中国写意画入门 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏美术

作者:胡老溪

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:2010-7

价格:12.00元

装帧:

isbn号码:9787534430886

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泼墨山魂：中国山水画精微解析 本书导读： 《泼墨山魂：中国山水画精微解析》并非一本教授基础技法的入门指南，而是致力于深入剖析中国山水画发展脉络中的核心精神、哲学内涵及其在不同历史时期的演变。全书以宏大的历史视野和细致入微的文本分析相结合的方式，带领读者穿越数千年的艺术长廊，领略“可行、可望、可游、可居”的东方美学意境。本书假设读者已对中国绘画的基本概念有所了解，重点聚焦于如何理解和阐释山水画背后蕴含的文人情怀、宇宙观念以及笔墨语言的内在逻辑。 第一章：笔墨的本体论——从“骨法用笔”到“气韵生动” 本章首先探讨中国山水画区别于西方再现性绘画的本体论基础——笔墨。我们不会停留在介绍“皴法”或“点苔”这些技术层面，而是深入挖掘谢赫“六法”中“骨法用笔”在宋元山水画中的哲学转化。 1.1 线的本体性与宇宙观： 分析线条如何超越描绘物象的功能，成为承载“气”的媒介。从汉代帛画的遒劲到魏晋的“高古游丝描”，探讨线条的形态如何映射出士人对生命力与天地秩序的理解。重点研究顾恺之的“形神兼备”如何为后世山水画的“写意”奠定理论基石。 1.2 墨色的生成性： 区别于油画对色彩的依赖，本章着重考察“墨分五色”的精妙。分析水墨的浓淡干湿，如何模拟自然界中光影、湿度、距离的微妙变化。重点剖析唐代李思训的金碧山水（作为对水墨体系的对照研究）与荆浩、关仝的北方山水（如何用巨碑式的笔墨表现泰山之雄浑），理解墨法在构建空间感和情绪张力中的核心作用。 1.3 “气韵生动”的实践哲学： 这一节将论述“气韵生动”并非玄虚的口号，而是对画家心手相应状态的描述。通过解读元代汤垕《古今画鉴》中的相关论述，探讨如何通过对笔墨的控制，达到“胸中山水”超越“眼中之景”的境界。 第二章：空间构建与视点转换——“高远”、“深远”与“平远”的叙事结构 中国山水画的空间表达是一种时间性的、主观化的构建，而非瞬间的定格。本章旨在解构郭熙在《林泉高致》中提出的“三远”理论的深层结构。 2.1 高远：仰视的敬畏与哲思： 详细分析“高远”如何被用于表现高山大川的雄伟壮丽。以范宽《溪山行旅图》为例，探讨其如何通过层层叠嶂的紧密结构，引导观者向上仰望，感受自然界不可侵犯的崇高（Sublime）力量，以及人与自然界的关系定位。 2.2 深远：内心的幽微与过渡： “深远”是空间序列中最具叙事性的结构。本章将研究如何利用水气、雾霭（“云烟皴”）来模糊前景与远景的界限，制造出时间流逝感和空间纵深感。重点分析南宋李唐、刘松年如何继承北方雄伟之风，并注入江南文人的细腻与含蓄。 2.3 平远：横向的展开与游历体验： “平远”的特点是视野的开阔与平缓。本章对比董源、巨然的江南“平淡天真”之风，探讨如何通过“披麻皴”的柔和走向，创造出适合步移景异、沉浸式体验的流动空间。这种空间结构与中国文人“杖藜徐行”的游历方式高度契合。 第三章：文人画的兴起——“写意”与自我精神的投射 本书的核心之一在于辨析“院体画”与“文人画”的根本区别。文人画的兴起标志着艺术从“为物”转向“为我”。 3.1 雅集的精神遗产：竹石画的象征意义： 重点分析苏轼、文同对“墨戏”的理论构建。探讨竹子（象征气节）和怪石（象征坚韧）如何成为士大夫阶层自我身份认同的视觉代码。分析“不着色相”的背后，是对形式主义的批判和对内在精神的追求。 3.2 元四家的笔墨革命：去风格化与个性解放： 详细考察黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家如何实践“逸笔草草，不求形似”。 倪瓒 的“折笔”与“空寂”：分析其画面中大面积的留白如何象征着对尘世的疏离与“寒”的品格。 黄公望 的“平淡”与“浑厚”：探讨其晚年如何通过极其精微的笔墨变化，达到大音希声的艺术效果。 吴镇 的“率真”与“古拙”：聚焦其对古人笔意的继承与个人情感的强烈注入。 第四章：山水画中的“道”与“禅”——意境的超越性 山水画被誉为中国哲学最直观的载体。本章尝试解读山水画如何承载儒、释、道三家的思想精髓。 4.1 道家的“自然”观：无为与混成： 论述山水画如何体现老庄的“道法自然”。分析画家如何通过放弃精确的焦点，模仿自然的随机性与不可预测性，以实现“与万物齐同”的境界。 4.2 禅宗的影响：瞬间的觉悟与顿悟： 探讨禅宗对水墨技法的影响，尤其是在元明之际。分析“一笔过”的果断性如何对应禅宗的“直指人心”。重点研究禅宗公案对“空”的理解，如何体现在山水画中的虚实处理上。 4.3 儒家的“中和”与“居安”： 虽然山水画偏向道禅，但其最终指向仍是士人对“修身齐家治国平天下”的理想寄托。分析“可居”的要素，即在宏大自然中找到一个精神安顿之所，体现儒家对秩序与和谐的追求。 第五章：清代的集大成与分流——对传统的继承、批判与创新 明末清初，山水画进入了一个高度自觉和辩论的时期，直至清代“四王”的学院化，再到“四僧”的个体反抗。 5.1 “四王”的临摹体系： 深入剖析王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何建立“集古”的理论框架。本书将论证其临摹并非简单的复制，而是一种高度提炼和综合的“理学化”过程，旨在提炼历代笔墨的“法度”与“规律”。重点分析王原祁晚年对董源和黄公望笔法的理论总结。 5.2 “四僧”的反叛与个体情感的释放： 对比“四僧”（石涛、八大山人等）的创作动机。 石涛的“一画论”： 探讨其如何强调主体创造力，拒绝教条，主张“搜尽奇峰打草稿”，是对传统程式化倾向的有力反击。 八大山人的“寓悲于画”： 分析其极简、奇崛的造型，以及如何通过动植物的变形来表达亡国的悲愤与个体的孤傲。 结语：当代山水画的“在场性”危机与转机 本书最后将目光投向近现代，讨论西方现代主义思潮进入中国后，传统山水画在保持其精神内核的同时，如何回应新的媒介和新的世界观，以及如何在一个全球化的语境下重塑其“中国性”。 本书特色： 本书不提供任何具体技法的图解步骤，而专注于解读艺术史的“为什么”，旨在培养读者批判性的艺术史观和深层审美能力，使之能独立欣赏和阐释任何一幅中国山水画作品背后的文化与精神重量。

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