How We Think

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出版者:
作者:Schoenfeld, Alan H.
出品人:
页数:264
译者:
出版时间:2010-10
价格:$ 58.70
装帧:
isbn号码:9780415878654
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

Teachers try to help their students learn. But why do they make the particular teaching choices they do? What resources do they draw upon? What accounts for the success or failure of their efforts? In "How We Think", esteemed scholar and mathematician, Alan H. Schoenfeld, proposes a groundbreaking theory and model for how we think and act in the classroom and beyond. Based on thirty years of research on problem solving and teaching, Schoenfeld provides compelling evidence for a concrete approach that describes how teachers, and individuals more generally, navigate their way through in-the-moment decision-making in well-practiced domains. Applying his theoretical model to detailed representations and analyses of teachers at work as well as of professionals outside education, Schoenfeld argues that understanding and recognizing the goal-oriented patterns of our day to day decisions can help identify what makes effective or ineffective behavior in the classroom and beyond.

《光影流转:一位摄影师的视觉探索之旅》 作者: [此处留空,或填入虚构作者名,例如:亚历山大·科尔文] 出版社: [此处留空,或填入虚构出版社名,例如:维度艺术出版社] --- 简介: 《光影流转:一位摄影师的视觉探索之旅》并非一本探讨思维认知或心理学机制的著作。相反,它是一部深入个人经验、技术精研与艺术哲思交织而成的摄影实录与思考集。本书的核心,是记录和剖析一位资深摄影师,横跨三十载春秋,在不同地理环境、光线条件和情感状态下,如何通过取景框捕捉、构建并最终定格“瞬间的永恒”。 本书内容专注于视觉艺术的物质性、技术层面的精确性以及创作过程中精神层面的沉淀。它全面地回避了任何关于人类认知过程、决策制定、记忆存储或抽象思维的讨论。全书的脉络清晰地围绕着“光、时间、媒介”这三大支柱展开。 第一部分:光线的几何学与情感的刻度 本部分深入探讨光线作为摄影语言基础元素的复杂性。作者并未将光线视为简单的照明工具,而是将其视为一种具有物理形态和情感色彩的物质。 章节细述: 清晨的“冷蓝”与黄昏的“暖金”: 这几章详尽分析了不同色温如何影响观者的心理感知。通过对数百幅作品的案例分析,作者展示了如何利用丁达尔效应、瑞利散射以及柔光箱的精确计算,来模拟甚至超越人眼所能捕捉的视觉信息。重点放在如何利用硬光在人像皮肤上雕刻出结构感,以及如何使用散射光来抚平风景的粗粝边缘。 阴影的叙事功能: 阴影被视为构建深度和张力的关键元素。作者探讨了负空间在构图中的作用,以及如何通过控制阴影的密度(从纯粹的“死黑”到带有细节的“深灰”)来引导观众的视线流向。其中一章专门讨论了在极简主义摄影中,阴影如何成为画面的主要“主体”。 时间与曝光的对决: 这里聚焦于快门速度的艺术性。从捕捉宏大场景中瞬间爆发的动态模糊(如瀑布的丝绸效果或飞鸟翅膀的定格),到使用长时间曝光来“抹除”运动中的干扰物(如城市中的人群或海浪的起伏),每一页都配有技术参数和作者彼时的心境记录,纯粹是关于物理时间在感光材料上的刻录过程。 第二部分:介质的重量与感知的边界 这部分内容转向了摄影的物质载体——从传统的银盐胶片到现代的数字传感器,以及最终的印刷和展示媒介。 胶片的“记忆颗粒”: 作者详细记录了不同品牌、不同ISO值胶片在颗粒感、反差曲线和色彩饱和度上的差异。他通过实地对比实验,展示了高反差黑白胶片如何凸显建筑的线条力量,以及低感光度彩色反转片在忠实记录色彩方面的优势。所有讨论都严格限定在化学反应和光学成像原理的范畴内。 像素的陷阱与自由: 数字时代的章节,着重于传感器动态范围的物理限制,以及后期处理工具(如曲线、色阶和蒙版)如何精确地重塑光线信息。作者强调,即便是最先进的数字处理,也只是对原始光信号的一种数字化“解释”,而非对现实的模仿。 打印的终极对话: 最后,作者花费大量篇幅讨论了从数字文件到实体作品转化的过程——墨水类型(染料与颜料)、纸张的纤维结构、色彩空间管理(ICC配置文件)等。这一部分是纯粹的技术指导,旨在确保作品在物理形态上达到创作者在屏幕上设定的精确目标。 第三部分:行走与观看:环境的内化 本书的最后部分,是作者数十次远行中,对特定环境如何塑造其视觉习惯的记录。这些记录是关于“在场感”和“环境适应性”的,而非关于认知如何处理环境信息。 极地之寂:纯粹的视觉剥夺: 在北极圈的经历,作者描述了在光线极度单一和对比度极低的冰雪环境中,眼睛如何被训练去辨识微小的纹理变化。这种“剥夺”迫使他放弃复杂的构图,转而专注于形状和色调的细微渐变。 都市迷宫:高速运动中的秩序寻找: 记录了在东京、纽约等超高密度城市中,如何通过“慢拍”来梳理混乱的交通流和人群,将无序的运动转化为有节奏的线条。这是一种对运动轨迹的几何学捕捉。 热带雨林的饱和与侵蚀: 探讨了湿热环境下,色彩如何过度饱和,以及持续的潮湿如何影响镜头和滤镜的保养。重点在于如何在光线被植被层层过滤后,依然能提取出足够的对比度。 总结: 《光影流转》是一本献给视觉实践者和对摄影技术细节有极致追求的读者的作品。它是一本关于如何看、如何捕捉、如何制作的指南,它用精确的技术语言和丰富的实战案例,探索了光线与物质互动所能达到的艺术高度。本书拒绝宏大的理论推演,只专注于取景器内那一方天地间的精密运作和审美抉择。它提供的工具箱,是关于如何操纵可见世界的物理属性,以实现对美和瞬间的持久封存。

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目录信息

读后感

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用户评价

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全书的基调压抑到了一个令人窒息的程度,这与我期待的那种探讨人类认知和心智的作品大相径庭。我以为会读到关于思维模式的积极探索,或者至少是关于学习和适应的生动案例,结果发现,大部分篇幅都在描绘心智的局限、认知的扭曲以及个体在面对复杂世界时的无力感。通篇弥漫着一种强烈的虚无主义色彩,仿佛作者在宣告:我们所感知的一切都是不可靠的,所有的思考终将导向徒劳。即便是那些看似充满希望的转折点,很快也会被更深层次的怀疑和悖论所吞噬。这种持续的、低沉的悲观情绪,使得阅读过程变得异常沉重,如同背负着一块铅块。我时常需要放下书本,去做一些别的事情来调整心情,因为沉浸太久,连带着现实中的思维似乎也染上了那份挥之不去的阴霾。这本书与其说是一次对“思考方式”的探索,不如说是一次对“思维局限性”的极致展示,而且是以一种极度艺术化和自我满足的方式呈现的,对于寻求启发或慰藉的读者来说,这无疑是一次精神上的“负重前行”。

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这本书的叙事节奏简直让人难以捉摸,仿佛作者在有意设置迷雾。故事开篇就抛出了一个极其复杂的谜团,几个看似毫不相关的角色被卷入其中,但他们之间的联系在最初的章节里模糊不清,读起来颇有一种在黑暗中摸索的感觉。我花了相当长的时间才勉强勾勒出事件的轮廓,但即便如此,很多关键的动机和背景信息依然隐藏在文字的深处,需要读者反复揣摩。特别是主角的内心挣扎部分,写得极其晦涩,充满了象征意义和心理分析,我常常需要停下来,对照前面读过的内容,试图解读那些潜藏的意象。这种阅读体验,与其说是在享受一个流畅的故事,不如说是在参与一场智力上的解谜游戏。对于期待那种开门见山、情节推进明快的读者来说,这本书可能会让人感到有些挫败和不耐烦,因为它似乎更偏爱氛围的营造和内心世界的剖析,而非直接推动外部事件的发展。这种故作高深的写作手法,固然能吸引一部分追求深度解读的读者,但对于我来说,它使得阅读过程变得过于沉重和冗长,需要投入远超预期的精力去消化那些故意设置的障碍。

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这本书的语言风格极其华丽,充斥着大量古典文学的引用和晦涩的哲学思辨,读起来像是在啃一本装饰过满的法式糕点——初看赏心悦目,细品却发现甜腻得难以承受。作者似乎对每一个句子都进行了精心的雕琢,试图用最繁复的结构来表达最简单的意思,结果就是文字像被编织成了密不透风的网,将清晰的叙事困在了里面。我特别注意到,许多段落中的动词和形容词堆砌得非常密集,似乎生怕漏掉任何一种可能的修饰,但这反而削弱了画面的冲击力。举个例子,描述一个简单的场景,作者会花费三段文字来铺陈光线的角度、空气的湿度以及人物微表情的细微变化,而真正的情感爆发点却被淹没在这片辞藻的海洋里。这让我感觉自己像一个被困在文字迷宫里的探险者,每走一步都需要耗费巨大的词汇解析能力,而不是专注于跟随角色的命运。如果说优秀的文学作品是清晰的窗户,那么这本书更像是打磨得极其复杂、略带偏色的棱镜,将本应直射的阳光折射得支离破碎,虽然光影斑斓,却让人难以看清窗外的真实景象。

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这本书中的角色塑造,如果用“平面化”来形容或许有些刻薄,但确实显得非常工具化。每个角色似乎都只为了承载作者想要探讨的某一个抽象概念或哲学命题而存在,他们的行动逻辑往往服务于主题的推进,而非基于真实的人性弱点或情感驱动。例如,那个本应是故事核心驱动力的女性角色,她的所有选择都像是预设程序的执行,缺乏那种让人感同身受的犹豫、矛盾或者非理性冲动。读到她面临重大抉择时,我感受到的不是紧张,而是“哦,作者现在需要她做出这个决定来论证他的理论”。这种刻意的设计感,使得角色失去了鲜活的生命力,他们的痛苦和喜悦都显得隔了一层厚厚的玻璃。我渴望看到角色在困境中展现出的那种不完美、那种出人意料的反应,但这本书提供的,更多是精心编排的雕像,他们摆出最能体现作者观点的姿势,却无法真正触动人心最柔软的部分。整体而言,这本书在理论的构建上是雄心勃勃的,但在情感的连接上,却显得异常冰冷和疏离。

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从结构上看,这本书采用了非线性的叙事手法,但这种“非线性”似乎更像是一种混乱的碎片拼接,而非精心设计的结构艺术。故事的时间线像被一把剪刀随意剪碎后又粗暴地粘合在一起,不同年代的场景和人物的对话毫无预警地跳跃,读者需要时刻在脑海中建立时间轴的参照系。更让人头疼的是,作者似乎对“背景介绍”抱有极大的反感,很多关键人物的背景和他们之间的历史恩怨,都是通过一些极其零碎的对话片段或者突然插入的、没有明确时间标记的回忆闪回来透露的。这意味着,你必须对前文有极强的记忆力,才能拼凑出“这个人为什么会出现在这个场景”的逻辑。这种叙事策略,无疑增加了作品的“深度”和“挑战性”,但对于一个寻求阅读放松体验的普通读者而言,这简直是一场噩梦。我不得不时常翻回前几十页去核对某个名字的身份或者某个地点的来历,极大地打断了沉浸感。它似乎刻意在排斥那些只求一气呵成读完故事的人,更像是为那些热衷于做详细阅读笔记和时间线图表的“硬核”学者准备的材料。

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