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出版者:重庆出版社

作者:王其钧

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2010-6

价格:42.00元

装帧:

isbn号码:9787229023621

丛书系列:震撼的美术

图书标签:

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《光影的叙事：古典主义绘画的永恒魅力》 图书简介 本书深入剖析了古典主义绘画自文艺复兴早期萌芽，至新古典主义盛期所经历的漫长发展历程、核心美学思想及其对西方艺术史产生的深远影响。我们聚焦于那些确立了西方视觉艺术规范的伟大画家及其杰作，而非探讨二十世纪以降的多元思潮。 第一部分：文艺复兴的奠基——秩序、理性与人文精神的重塑 本部分回溯至十五世纪的意大利，探讨人文主义思想如何为古典主义的兴起奠定了哲学基础。我们不关注对既有形式的解构，而是细致分析早期大师们如何通过精确的透视法、严谨的解剖学研究和对理想化人体美的追求，重建了对世界的秩序化认知。 马萨乔与空间感的革命： 分析其壁画中线性透视的首次成熟应用，以及如何利用光影（明暗对比的早期运用）来赋予人物雕塑般的体积感和实体感，营造出宗教叙事中清晰可辨的空间框架。 达·芬奇的科学之眼： 重点阐述其通过空气透视法（Sfumato）对景深和氛围的微妙处理，以及他如何将解剖学知识与艺术创作完美结合，追求“完美人体”的理想化表达。这是一种对自然规律的精确模拟与提升，而非对现实的颠覆。 拉斐尔的和谐典范： 深入解读《雅典学院》等作品中体现的构图平衡、清晰的线条（Disegno）和色彩的和谐运用。拉斐尔的艺术哲学在于“清晰易懂的表达”和“高贵的朴素与宁静的庄严”，一切元素都服务于清晰的叙事和永恒的美感。 第二部分：盛期巴洛克前的过渡——风格的成熟与情感的升华 本章探讨了十六世纪意大利学院派（Mannerism，在此书中我们将其视为古典形式向更复杂表达过渡的桥梁，而非对古典的彻底否定）的发展，以及盛期巴洛克早期，艺术如何开始在保持古典结构的同时，注入更强烈的戏剧性，但仍扎根于古典遗产。 米开朗基罗的雕塑感： 分析其对肌肉力量和英雄式姿态的极端推崇，以及这种对人体潜能的极致表达如何成为后世古典画家学习“力量感”的范本。 卡拉瓦乔的光影戏剧： 尽管卡拉瓦乔的现实主义风格被视为对学院派的挑战，但我们侧重于其对“明暗对比法”（Chiaroscuro）的极端化运用，探讨这种光线是如何被用来聚焦叙事核心，并赋予宗教场景以强烈的、近乎舞台化的清晰度，其本质仍是对清晰焦点和戏剧性瞬间的精确捕捉，而非模糊边界。 第三部分：巴洛克与古典的张力——宏大叙事与情感的控制 盛期巴洛克是古典美学与新兴的宗教、政治权力需求碰撞的时代。本部分着重分析那些在宏大叙事中坚守古典结构的作品。 卡拉奇学院派的复兴： 考察安尼巴莱·卡拉奇等人如何系统性地回顾并整合了文艺复兴的成就，试图恢复一种更纯粹、更受推崇的古典理想，反对矫揉造作的风格主义。 普桑的理想风景与历史： 详细分析法国古典主义的奠基人尼古拉·普桑的作品。他追求的是“理性的巴洛克”，即通过严格的构图、清晰的轮廓和对古代历史、神话题材的偏好，来传达道德教诲和永恒的真理。其风景画是结构优先于情感的典范。 第四部分：新古典主义的回归——启蒙时代的理性与道德回归 十八世纪末，新古典主义成为对巴洛克过度装饰和洛可可轻浮感的回应。本部分是本书的重点之一，集中探讨艺术如何直接服务于启蒙运动的理想。 雅克-路易·大卫的公民道德： 分析大卫如何借鉴古希腊罗马的艺术语言，创作出具有强烈政治导向和道德说教意味的作品。《贺拉斯之誓》中的对称构图、坚硬的线条和极简的背景，都是对清晰、自律和公民责任的颂扬。这不是对现实的随机记录，而是对理想政治形态的视觉构建。 安格尔的线条至上： 探讨让-奥古斯特-多米尼克·安格尔对“线条”（Disegno）的绝对推崇，以及他对古典雕塑的模仿。他的作品，即使描绘异域风情，也总是被一层冷静、精雕细琢的古典外衣所包裹，强调永恒的和谐与形式的完美，拒绝感官的过度刺激。 结语：古典主义的遗产 本书总结了古典主义绘画如何通过对形式的控制、对理性的尊崇、对理想化的追求以及清晰可辨的叙事结构，构建了一个持续数百年、影响深远的艺术标准。它关乎结构、比例、清晰度、永恒的美与道德的理想，而非对破碎、多元或主观体验的探索。我们看到的是对既有完美范式的继承、完善和弘扬，而非对范式的质疑或颠覆。 目标读者： 本书面向对西方艺术史中结构性、规范性发展感兴趣的读者，尤其适合希望深入理解文艺复兴、巴洛克盛期至新古典主义阶段绘画技法与美学思想的专业人士和爱好者。

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这本书的语气和情绪非常独特，它带着一种冷峻的、近乎犬儒主义的幽默感，这在我阅读的许多严肃艺术批评中是罕见的。作者似乎对一切既有的宏大叙事都抱持着一种戏谑的态度，他不会用那种充满敬畏的口吻去描绘那些“经典”的现代主义作品，反而会毫不留情地指出其内在的矛盾和意识形态的陷阱。这种毫不留情的解构，让我感到一种智力上的释放——终于有人敢于撕开那些华丽的包装纸，直视艺术背后的权力运作了。但这种风格也带来了一个潜在的问题，那就是在某些时刻，读者可能会觉得作者的情绪过于饱满，以至于盖过了冷静的分析。比如，当他批判“品味”的建构过程时，那种近乎愤怒的笔触，虽然极具感染力，但客观上削弱了论证的纯粹性。总而言之，这是一本挑战读者固有观念的佳作，它逼迫你跳出舒适区，用一种更具批判性和反思性的眼光去重新评价我们所珍视的文化遗产。

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我花了整整一个周末才勉强读完第一遍，说实话，理解起来颇有些吃力，但这种“吃力”恰恰是它最迷人的地方。作者的笔锋极其跳跃，他似乎不太在乎传统的叙事逻辑，常常在前一章还在探讨结构主义的瓦解，下一秒就直接抛出了一个关于消费社会图像泛滥的尖锐观察。这种结构上的“去中心化”，似乎也在呼应着他所批判和分析的艺术思潮本身。我尤其喜欢其中关于“真实性危机”那几页的论述，他引用了大量的当代案例，那些我日常生活中习以为常的图像和符号，在他的解构下瞬间变得面目全非，充满了令人不安的陌生感。读完后，我再看任何展览或者影像作品时，总会下意识地去寻找那些隐藏的、被主流话语遮蔽的裂痕。这本书没有提供一个安稳的结论，它更像是一把瑞士军刀，把你看待世界的方式撬开了一条缝隙，让你从一个更碎片化、更复杂的角度去审视我们所处的文化景观。

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这本书的排版和设计简直是一场视觉盛宴，但这种盛宴并非完全是愉悦的。我得说，它对读者的注意力集中度要求极高。有时，作者会突然在正文中间插入一些毫无注释的、极具冲击力的黑白照片或者油画局部，它们仿佛是某种信号弹，将原本流畅的文字流打断，迫使你必须停下来，思考这些图像与文字之间的张力。我注意到，作者在引用理论时，很少使用传统的脚注，而是倾向于在行间插入一些戏仿式的评论，这让整本书读起来更像是两位高水平的知识分子之间充满火药味的“思想对谈”，而不是单向的知识灌输。这种松散却又暗藏章法的编排，让我不断地怀疑，我所读到的内容，究竟是作者的本意，还是书籍设计本身制造的一种“阅读陷阱”？这种自我指涉的复杂性，是许多老派艺术史著作完全无法企及的深度。

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这本书的装帧设计真是别出心裁，那种粗粝的纸张质感，配上那些跳跃的、看似随机排列的字体，一下子就把人拉进了一种既疏离又充满活力的氛围里。我本来是冲着书名里那个“后现代”来的，以为会是一本枯燥的学术梳理，结果翻开扉页，就被那种强烈的视觉冲击震慑住了。它不是那种教科书式的、规规矩矩地罗列流派和大师的风格，倒像是有人把不同时代的艺术碎片、广告标语、哲学引言，用一种近乎戏谑的方式重新拼贴在一起。读这本书的过程，就像在迷宫里探险，你永远不知道下一页会突然冒出一段关于波普艺术的犀利分析，还是会直接跳到对某种特定媒介的深入剖析。它更像是一件艺术品本身，而不是单纯的知识载体。尤其欣赏作者在处理“挪用”和“拼贴”这些核心概念时，那种不给标准答案的姿态，让你不得不停下来，自己去咀嚼那些符号背后的意义，那种主动参与感，是我在很多同类书籍中从未体验过的畅快。

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作为一名长期关注当代视觉文化的人士，我坦白地说，这本书对我来说，既是宝库，也是一座让人迷失方向的迷宫。作者在论述中展现出的那种跨学科的视野令人叹服，他能毫不费力地在福柯的权力分析、齐泽克的符号学解读和当代网络迷因的传播路径之间自由穿梭，将这些看似不相干的领域编织成一张密不透风的文化网。然而，正是这种广博，导致了阅读体验上的不稳定。有些章节的论证极其犀利，让人拍案叫绝，比如他分析特定媒介如何重塑主体性的那段，简直是神来之笔；但也有一些地方，感觉像是过于沉溺于晦涩的术语堆砌，使得核心观点被淹没在了理论的烟雾之中。总的来说，它更像是一本需要反复研读的“参考书”，而不是可以一口气读完的“故事书”，每一次重读，都会有新的理解和新的困惑浮现。

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雖然是普及級別，但也別讓內行人一看就發現裡面張冠李戴的錯誤啊www

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我可以说有些东西流芳百世真见鬼吗

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咱们的近现代美术史就没那么清晰了。

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有些混乱

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非常本本，就是那种不用市场化照本宣科的教材式读物。白费了书中若干的手绘建筑插图。