式到成熟哥特式，再到晚期装饰风格的逻辑发展链条。 《欧洲中世纪建筑艺术探析》是一本为历史爱好者、建筑专业学生及文化研究者量身打造的深度导览，它将带领读者走进那些宏伟石墙之中，聆听信仰、技术与权力在中世纪欧洲奏响的交响乐章。

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这本书《朝鲜半岛美术》给了我一种前所未有的沉浸式阅读体验。作者的文笔非常流畅且富有感染力，仿佛我正亲身漫步在朝鲜半岛的古老宫殿、幽静寺庙和现代美术馆之中。书中对于不同时期艺术品细节的描绘，细致入微，例如在描写高丽王朝时期翡翠般的青瓷时，作者用了很多富有画面感的词汇，让我仿佛看到了瓷器表面流动的釉色，感受到了那份温润如玉的触感。不仅仅是视觉的呈现，书中还深入剖析了不同艺术品所蕴含的哲学思想和精神追求。我特别被书中对朝鲜王朝时期文人画的阐述所吸引，作者详细介绍了这些画作如何体现文人的情怀、对自然的敬畏以及对隐逸生活的向往。这种将艺术作品与创作者的情感、人生哲学紧密结合的解读方式，让我对这些画作有了更深层次的理解，不再仅仅是欣赏其形式美，更能体会到其中蕴含的深邃意境。书中对当代朝鲜半岛艺术的介绍也同样精彩，展现了艺术家们如何在继承传统的同时，积极拥抱现代观念和国际视野，创作出具有独特个性和时代精神的作品。总而言之，这本书不仅仅是一本艺术鉴赏的书籍，更是一本关于文化、历史与人生的深刻解读。

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我是一名对亚洲艺术情有独钟的爱好者，而《朝鲜半岛美术》这本书无疑是我近期读到的一本非常精彩的著作。它以一种非常系统且深入的方式，为我打开了朝鲜半岛艺术的瑰丽画卷。书中对于历史脉络的梳理非常清晰，从史前时代的原始艺术，到各个古代王朝的艺术高峰，再到近现代的艺术变革，每一个阶段都呈现出鲜明的时代特征和地域特色。我尤其对书中对高句丽时期壁画的解读印象深刻，那些栩栩如生的人物形象，充满动感的狩猎场景，以及神秘的宗教符号，都让我感受到了那个遥远时代鲜活的生命力。更让我惊喜的是，本书并没有停留在对古代艺术的追溯，而是将目光延伸到了近现代。书中对20世纪初以来，受西方艺术思潮影响的朝鲜半岛艺术家们的探索与实践，以及他们在民族艺术传承与创新方面所做的努力，进行了深入的分析。这部分内容让我看到了朝鲜半岛艺术如何在全球化的浪潮中，既保持自身特色，又不断吸收新元素，发展出新的生命力。这种对历史纵深的挖掘与对当下现实的关照相结合的叙述方式，让这本书充满了智识的趣味和艺术的魅力。

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《朝鲜半岛美术》这本书，简直是一次令人心潮澎湃的艺术发现之旅。作者在书中展现的，不仅仅是各种类型的艺术品，更是对这些艺术品背后深层文化含义的挖掘。我尤其对书中对于“道”的哲学理念如何在朝鲜半岛的艺术中得到体现的论述感到着迷。例如，书中对山水画中“虚实相生”的境界的描绘，让我领略到了中国传统哲学思想如何与朝鲜半岛的自然景观和艺术创作相融合，形成了独特的审美情趣。那种画面中留白之处的无限意境，仿佛能让观者自行去感悟，去想象。书中对不同时期绘画风格的演变，从唐宋影响下的严谨写实，到朝鲜王朝时期的自由挥洒，再到近现代的多元探索，都进行了非常细腻的解读。我特别喜欢书中对一些被大众所忽略的艺术形式的关注，比如一些地方性的民间祭祀绘画，以及反映社会现实的漫画，这些都展现了朝鲜半岛艺术的丰富性和生命力。这本书就像一座巨大的宝库，每一次翻阅，都能从中挖掘出新的知识和新的感悟。

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不得不说，《朝鲜半岛美术》这本书的选材非常独到，它不仅仅局限于我们通常所认知的一些“名家名作”，而是将目光投向了更广阔的艺术领域，包括一些非常生活化的艺术形式，这让我感到耳目一新。我特别欣赏书中对朝鲜半岛民间艺术的重视，比如那些色彩斑斓的门画、剪纸，还有形态各异的面具，这些看似朴素的艺术形式，却生动地反映了普通民众的生活状态、婚丧嫁娶的习俗以及对美好生活的期盼。作者通过对这些民间艺术的介绍，展现了朝鲜半岛艺术的另一面——接地气、充满生命力。同时，书中对传统工艺美术的细致描绘也让我大开眼界，无论是精美的刺绣，还是富有雕刻感的木器，都体现了朝鲜半岛匠人的高超技艺和对细节的极致追求。这种将“大雅”与“大俗”并存的艺术视野，让我对朝鲜半岛的艺术有了更全面、更立体的认识，也让我更加喜爱这片土地上的艺术创造。这本书就像一个宝藏，每一次翻阅都能发现新的惊喜，让我对朝鲜半岛的文化底蕴有了更深的敬意。

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当我拿起《朝鲜半岛美术》这本书时，我并没有预设太高的期望，只是抱着一种了解的心态。然而，这本书的内容却远远超出了我的想象，让我沉浸其中，久久不能自拔。作者在书中对朝鲜半岛不同时期艺术发展的论述，非常具有逻辑性和启发性。我尤其欣赏书中关于“人与自然”关系的探讨，以及这种关系如何在朝鲜半岛的艺术中得到深刻的体现。例如，在描写佛教艺术时，书中不仅仅介绍了佛像的造型，更深入探讨了佛教如何影响了朝鲜半岛的哲学观，以及艺术家们如何通过他们的作品，来表达对生命、宇宙的理解。书中对庭院建筑和园林艺术的介绍也同样精彩，那些错落有致的建筑，蜿蜒曲折的石径，以及与自然融为一体的景观设计，都展现了朝鲜半岛人民对和谐、宁静生活的追求。读到这里，我感觉自己仿佛能听到流水潺潺，闻到花草芬芳，感受到一种古老而宁静的智慧。这本书让我对朝鲜半岛的艺术有了更深层次的理解，不仅仅是表面的美学欣赏，更是对其背后文化精神的感悟。

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我对《朝鲜半岛美术》这本书的结构和内容的深度感到无比的惊叹。它不仅仅是一本图录，更像是一部详实的艺术史论。作者在梳理朝鲜半岛艺术发展脉络的同时，非常注重挖掘每一个艺术形式背后的文化根源和哲学思考。书中对古代朝鲜半岛不同王国，如高句丽、百济、新罗时期艺术的解读，让我深刻理解了这些文明是如何在相互影响与独立发展中，塑造了独特的审美趣味。例如，对于高句丽壁画的研究，书中不仅仅是展示壁画的图像，更深入分析了壁画中的人物形象、神话传说、生活场景，并将其与高句丽的社会结构、宗教信仰联系起来，描绘出一幅生动而复杂的历史画卷。我特别欣赏的是，作者并没有回避朝鲜半岛在不同历史时期所经历的动荡与变革，反而将这些因素视为艺术发展的催化剂。例如，在描述近代时期，书中对日本殖民统治下艺术家的挣扎与抗争，以及民族艺术的传承与创新，进行了深刻的探讨。这种将艺术置于宏大历史语境中的处理方式，使得书中的每一件艺术品都仿佛拥有了生命，承载着那个时代的记忆和情感。读完关于朝鲜半岛美术的部分，我感觉自己仿佛穿越了时空，与那些古代的艺术家们进行了一场跨越千年的对话，对艺术的力量有了更深刻的感悟。

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这本书《朝鲜半岛美术》带给我的，是一种意想不到的惊喜和深度的触动。我本来以为它可能更多的是一些冰冷的艺术品介绍，但事实远非如此。作者用一种非常生动和人性化的笔触，将朝鲜半岛的艺术作品与生活、情感、历史紧密地联系在了一起。我特别喜欢书中关于朝鲜王朝时期家具和室内装饰的部分，那些看似简单的木质家具，却蕴含着精巧的设计和深刻的哲学理念，比如“阴阳平衡”在家具造型中的体现。读到这里，我仿佛能想象到古代朝鲜人是如何在这种充满智慧的设计中，过着一种宁静而有仪式感的生活。书中对服饰艺术的介绍也同样精彩，从古代王室的华丽礼服，到普通民众的日常衣着，每一件服饰都仿佛在诉说着穿着者的身份、地位和情感。尤其是书中对韩服（Hanbok）的变迁史的梳理，让我看到了韩服如何在历史的长河中，不断演变，既保留了其经典的韵味，又融入了时代的新风。这本书让我觉得，艺术不仅仅是陈列在博物馆里的展品，更是渗透在人们的日常生活，是情感的载体，是历史的见证。

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这本《朝鲜半岛美术》真是让我大开眼界，打开这本书之前，我对朝鲜半岛的艺术仅有的印象还停留在一些零星的图片，比如一些古代壁画或者现代的一些宣传画，总觉得有些单调和刻板。然而，翻开这本书，我才意识到自己过去的认知是多么狭隘。书中对朝鲜半岛从史前时代到近现代的绘画、雕塑、陶瓷、建筑、服饰乃至工艺美术等方方面面都进行了极为详尽的梳理和介绍。让我印象深刻的是，书中并没有简单地罗列艺术品，而是深入挖掘了不同时期、不同地域的艺术风格是如何形成的，它们背后蕴含着怎样的历史、文化、宗教和社会背景。例如，在介绍新罗时期的佛教艺术时，作者细致地描绘了那些佛像的造型、表情，以及寺庙建筑的布局，并联系了当时朝鲜半岛与中国的文化交流，解释了佛教艺术是如何在这里落地生根并发展出独特的地域特色的。再比如，书中对朝鲜王朝时期的民画（Minhwa）的介绍，让我看到了普通民众的日常生活，他们的喜怒哀乐，他们的愿望和信仰，这些民画色彩鲜艳，充满生活气息，与宫廷绘画的严谨和写实形成了鲜明的对比，也展现了朝鲜半岛艺术的多元化。我尤其喜欢书中关于陶瓷的部分，从高丽青瓷的优雅内敛，到朝鲜白瓷的纯净质朴，每一种瓷器的独特之美都被作者淋漓尽致地展现出来，读到这里，仿佛能闻到泥土的芬芳，感受到匠人的温度。这本书就像一位博学的向导，带领我一步步走进了朝鲜半岛的艺术殿堂，让我对这片土地的艺术成就有了全新的认识，充满了惊喜和感动。

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《朝鲜半岛美术》这本书，就像是一本打开的时光隧道，带领我穿越古今，亲历朝鲜半岛艺术的辉煌与变迁。书中对不同时期艺术风格的演变，以及相互之间的影响和融合，进行了极为详实的梳理。我尤其对书中关于高句丽、百济、新罗这三国时期艺术的解读感到震撼。作者不仅介绍了这些时期代表性的艺术作品，更深入地分析了它们是如何受到中国、日本等周边文化的影响，又是如何在此基础上发展出独具特色的艺术面貌。例如，在介绍新罗时期的金冠和金饰时，书中不仅仅描述了其精美的工艺，更解读了其背后所象征的王权、宗教以及社会等级制度。再者，书中对朝鲜王朝时期粉彩瓷器的介绍，那种细腻的笔触和丰富的色彩，让我仿佛看到了当时工匠们的心血与才情。我特别喜欢书中将艺术品与其所处的社会环境相结合的叙述方式，这让我能够更全面地理解艺术的价值和意义。这本书让我觉得，艺术不仅仅是美的创造，更是历史的见证，是文化的载体，是民族精神的体现。

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自从读完《朝鲜半岛美术》这本书，我感觉自己对这片土地的艺术有了全新的认识。它不像一些艺术书籍那样枯燥乏味，而是充满了故事性和人文关怀。作者在书中将不同时期、不同地域的艺术作品，通过一种流畅且富有情感的笔触，呈现在读者面前。我印象最深刻的是，书中对朝鲜半岛近现代艺术的介绍，它并没有简单地跟随西方艺术潮流，而是在吸收外来文化的同时，努力寻找和构建自身的艺术语言。书中对一些艺术家在动荡年代的艺术创作，以及他们如何通过作品表达对民族命运的关切，进行了深刻的描写。这种将艺术与时代、与民族命运紧密联系的叙述方式，让我倍感振奋。同时，书中对传统工艺美术的介绍也同样精彩，那些精美的刺绣，富有地域特色的陶瓷，以及充满生活气息的民间绘画，都展现了朝鲜半岛人民的智慧和创造力。这本书让我觉得，艺术是鲜活的，是不断发展的，是与时代同行的。它让我看到了朝鲜半岛艺术的独特魅力，也让我对这片土地上的人们有了更深的敬意。

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朝鲜艺术了解得比较少，这书介绍也比较简单，但图片还挺多的。看完之后个人比较喜欢高句丽时期的壁画与佛像，百济时代的佛像，高丽时代的青瓷，李朝前期的绘画。

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朝鲜的东西就是小气

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