具体描述
《中国画写意入门:葡萄要诀》内容简介：葡萄古谓蒲陶、蒲桃、山葫芦等，相传是汉时张骞从西域引入。古代画葡萄最有名的是南宋末年的温曰观，人称温和尚。元宋无在《翠寒集》中曾记载温日观在西溪画过葡萄“吐作千年古怪藤，犹带西湖烟雨湿”。清金冬心于张水部宅内看到他的画后，也有诗句云：“怪叶狂藤等儿戏，俨然一领破袈裟。”我曾在《石渠宝笈》见过温和尚的葡萄图卷，其作意态萧疏，古穆淳朴，删繁就简，浑然天成。
当然，谈到画葡萄还应该提及明嘉靖至万历年间屡试不第、性情纵放的徐渭，他画葡萄从不拘泥于形似，随意点染，皆成佳构，甚是好看。他有一首七言绝句几乎是他真实的人生写照：“半生落魄已成翁，独立书斋笑晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”
在近代，写意葡萄高手有吴昌硕、虚谷、齐白石、陈师曾、陶博吾等。
学习传统用笔、设色，葡萄是绝好的题材。同学们在画写意葡萄前宜多写生，如再能多读书，多临古碑帖，内外兼修，耐得寂寞，那么一定会创作出气息纯正、格调不俗的葡萄作品。
作者简介
胡老溪，1968年生，南京人，现为江苏省美术家协会会员。2001年由江苏美术出版社出版《老溪画集》，2008年由西泠印社出版发行《当代江南中国画名家——胡老溪卷》。
目录信息
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读后感
用户评价
说实话，我是一个对传统艺术心生向往，但又常常被其高深莫测的门槛吓退的人。这本书的出现，简直是为我这样的“半路出家”者量身定做的救星。它最大的优点在于，它摒弃了学院派的刻板说教，将复杂的工具使用和基础训练过程，转化成了一系列可以轻松上手的趣味练习。例如，书中对于“点皴”和“披麻皴”的讲解，不是用晦涩的术语，而是用比喻，将不同的笔触形态比作自然界中常见的纹理，比如树皮的粗粝，或者水流的轻柔，一下子就让人有了画面感。 它的结构安排非常清晰，从最基础的墨分五色，到线条的提按顿挫，再到物象的简化与提炼，层层递进，毫无跳跃感。特别是有一节专门讲“观察的艺术”，引导我们如何从日常生活中捕捉“写意”的灵感，比如观察一棵树在不同光线下的形态变化，或者一片云的瞬息万变，这比起单纯地对着范画临摹，要有效得多。读完这部分，我感觉自己看世界的角度都变了，不再只是走马观花，而是开始留意那些稍纵即逝的美。这本书让我深刻体会到，艺术创作的源泉，永远是生活本身，而写意画，就是用最简约的工具，去表达最丰富的情感。
评分这本书的整体阅读体验，堪称是一场精神上的“松弛疗法”。我常常在工作压力大的时候翻开它，光是看着那些墨色在宣纸上自然洇开的痕迹，就感觉心绪得到了极大的平复。作者的文笔极其富有韵律感，用词考究而不卖弄，有一种老派文人的温润气质。它给我的感觉是，作者并不是在“教”你，而是在“引导”你，仿佛你正在一位慈祥的师父身边，听他娓娓道来关于自然、关于笔墨的秘密。 其中关于“诗画合一”的论述，对我触动很大。它详细讲解了如何将诗词的意境融入画面构图，不仅仅是题跋的文字，而是从诗歌的节奏感中寻找画面的韵律。这种跨学科的整合，极大地拓宽了我的创作思路。这本书的后半部分，还包含了大量的“自检与精进”的章节，它不只是告诉你“做对了什么”，更重要的是引导你去思考“哪些地方可以更好”，充满了建设性的自我批评方法。总而言之，这是一本可以伴随人一生去学习和体悟的宝典，它教给我的，是安顿心灵的艺术，远超出了绘画技巧本身。
评分我必须承认，我一开始对这类入门书籍抱有很低的期望，通常这类书要么内容空泛，要么技巧陈旧。但这本让我彻底改观了。它的现代性处理得非常巧妙。它没有完全沉溺于对古代经典的复述，而是将传统写意的精神与当代人更直接、更强烈的视觉表达需求结合了起来。比如，书中探讨了如何在有限的画面空间内，运用大胆的、甚至有些抽象的墨块来营造现代感和冲击力，这在传统的写意画教程中是比较少见的。 我特别欣赏它在色彩运用上的引导。虽然写意画以水墨为主，但书中对偶尔使用的石青、石绿等矿物色，是如何与墨色进行对话，如何利用色彩的冷暖对比来增强画面的情绪张力，做了非常前瞻性的指导。它教导我们，即使是传统的媒介，也可以焕发出新的生命力。书中还穿插了一些非常实用的“速写与提炼”的练习，鼓励读者快速捕捉对象的本质特征，用最少的笔墨留下最深刻的印象，这对于提升创作效率和表现力大有裨益。这本书无疑是连接传统与现代艺术表达的优秀范本。
评分作为一名有着几年绘画经验，但一直停留在工笔阶段的爱好者，我急需一本能够帮我“破壁”的书，让我从对形体的过度执着中解放出来，转向内在神韵的表达。这本书恰好满足了我的需求，它的理论深度是相当令人赞赏的。作者对中国画发展史中几个关键节点的阐述，比如宋代院体与文人画的分野，以及元四家的笔墨语言差异，讲解得鞭辟入里，但又绝不拖沓。它不仅仅是教你“怎么画”，更深层次地探讨了“为什么要这样画”。 尤其让我受益匪浅的是关于“笔墨趣味性”的探讨。书中举了大量的例子，说明如何在同一笔墨中，通过墨色的浓淡变化、笔锋的侧锋运用，实现复杂的情感层次。例如，在画竹子时，如何通过快速的扫动，在竹节处留下一抹飞白，来表现竹子的傲骨与风中的摇曳感。这种对细节的打磨和对意境的追求，让我在阅读过程中不断产生“原来如此”的顿悟感。这本书对于提升笔墨的成熟度非常有帮助，它引导我超越了“画得像”的初级阶段，开始追求“画得有味道”。
评分这本书真是让人眼前一亮，尤其是对于那些渴望在水墨世界里寻找一片属于自己天地的新手来说，简直就是一座灯塔。我拿到手的时候，就被它那种沉静而又充满活力的封面设计给吸引住了，那种淡淡的墨香似乎都要从纸张里飘出来。 翻开内页，首先映入眼帘的是对“意”的精妙解读，作者并没有像那些枯燥的教科书一样，上来就堆砌复杂的技法名词，而是用非常生活化的语言，带你一步步走进写意画的精神内核。比如，它对“气韵生动”的阐述，不是空泛的理论，而是结合了中国古典哲学中的“道法自然”，让你明白，画画不只是描摹形似，更重要的是捕捉生命流动的气息。我很喜欢其中关于“留白”的章节，它没有简单地告诉你留白的重要性，而是深入剖析了留白在东方美学中承载的“虚实相生”的哲学意味，讲解了如何用空白来引导观者的视线，创造出无穷的想象空间。 此外，书籍的排版也十分考究，图文比例恰到好处，每一幅示例图都配有详尽的步骤解析，即便是最基础的笔法练习，也做得一丝不苟，让人感觉每临摹一笔，都能感受到古人对笔墨的敬畏。这本书的价值，在于它搭建了一个从“术”到“道”的桥梁，让你在学习技艺的同时，也在进行一场精神的洗礼。
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