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出版者:重庆出版社

作者:王其钧

出品人:

页数:280

译者:

出版时间:2010-6

价格:47.00元

装帧:

isbn号码:9787229023645

丛书系列:震撼的美术

图书标签:

• 艺术史
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《建筑的艺术：从古至今的结构与美学》 内容提要： 本书是一部深度探究世界建筑史的巨著，它以时间为轴线，以地域为脉络，系统梳理了人类自史前时期至今，在不同文化背景下对“居所”与“空间”的理解、实践与艺术表达。全书涵盖了从最初的洞穴与简陋庇护所，到宏伟的金字塔、精密的罗马万神殿，再到中世纪的哥特式教堂，直至近现代的摩天大楼与解构主义建筑的演变历程。 本书的核心在于揭示建筑作为一种物质存在与精神象征的双重属性。它不仅仅是关于墙壁、梁柱和屋顶的构造学，更是对人类社会结构、宗教信仰、技术进步、审美变迁和生活方式的深刻记录。我们试图探讨，是什么样的哲学思想、气候条件、可用材料以及社会需求，塑造了特定历史时期的建筑形态。 第一部分：起源与奠基——原始社群到古典文明的塑造 第一章：史前的栖居之所与自然的对话 本章追溯人类最早的“建筑”行为。从欧洲的巨石阵（如斯通亨奇）探讨其可能蕴含的原始天文学和社群仪式功能，分析其利用粗粝石材表达的原始力量感。接着，考察美索不达米亚和尼罗河流域早期聚落的泥砖结构。重点分析了早期农业文明对稳定居所的需求，如何催生了最早的城市规划雏形，以及这些早期建筑如何体现了人类试图在混乱自然中建立秩序的初步努力。 第二章：古埃及的永恒叙事：纪念碑与来世观 聚焦于古埃及的建筑成就，特别是其对永恒的执着追求。详细剖析了金字塔群的建造技术、几何学原理及其背后蕴含的法老神权和宗教信仰体系。随后，转向卡纳克神庙和卢克索神庙群，分析柱式、轴线布局以及壁画雕刻如何共同构成了一部宏大的宗教史诗。探讨了古埃及建筑中对称性、纪念碑性与光影的运用，如何服务于国家意识形态的构建。 第三章：美索不达米亚的垂直追求与城邦的兴衰 本章考察两河流域的建筑遗产。重点研究了苏美尔、阿卡德和巴比伦等文明的泥砖高塔——“Ziggurat”（阶梯金字塔）。与其说它们是宗教场所，不如说是连接人神交流的“人造山脉”。深入分析了巴比伦的空中花园（尽管其真实性仍有争议，但其概念对后世园林艺术的影响是深远的）以及城墙的军事与象征意义。最后，简要提及亚述帝国对宏大宫殿和浮雕装饰的偏爱。 第四章：古希腊的理性之光：柱式与和谐的尺度 本章将古希腊建筑视为西方美学和理性的源头。详尽阐述了多立克式、爱奥尼式和科林斯式的结构差异、装饰母题及其哲学基础——从多立克式的庄重朴实到科林斯式的繁复优雅。以雅典卫城为例，分析了帕特农神庙如何通过视觉校正（如埃奇顿、倾斜等技术）来实现超越人眼极限的“完美和谐”。探讨了剧场和集会广场（Agora）在城邦民主生活中的空间意义。 第五章：罗马的工程奇迹与帝国的扩张 罗马建筑被视为希腊美学与本土工程技术（如混凝土）的完美结合。本章重点介绍罗马人对拱、券、穹顶的应用，这使得他们能够创造出前所未有的宏大内部空间。详细解析了万神殿的结构创新，特别是其中央开口（Oculus）对采光和结构平衡的革命性意义。同时，研究了公共建筑，如巴西利卡、浴场、引水渠和凯旋门，如何成为罗马社会生活和军事力量的物质载体。 第二部分：信仰的升华与地域的融合——中世纪与文艺复兴 第六章：早期基督教与拜占庭的金色穹顶 随着罗马帝国的分裂，建筑重心转移至君士坦丁堡。本章探讨了早期基督教巴西利卡形制的演变，以及拜占庭建筑如何通过圣索菲亚大教堂达到一个巅峰。深入分析了如何利用巨大的鼓座和复杂的拱券系统，将方形地基上的建筑转化为漂浮的、由光线构成的圆形穹顶空间，体现了神圣性的超越感。 第七章：中世纪的防御与神圣性：罗马式建筑 这一时期，建筑首先服务于防御和宗教的巩固。罗马式教堂以其厚重的墙体、小而少的开窗以及连续的拱廊为特征。分析了这种“堡垒式”教堂如何反映了社会动荡，以及它对朝圣路线和修道院体系的适应性。重点研究了法国勃艮第地区教堂的结构发展。 第八章：哥特式飞升：光线、骨架与垂直的渴望 哥特式建筑被视为人类突破结构限制的史诗。本章详细解析了尖拱、肋拱顶和飞扶壁这三大核心技术如何协同工作，使墙体得以解放，从而引入巨幅彩绘玻璃。通过沙特尔大教堂和巴黎圣母院的案例，探讨了这种建筑如何将内部空间转化为“天堂的再现”，引导信徒向上帝的目光。 第九章：文艺复兴的回归与人文主义的尺度 文艺复兴是建筑美学从神本转向人本的转折点。本章探讨了对古典原则的重新发现与理性化应用。重点分析了布鲁内莱斯基在佛罗伦萨大教堂穹顶上的结构创新，以及他如何将透视法引入建筑设计。继而研究阿尔伯蒂和帕拉第奥如何通过几何比例、对称性以及对古罗马文献的解读，确立了古典复兴的理论基石，这套体系影响了欧洲乃至全球数百年。 第三部分：变革与实验——从巴洛克到现代主义的冲击 第十章：巴洛克的动感与戏剧性 巴洛克建筑是对文艺复兴和谐的强烈反拨，强调运动、情感和错觉。本章分析了罗马天主教会如何利用建筑语言（如雕塑般的立面、复杂的光影处理、椭圆形平面）来激发观众的虔诚与敬畏。研究了贝尼尼和博罗米尼的作品，探讨了如何利用曲面和光线来模糊建筑的实体界限。 第十一章：洛可可与新古典主义的优雅与反思 本章简述了洛可可装饰艺术的轻盈与室内化趋势。随后，笔锋转向对巴洛克过度情感化的反思，引出了对古希腊罗马原型的再次回归——新古典主义。分析了启蒙运动背景下，建筑如何追求清晰的逻辑、简洁的体量和明确的政治寓意，体现在公共建筑和纪念性建筑中。 第十二章：工业革命的挑战与建筑材料的革命 工业革命引入了钢铁、玻璃和钢筋混凝土，彻底改变了建筑的承重逻辑和美学可能性。本章探讨了水晶宫等早期结构尝试，分析了结构工程学开始脱离装饰学，成为建筑设计核心驱动力。重点分析了十九世纪末期，如芝加哥学派如何开始探索摩天大楼这一全新的城市垂直形态。 第十三章：现代主义的诞生与“为功能而生” 本章深入剖析了二十世纪初现代主义建筑的核心宣言。探讨了勒·柯布西耶的“新建筑五点”、密斯·凡德罗的“少即是多”以及格罗皮乌斯对包豪斯理念的实践。分析了如何通过去除历史装饰、采用平面屋顶、开放平面和玻璃幕墙，来回应新的社会需求和工业化生产的效率要求。 第十四章：地域主义的修正与现代主义的全球化 在全球化浪潮中，现代主义的普适性受到了挑战。本章考察了地方主义（Regionalism）的思潮，探讨了建筑师如何尝试将现代技术的简洁性与特定地域的气候、文化语境相结合，以避免“千城一面”的局面。 第四部分：后现代与当代的探索——碎片、语境与未来 第十五章：后现代的回归与解构的张力 后现代主义是对现代主义纯粹性的反叛，主张符号、历史引用和复杂性的回归。重点分析了文丘里对“符号性”和“装饰性”的重新评价。随后，本章过渡到更具批判性的解构主义，探讨了扎哈·哈迪德和雷姆·库哈斯等建筑师如何挑战传统的几何逻辑、结构稳定性以及可读性，创造出充满动态和不确定性的空间体验。 第十六章：可持续性、参数化与未来栖居 本书的收尾聚焦于二十一世纪的建筑前沿。探讨了气候变化背景下“绿色建筑”和被动式设计的重要性，以及材料科学（如自修复混凝土、智能材料）对建筑形态的潜在影响。最后，审视了参数化设计和生成式设计软件如何拓宽了复杂曲面和非标准结构的实现可能，展望了人类未来在地球内外（如太空栖居）的建筑形态探索。 结语： 建筑是凝固的音乐，也是历史的骨骼。通过对数千年建筑艺术的梳理，我们最终理解，每一次结构上的创新，都对应着一次人类精神或社会结构的重大调整。本书旨在提供一个多维度的视角，让读者不仅欣赏建筑的美观，更能洞察其背后的思想深度与工程智慧。

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说实话，我原本对印度艺术的了解仅限于泰姬陵和一些色彩斑斓的民间手工艺品，总觉得它带有某种异域的、略显晦涩的神秘色彩。然而，这本《印度美术》彻底颠覆了我的固有印象。它的结构安排非常高明，不是按照地域来划分，而是采用了一种主题式的串联，比如专门开辟了一章详述“光影的叙事”，专门讨论了从早期佛教造像到后期坦陀罗艺术中，艺术家是如何运用光线和阴影来烘托神性的威严或凡俗的悲悯。我特别欣赏作者在比较不同地区艺术风格时的那种批判性思维，它没有一味地赞美，而是客观地指出了某些时期过度程式化的倾向，比如笈多王朝晚期雕塑的某种“僵硬的完美”。书中对建筑部分的论述同样精彩，尤其是在描述南印度的宏伟神庙群时，那种层层叠叠的飞檐、密密麻麻的神祇浮雕，被文字描绘得如同身临其境，甚至能让人感受到雨季过后石材上散发出的潮湿气息。更难得的是，书中还穿插了一些现代印度艺术家的访谈片段，这使得整本书的脉络从古老延伸到了当代，让人看到印度艺术的生命力从未枯竭，它一直在与时俱进地对话和反思。这本书的价值，在于它提供了一个多维度的视角，让你在欣赏表面的华丽之余，还能洞察其内在的文化张力。

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这本《印度美术》的厚度，光是掂在手里就给人一种沉甸甸的庄严感，仿佛捧着一座穿越千年的艺术宝库。我迫不及待地翻开扉页，映入眼帘的不仅仅是精美的插图和详尽的文字，更像是一扇通往古老文明深处的秘境之门。它的叙事方式极其细腻，不像某些教科书那样干巴巴地罗列年代和流派，而是巧妙地将艺术的演变融入到当时的社会、宗教和哲学思潮之中。比如，书中对犍陀罗艺术中希腊化影响的剖析，简直入木三分，让人清晰地看到东西方文明在历史长河中一次激动人心的碰撞与融合。作者似乎对印度次大陆上那些宏伟的石窟寺、精雕细琢的青铜像抱有近乎虔诚的热爱，笔触中充满了对工匠精神的敬畏。尤其让我印象深刻的是对湿婆神雕塑不同姿态的解读，那些复杂的象征意义被拆解得井井有条，即便是对印度教文化一知半解的读者，也能迅速领悟到其中蕴含的宇宙观。阅读过程中，我时常需要停下来，反复端详那些高质量的彩色图片，那些莫卧儿时期的微缩画色彩之饱和、细节之繁复，简直让人叹为观止，感觉自己仿佛正坐在某个王室的庭院里，亲眼见证着那些转瞬即逝的宫廷生活片段。这本书绝非泛泛之谈，它深入挖掘了艺术背后的“心法”，读完后，我对“美”的理解似乎也多了一层来自东方的禅意和沉静。

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第一次读完《印度美术》时，我感到既震撼又有些许的迷惘。震撼在于印度艺术的无与伦比的复杂性和旺盛的生命力，迷惘则是因为它所承载的文化信息量实在过于庞大，如同面对一片无边无际的星空。书中的叙述节奏变化多端，有时像涓涓细流，细致描绘一件小小的鎏金佛像上的发丝卷曲方式；有时又如同飓风过境，瞬间将你带入孔雀王朝鼎盛时期的权力中心。我尤其欣赏作者处理“风格变迁”的方式，他并不将印度美术简单地视为一个线性的发展过程，而是将其描述为一个不断吸收、内化、再爆发的螺旋上升过程。例如，书中对耆那教艺术的描述，视角独特，它没有将耆那教艺术仅仅视为佛教艺术的附属品或模仿者，而是深入挖掘了其追求“绝对纯净”的哲学如何影响了其雕像的极简主义美学。这本书的图片选择也极其考究，许多都是首次在国内出版的珍贵高清图版，让我得以近距离欣赏那些因年代久远或地处偏远而鲜为人知的艺术瑰宝。读完此书，我对“虔诚”如何转化为“永恒之美”有了更深层次的体悟。

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坦白说，阅读这本关于印度美术的巨著，需要付出时间和专注力，但它所给予的回报是巨大的。与其他介绍亚洲艺术的书籍相比，这本书在对“色彩心理学”的阐述上达到了一个新的高度。它不满足于告诉你那些雕像原本涂着鲜艳的色彩，而是深入分析了红色、蓝色、金色在印度教和佛教象征体系中的等级和功能，比如特定蓝色常与宇宙或特定神祇的皮肤色调相关联。作者在行文中，经常会使用一种略带诗意和哲理的语言来描述艺术品的“气场”或“内在能量”，这使得冰冷的石头和画布仿佛被赋予了生命。我特别喜欢其中关于“人体比例”的论述，印度古典艺术中那套近乎数学公式般的比例规范，如何被艺术家们巧妙地运用，既保持了神性的理想化，又没有失去人间的灵动，这其中的平衡拿捏，着实精妙。这本书提供了一套完整的解读钥匙，让我能够更自信、更深入地去欣赏那些传统艺术中的复杂图案、繁复装饰，不再仅仅停留在“好看”的表面层次。它是一部厚重的指南，指引着读者探索印度精神世界在物质形态上的极致表达。

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这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，厚磅的纸张触感温润，油墨的印刷质量极佳，即便是那些年代久远、色彩已经斑驳的壁画扫描件，也最大程度地还原了原貌的质感。阅读体验上，它更像是一部深入的学术专著，而非轻松的入门读物，需要读者有一定的历史和文化背景知识才能完全领会其精髓。其中关于“契约与象征”那一章节，我反复研读了好几遍，它详细解释了印度教三相神（梵天、毗湿奴、湿婆）的常见手印（Mudra）所代表的精确含义，以及它们如何在不同朝代的艺术品中发生细微的变化，这对于理解那些看似重复的造像背后的深层含义至关重要。书中对于“工艺美术”与“纯粹艺术”的界限探讨也十分独到，它没有将雕塑和绘画置于比建筑更高的地位，而是强调了纺织品、金属器皿在宗教仪式中的不可替代性，这体现了一种更广博、更平等的艺术观。我个人认为，这本书最大的优点是其详尽的注释和参考书目列表，为那些希望进行更深入研究的读者提供了宝贵的线索，足见作者的严谨治学态度。它不是一本快餐式的读物，而是值得放在书架上，时常翻阅，每次都能有新发现的工具书和灵感源泉。

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中央美院的老师是想钱想出书想疯了么。。一看就知道这些文字是东拼西凑出来的，我讨厌这本书的编辑，连个真实照片都没有。

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插图和实物的比例绝对超过20:1……这种无力感T▽T……

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按照历史线索编撰，但是可读性不强，配图也不够精心

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插图和实物的比例绝对超过20:1……这种无力感T▽T……

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按照历史线索编撰，但是可读性不强，配图也不够精心