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出版者:人民邮电出版社

作者:O'REILLY

出品人:

页数:160

译者:裴溧

出版时间:2010年10月1日

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787115232182

丛书系列:爱上制作“Make”杂志书

图书标签:

• 爱上制作
• DIY
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好的，这是一份关于《爱上制作4》以外的图书的详细简介，内容力求详实、自然，不含任何可能暴露其生成来源的痕迹。 --- 《数字艺术的无限疆域：从概念到实现的完整指南》 作者： 艾莉森·里德 (Allison Reed) 出版社： 蓝图文化 (Blueprint Press) 页数： 680页（全彩插图与代码示例） 导言：重塑你对“创造”的认知 在信息爆炸的时代，我们比以往任何时候都更渴望亲手创造出有形或无形的价值。然而，从一个模糊的灵感到最终可交付的作品之间，横亘着技术、流程和心智模式的巨大鸿沟。《数字艺术的无限疆域》并非一本简单的软件操作手册，它是一份全面的、跨学科的路线图，旨在引领读者穿越当代数字创作的复杂丛林，无论是三维建模、交互式设计、数据可视化，还是程序化生成艺术。 本书的深度与广度，源于作者艾莉森·里德二十余年在顶尖设计机构与前沿学术研究领域的一线经验。她摒弃了零散的技巧教学，转而构建了一个系统化的创作思维框架，确保读者不仅“知道如何做”，更能理解“为何要这么做”。 第一部分：基础构建——心智模型的重塑 (Pages 1-150) 本部分着重于打磨创作者最核心的工具——思维。我们探讨的不是特定的软件功能，而是驱动所有成功数字项目背后的哲学原理。 第一章：从抽象到具象的转化路径 创意瓶颈的结构性分析： 如何识别并拆解阻碍创意的核心障碍。 信息层级与叙事结构： 设计一个作品时，信息的组织方式如何影响最终体验。 “失败”的重新定义： 将迭代过程视为数据收集而非终点，介绍敏捷设计原则在艺术创作中的应用。 第二章：数字美学的核心原理 媒介物质性与非物质性： 探讨屏幕、光线、像素与用户交互如何共同构建新的审美体验。 色彩理论的拓扑学研究： 深入研究在不同显示标准（HDR, P3, Rec. 709）下色彩的感知变化，以及如何利用色彩空间进行情绪调控。 动态平衡与时间维度设计： 动画与实时渲染中的节奏感、加速度与减速度的数学模型。 第三章：工具箱的哲学选择 “恰到好处”的选择艺术： 评估开源、商业软件、定制脚本之间的权衡，避免“工具崇拜”。 工作流的去中心化： 建立不受单一软件生态限制的模块化流程，强调数据互操作性的重要性。 第二部分：核心技术深度解析 (Pages 151-400) 这一部分是本书的实战核心，聚焦于当代数字艺术创作中最关键的三大技术支柱，并提供超越基础教程的进阶应用。 第四章：高精度三维世界的构建与光影模拟 拓扑优化与次世代建模： 从雕刻到硬表面建模的流程管理，重点关注布线对动画和物理模拟的影响。 渲染引擎的内部机制： 深入理解路径追踪（Path Tracing）与光线追踪（Ray Tracing）的差异及其对最终画面的决定性作用。 程序化纹理的革命： 运用节点系统（如Substance Designer, Houdini VEX）生成无限变体的、具备真实物理特性的材质，取代传统贴图绘制。 第五章：交互性与实时反馈系统 媒介即代码的实践： 介绍使用Processing、TouchDesigner等环境进行数据驱动的视觉生成。 系统思维下的用户体验设计： 如何将创意概念转化为响应迅速、逻辑清晰的交互逻辑。案例分析聚焦于非传统输入设备（如传感器、生物反馈）的整合。 物理模拟的艺术化处理： 探讨流体、布料、粒子系统的参数化控制，使物理结果服务于叙事而非仅仅是模仿自然。 第六章：数据驱动的艺术表达 从数据集到视觉叙事： 如何清洗、分析原始数据（如气候变化、社交媒体流量），并将其映射为富有冲击力的视觉符号。 算法生成艺术的逻辑设计： 介绍L-Systems, 细胞自动机等经典算法在现代设计中的应用，以及如何注入“随机性”以避免机械感。 第三部分：流程整合与未来展望 (Pages 401-680) 最后一部分将所有技术环节缝合起来，讨论如何管理大型项目、优化输出，并展望数字创作的未来趋势。 第七章：高效的项目管理与资产生命周期 版本控制的艺术（Git for Artists）： 采用专业级版本控制工具管理庞大的项目文件，确保团队协作的顺畅与历史可追溯性。 性能预算与优化策略： 在实时渲染和高分辨率输出之间找到平衡点，学习如何进行高效的资源烘焙和LOD（细节层次）管理。 知识产权与分发标准： 探讨数字资产的版权保护、元数据嵌入以及在不同平台（VR/AR, 传统屏幕, 打印介质）上的输出规范。 第八章：跨媒介的叙事延伸 空间计算与沉浸式体验： 探讨AR/VR内容的创作范式转变，重点关注环境的感知设计，而非简单的屏幕延伸。 混合现实（MR）的叙事潜力： 如何利用物理世界与数字内容之间的叠加与互动，创造全新的观众参与模式。 结语：持续学习的生态系统 本书的结束不是学习的终点。里德强调，数字艺术领域的技术栈是流动的。最后几章提供了构建个人化学习地图的方法论，指导读者如何持续追踪前沿研究，并将新兴技术内化为自身的创作语言。 --- 适合读者对象： 资深视觉设计师、三维动画师、交互体验工程师、数字媒体专业学生，以及所有渴望将复杂技术转化为深刻艺术表达的创作者。本书要求读者具备基础的软件操作经验，但更侧重于宏观的系统思维和跨领域的知识整合能力。

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这部作品给我带来了非常深刻的触动，它不仅仅是一本关于技艺的书，更像是一面映照出人与物、人与自我之间复杂关系的镜子。作者在叙述过程中展现出一种近乎冥想的状态，每一个步骤的描摹都充满了对材料本性的尊重与理解。我尤其欣赏其中对于“慢工出细活”的哲学探讨，它并非简单地倡导速度的对立面，而是深入剖析了在追求完美的过程中，时间本身是如何被重塑和赋予意义的。阅读时，我能清晰地感受到那种从心而发的热情，那种对手边工具和原材料的敬畏之心。书中的案例选择也十分巧妙，既有宏大叙事的空间，又不乏微小细节的精妙之处。例如，书中描述如何观察木材纤维在不同湿度下的细微变化时，那种细腻入微的笔触，让我几乎能闻到工作室里木屑混合着松节油的味道。这种沉浸式的体验，远超出了普通技术指南的范畴，它更像是一场关于创造力、耐心与专注力的深度对话，引导读者重新审视“制作”这件事在当代生活中的价值与重量。

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坦白讲，这本书给我带来的最大惊喜在于其内在的情感张力。很多关于“手艺”的讨论，往往会陷入对过去的怀旧或者对工业化的批判，显得有些片面。但这本书的高明之处在于，它正视了现代生活的复杂性，并没有试图逃避。作者巧妙地在传统技艺的坚实基础上，引入了对当代困境的思考——例如，如何在快节奏的社会中为自己的创造力保留一片净土，如何平衡效率与质量之间的永恒矛盾。这种对现实困境的诚实面对，使得书中的论述更具说服力和温度。它没有提供任何廉价的解决方案，而是提供了一种看待问题的新视角，一种在喧嚣中保持内心锚定的方法论。读完之后，我感受到的不是知识的简单积累，而是一种心境的调整，仿佛心中那团曾经有些迷茫的火苗，被重新用更纯净的燃料点燃，烧得更稳定，也更亮了一些。

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说实话，我一开始抱着试试看的心态翻开这本书，毕竟市面上这类题材的作品浩如烟海，能真正让人眼前一亮的并不多见。然而，这本书的叙事结构和语言风格彻底打破了我的预期。它像是一部结构精巧的散文集，每一章节都像是一个独立的微型世界，却又通过一种无形的线索紧密相连。最让我印象深刻的是，作者在介绍某些复杂技术时，并没有采用那种冰冷的、纯粹的流程化描述，而是穿插了大量个人化的反思和生活哲理的渗透。比如，在谈到工具的保养和使用时，笔锋一转，探讨了人与自己拥有的物品之间建立情感连接的可能性。这种跨界的融合，让原本可能枯燥的制作过程变得生动有趣，充满了文学性和思辨性。我发现自己不自觉地放慢了阅读速度，生怕错过任何一个精妙的比喻或一个富有洞察力的观察点。它激发了我去观察周围事物的欲望，去探究那些被我们日常忽略的结构和纹理。

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这本书的排版和视觉呈现也值得大书特书。它显然是经过精心设计的，每一页的留白、字体的选择，乃至插图（如果有的化）的风格，都与文字内容达到了高度的和谐统一。它不是那种塞满了密密麻麻文字的工具书，而是留出了大量的“呼吸空间”，让读者的思绪可以自由地徜徉。这种设计上的克制与优雅，恰恰烘托了主题所倡导的“少即是多”的审美观。阅读过程中，我感觉自己不是在被动接收信息，而是在与一本精心制作的艺术品进行互动。作者在内容深处流露出的那种对工艺的敬畏，通过视觉语言得到了极好的强化。它传递出一种明确的信号：制作本身就是一种仪式，而阅读这本书，就是参与到这个仪式的前奏。这种对细节的极致追求，本身就是对“制作精神”最好的诠释，让人在合上书本后，依然能感受到那种精致与沉静的力量。

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这本书的阅读体验非常像是在和一位经验丰富、却又谦逊至极的导师进行一对一的私密交谈。导师不会急于展示他掌握了多少高深的知识，而是会耐心地引导你观察现象的本质，思考背后的原理。作者的表达方式极为洗练，用词精准而富有画面感，即便是描述那些需要多年实践才能掌握的窍门，也总能找到一个恰当的比喻，让非专业人士也能窥见其精髓。我特别喜欢它对于“失败”和“修正”过程的坦诚记录，这部分内容极大地鼓舞了我。它告诉我们，真正的掌握并非一蹴而就，而是由无数次微小的、甚至看起来是错误的方向调整积累而成的。这种真实感，消解了许多新手在开始一项新事物时常常感到的畏惧和自我设限。它不是一本教你如何“成为大师”的书，而是一本关于如何“持续成长”的指南，充满了对学习过程本身的赞美。

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