油画入门与提高 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:蓝天

作者:金永生|主编

出品人:

页数:122

译者:

出版时间:2010-7

价格:29.80元

装帧:

isbn号码:9787509402917

丛书系列:

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好的，这是一份针对一本名为《油画入门与提高》的书籍，撰写的不包含该书内容的详细图书简介，侧重于其他艺术形式的探索： --- 书籍名称：光影的叙事：从素描到数字绘画的媒介探索 内容提要 本书旨在为那些渴望深入理解视觉艺术、却不愿局限于传统油画范畴的创作者提供一条全新的探索路径。我们不讨论调和颜料、不探讨油性媒介的物理特性，而是将焦点投向光影、结构、色彩理论以及媒介转换的力量。这是一场跨越世纪的艺术对话，从文艺复兴时期对光线和体积的精确捕捉，到当代数字画布上对无限可能性的自由挥洒。 本书将带领读者穿越一系列核心艺术概念，这些概念是所有视觉艺术形式的基石，但通常在专注于单一媒介的教程中被简化或忽略。我们将把素描的严谨性视为一切造型的基础，并将其延伸至三维空间感知与透视原理的深度剖析。随后，我们将探讨色彩的心理学影响和物理学原理，聚焦于如何利用色彩叙事而非仅仅是模仿自然。最终，我们将拥抱数字工具的力量，展示如何运用现代技术实现传统上难以企及的视觉效果和工作流程的效率。 第一部分：结构与空间——看不见的骨架 在探讨任何颜料的应用之前，我们必须建立起对视觉世界的坚实理解。本部分将彻底解构“观察”这一行为，将其转化为可操作的结构性知识。 第一章：超越线条的素描 我们不再将素描视为上色的预备步骤，而是将其视为独立的、具有强大表现力的语言。本章重点关注结构素描（Constructive Drawing），学习如何将复杂的形体分解为基础几何体，理解物体在三维空间中的体积感和重量感。我们将深入研究解剖学基础，不是为了准确复制肌肉，而是为了理解形态的内在逻辑——支撑、拉伸与平衡。此外，还将详细阐述“留白”的艺术，空白区域如何定义和增强实体，实现视觉上的呼吸感。 第二章：透视学的魔术师 透视法是构建可信空间的关键，但其应用远不止于简单的消失点计算。本章将探讨空气透视（Atmospheric Perspective）对景深的影响，以及如何运用色彩和细节的递减来模拟距离。我们还将介绍非欧几里得透视概念在现代艺术中的运用，以及如何通过打破常规透视来营造焦虑、梦幻或超现实的氛围。重点将放在如何设计空间，而不是仅仅复制空间。 第三章：光线的物理与情感 光，是所有视觉艺术的共同语言。本章摒弃了对“高光”和“阴影”的简单标注，转而深入探讨光源的性质（硬光、漫射光、边缘光）及其对物体表面的物理作用。我们将分析光线的色温（Color Temperature）如何影响画面的整体情绪，以及如何利用对比度梯度（Contrast Gradient）来引导观众的视线流向。内容涵盖如何通过光影布局来塑造叙事节奏。 第二部分：色彩的密码——心理与调性 本部分将彻底摆脱颜料管的束缚，将色彩视为一种抽象的、具有强大心理暗示的工具。 第四章：色轮之外的色彩理论 我们将审视色彩理论的现代发展，侧重于基于人眼生理反应的模型，而非传统的混色定律。探讨邻近色、互补色和分离补色的实际应用，以及如何利用色彩的“振动”效应来增强画面的活力。本章将重点介绍如何通过色彩的饱和度和明度变化来模拟不同材质的触感，例如磨砂金属与湿润丝绸之间的质感差异。 第五章：调性驱动的叙事 “调性”（Tonal Value）是决定一幅画是否成功的隐形要素。本章将教导读者如何将色彩转化为灰阶值，并以此为基础进行构图规划。通过研究大师如伦勃朗和维米尔在色彩调性上的处理，我们学会如何建立一个统一的色彩氛围，确保画面中即便使用了最鲜艳的颜色，整体依然保持和谐的“重量感”。 第六章：无媒介的色彩实验 为了深化对色彩的理解，本章将引导读者进行一系列“无媒介”的色彩练习。例如，使用彩色卡片进行拼贴组合，或利用软件的纯色块进行实验，从而剥离对笔触和纹理的依赖，纯粹地关注色彩间的相互作用。这有助于培养一种更纯粹的色彩直觉。 第三部分：媒介的拓扑学——从画布到像素 本部分将探索艺术创作的载体如何影响最终的表达，重点放在媒介的特性如何决定了创作的可能性。 第七章：数字绘画的效率与自由 我们将把焦点完全转向数字工作流程，但这绝非简单的软件操作指南。本章侧重于如何利用数字工具模拟和超越传统媒介的特性。探讨图层混合模式（Blending Modes）在模拟光效和材质上的革命性作用，以及如何使用非破坏性编辑技术来实现更灵活的迭代。重点在于理解“画笔”作为一种算法工具的本质，以及如何自定义笔刷来表达特定的艺术意图。 第八章：材质的幻觉与真实 如何用数字手段表现粗粝的麻布纹理、光滑的陶瓷釉面，或是透明的玻璃？本章将深入讲解纹理的层次构建，包括法线贴图（Normal Maps）和环境光遮蔽（Ambient Occlusion）等概念的艺术化应用，即便在二维平面上，也能创造出令人信服的三维材质错觉。 第九章：跨媒介的融合 艺术的未来在于融合。本章探讨如何将传统素描的能量转化为数字基础，或者如何将数字渲染的结果输出为版画或手工绘制的纹理叠加层。这是一次关于“痕迹”的哲学讨论：我们如何让痕迹，无论是以铅笔的石墨还是电子笔尖的形式出现，都承载着创作者的个性和情感？ 结语：观看的持续革命 本书的最终目标是解放创作者对单一媒介的依赖，建立一种普适性的视觉思维框架。通过理解光、结构和色彩的底层逻辑，读者将能够带着更深的洞察力去驾驭任何材料——无论是传统的松节油和亚麻布，还是前沿的3D建模软件和VR画布。这是一本关于“如何看待世界”而非“如何绘制世界”的指南。 ---

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我是一个偏爱风景写生的画者，对于书中对户外写生的那部分内容给予最高的评价。很多教程在谈及户外写生时，往往流于形式，只是简单地说“要捕捉光影变化”，但这本书的作者却深入探讨了应对多变环境的策略。比如，书中详细分析了不同天气条件（晴天正午、阴天、黄昏）对物体色彩的倾向性影响，并给出了快速捕捉瞬间光影的“三色速写”练习法。这种方法不仅能有效应对户外作画时间短、环境变化快的问题，还能迫使画家在短时间内提炼出场景的本质特征。此外，书中还专门辟出一节讨论了如何处理空气透视和地平线引起的视觉压缩感，这一点在传统教学中很少被如此细致地讲解。我跟随书中的指导，尝试在小尺寸画布上完成一幅远山近树的练习，惊奇地发现，仅仅通过对前景、中景、背景颜色的饱和度和细节处理的差异化控制，画面就立刻有了呼吸感和纵深感。这部分的讲解，充满了实战经验的智慧，读起来让人感到亲切而又充满启发性。

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如果要用一个词来概括这本书给我的感受，那就是“系统性”与“启发性”的完美结合。它不像某些工具书那样只关注单一技巧的堆砌，而是构建了一个从基础认知到高级技巧的完整知识体系。读完关于“人物肖像”那一章时，我才真正理解了“捕捉神韵”远比“描绘五官结构”重要得多。书中没有教我们如何把眼睛画得像照片一样逼真，而是深入探讨了如何通过对眼睛周围微妙的肌肉走向和高光的处理，来传达人物的内心状态和情绪。这种由表及里的教学思路，让我对艺术创作有了更深层次的敬畏。它不仅教会了我如何使用工具，更重要的是，它在潜移默化中提升了我的艺术修养和审美判断力。这本书不会让你立刻成为大师，但它会确保你走在成为一个有思想、有技术的成熟画家的正确道路上，每翻开一页，都能感受到作者希望将自己毕生所学毫无保留地传递给读者的真诚意愿，这比单纯的技巧传授更有价值。

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这本书在“提高”这一块的内容编排上，展现出了远超我预期的专业性和深度。我原本以为入门书顶多会涉及一些简单的静物写生，但《油画入门与提高》显然是为那些渴望突破瓶颈的爱好者量身定制的。其中关于“色彩的层次构建与空间感”那一章，简直是颠覆了我之前对油画色彩的理解。作者引入了高级的“间接画法”和“多层罩染”技法，并且用非常清晰的步骤图演示了如何通过多次薄涂建立起色彩的深度，而不是简单地在调色盘上将颜色混匀后直接覆盖。更让我惊叹的是，书中对不同媒介剂（如松节油、调和油、达玛光油）的比例控制，以及它们对画面干燥速度和光泽度的影响，做了极其详尽的实验对比。这种科学严谨的态度，让我意识到油画创作不仅是感性的表达，更是一门需要精确控制的化学与物理的结合。我尝试按照书中关于如何处理复杂光源下金属质感的步骤进行练习，虽然最终成果还略显稚嫩，但那种对体积和反射光把握的提升，是过去仅凭感觉摸索时无法企及的。这本书真正做到了“授人以渔”，教会的不是“怎么画一幅画”，而是“如何系统地训练你的观察和表现能力”。

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这本书的排版设计和插图质量也值得称赞。作为一本技术性较强的书籍，清晰的图文对照是至关重要的，而《油画入门与提高》在这方面做得非常出色。几乎每一个关键步骤，无论是调色比例、笔触方向，还是颜料的堆叠方式，都有高清的特写照片或清晰的步骤图来辅助说明。尤其是那些关于“笔触肌理”的展示，我能清楚地看到，不同的笔触在画布上留下的痕迹是多么富有生命力，这比单纯用文字描述“厚涂”或“薄刮”要有力度得多。我尤其欣赏作者对失败案例的坦诚分享。书中并没有一味地展示完美的作品，而是放了几张“需要改进”的示例，然后精确指出问题所在，例如“此处阴影的冷暖关系处理不当导致画面平坦”或者“背景的清晰度干扰了主体的焦点”。这种直面问题的态度，极大地降低了读者的挫败感，让我们知道犯错是学习过程中不可或缺的一部分，并且知道如何从错误中学习，这比单纯的赞美更具教育意义。

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刚收到这本《油画入门与提高》，迫不及待地翻了几页，我立刻被它那种深入浅出的讲解方式所吸引。首先，它不像市面上很多入门书籍那样，上来就堆砌晦涩难懂的术语，而是用非常形象的比喻和生动的例子，将油画的基本原理，比如颜料的混合、光影的塑造，娓娓道来。比如，讲到色彩的冷暖关系时，作者没有直接给出理论公式，而是通过描述一片夏日午后的林荫道和冬日清晨的雪景，让读者自己去感受那种氛围的差异，从而理解色彩对情绪的影响。这种教学方法非常高明，它不是强行灌输知识，而是引导读者去“看”世界，去“感受”光线。我特别喜欢它对画笔的选择和使用那一章节的描述，它详细解析了不同笔触对应不同效果的毛笔，甚至连不同品牌、不同硬度的油画颜料，在画布上留下的肌理感都有细致的对比分析，对于像我这样刚开始摸索工具的初学者来说，简直就是一本实用的工具指南。这本书没有急于求成地展示大师级的作品，而是将重心放在了“打地基”上，让每一个基础步骤都扎实、可靠。我感觉自己不再是面对一块画布手足无措的新手，而是有了一个可靠的向导，带着我一步步走进这个充满层次感的艺术世界。

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原来有画杖这种东西，今天没画好小脸我释然啦！

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粗略翻了，感觉帮助不是很大，但是那些名画值得细细看。

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粗略翻了，感觉帮助不是很大，但是那些名画值得细细看。

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粗略翻了，感觉帮助不是很大，但是那些名画值得细细看。

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粗略翻了，感觉帮助不是很大，但是那些名画值得细细看。