具体描述
From Russia to Poland and Romania, and from the Czech Republic to Yugoslavia and East Germany, Contemporary Art in Eastern Europe is an ambitious attempt to chart the changing realities of the eastern half of Europe as seen through the eyes of artists, critics, photographers and curators.
If the Iron Curtain and the antagonisms of the Cold War era had often kept the richness and diversity of Eastern European art hidden from the rest of the world, the contemporary era has been a witness to its unparalleled creative explosion and fruitful dialogue with the global art scene. The work featured in this book explores the correlations between shifts in the political, cultural, economic and geographical realities of Eastern Europe and the region’s contemporary art. The artists in this book revisit the region’s past to envision a better future, reaching challenging conclusions and producing some of the most powerful and inspiring art being produced today.
The book features essays from respected writers in the field and profiles the most influential artists producing work in and from the region today, including Marina Abramovic, Christo, Krzysztof Wodiczko, Zofia Kulik, Komar and Melamid, IRWIN, Natalia Lach-Lachowicz, Alexander Brodsky, Ewa Partum, NSK, Group OHO, Stano Filko, Laibach, KwieKulik, Post Ars, Weekend Art, Zbigniew Libera, Marjetica Potrc, and Mladen Stilinovic.
The following countries are covered in this anthology: Albania, Bosnia and Herzegovina, Bulgaria, Croatia, Czech Republic, East Germany, Estonia, Hungary, Latvia, Lithuania, Macedonia, Moldova, Poland, Romania, Russia, Slovak Republic, Slovenia and Yugoslavia.
Contemporary Art in Eastern Europe is the third title in the ARTWORLD series following Contemporary Art in the Middle East and Contemporary Art in Latin America .
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用户评价
对我个人而言，这本书最大的价值在于它提供了看待“现代性”的一种替代性视角，这种视角是带有强烈“迟滞感”和“混合性”的。它没有将东欧艺术视为西方艺术发展的一个简单“滞后版本”，而是将其视为一种独特的时间经验——现代性不是被单一线性地“接收”或“拒绝”，而是在一个充满不确定性的历史时空中被“重新锻造”的过程。作者通过详尽的案例研究，比如分析艺术家如何将苏联时期遗留的公共雕塑进行“去语境化”的二次创作，清晰地展示了这种“再造”的复杂性。它教会我，在理解这些艺术时，不能用西方的成熟标准去衡量，而是要进入他们自身的“时间逻辑”。全书读下来，我感到自己的艺术史观被彻底地重塑了，它促使我思考，艺术的“前卫性”并非只存在于信息最流通的“中心”，它可能恰恰在那些被边缘化的角落里，以最意想不到的方式发生着真正的革新。
评分这本书的论述风格非常具有侵略性，它不是温和地引导读者进入主题，而是直接将你抛入1980年代末，东欧剧变前夕那种混沌而充满活力的创作现场。作者的笔触极其生动，仿佛能闻到工作室里松节油和灰尘混合的味道。我特别欣赏它对材料选择的分析，比如对波兰某些艺术家如何利用被废弃的工业残件、生锈的金属板来构建装置艺术的探讨。这些材料本身就携带了时代和政治的创伤记忆，书里成功地将材料的“物质性”与其背后的“意识形态负荷”紧密联系起来，形成了一种强烈的物质政治学分析。这种分析深度让我不得不放慢阅读速度，反复咀嚼那些关于“腐蚀”、“断裂”和“未完成”的美学概念。相比于一些空泛地谈论“后现代转向”的著作，这本书的每一步论证都有坚实的案例支撑，尤其是在对罗马尼亚和保加利亚特定时期行为艺术的案例剖析上，那种近乎田野调查式的详实记录，极大地增强了文本的说服力和现场感。
评分这本书在理论框架的构建上显得尤为扎实和前沿，它似乎并未满足于传统的西方艺术理论视角，而是积极地吸收和运用了后殖民理论、批判地理学以及大量的东欧本土哲学思想来构建自己的分析工具。我注意到作者频繁引用了像吉尔斯·德勒兹（Gilles Deleuze）关于“游牧”与“无器官的身体”的概念，并巧妙地将其套用于分析那些在国家边界不稳定时期的流动艺术家群体。这种跨学科的理论融合，使得对东欧艺术的解读不再仅仅停留在“政治受难者”或“被压抑的现代性”的简单二元对立中。更让我印象深刻的是，它对“中心/边缘”权力结构的解构，书中尖锐地指出，即便是东欧内部，不同国家（例如西部的捷克和东部的俄罗斯）在获取资源和国际认可方面也存在着巨大的不对等，这种对内部权力差异的挖掘，极大地丰富了我们对该地区艺术生态的理解。
评分阅读过程中，我发现这本书的叙事结构非常跳跃，它并非按照严格的地理坐标或时间线索来组织内容，更像是意识流的剪辑，不断在不同国家、不同媒介之间快速切换。这种结构本身就模仿了东欧地区在信息和文化交流不畅时期，艺术信息传播的破碎状态。比如，前一页还在讨论匈牙利“多瑙河学派”的绘画语言，下一页突然跳跃到爱沙尼亚新兴的数字艺术实践，中间的过渡非常依赖读者的上下文联想能力。这种叙事策略的挑战性在于，它要求读者必须对整个地区的文化背景有一定的预设知识，否则会感到有些迷失。不过，一旦你适应了这种“碎片化”的阅读节奏，你会发现作者的用意——他试图通过这种非线性的方式，揭示出一种跨越国界、根植于共同历史经验下的艺术共性，而非孤立地看待每个国家的艺术发展，这一点处理得相当高明，但确实不适合那些寻求清晰、线性历史的读者。
评分这本书的封面设计着实引人注目，那种大胆的几何图形和强烈的色彩对比，让人一眼就能感受到某种来自东欧特有的、充满张力的艺术气息。我原以为这是一本专注于梳理二战后至冷战解体期间，东欧国家在官方艺术指导下的发展脉络，比如社会主义现实主义的流变，或是对西方现代主义的抵抗与吸收。然而，当我翻开目录时，惊喜地发现它并没有将重点放在那些我们耳熟能详的、被纳入国家叙事体系的“宏大叙事”作品上。相反，它似乎更热衷于挖掘那些潜藏在社会边缘、利用地下空间和非主流材料进行创作的艺术家群体。特别是关于“布拉格的异见者雕塑”那几章，作者用了大量篇幅去分析那些在特定政治高压下，艺术家如何运用象征主义和双重编码来表达不满，那种对符号学层面的解读深度，远超我预期的那种偏向艺术史编年的论述。它更像是一部充满洞察力的文化考古学报告，而非传统的艺术史教科书，这种侧重于“非官方”和“抵抗美学”的切入点，让人耳目一新，也让我对那个时期艺术的复杂性有了更细致的体察。
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评分从绘画到摄影，从装置到行为，东欧的当代艺术还是有很多看头的。
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