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出版者:

作者:王中州 编

出品人:

页数:411

译者:

出版时间:2011-1

价格:49.00元

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isbn号码:9787121127175

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《光影织梦：数字艺术家的游戏世界构建指南》 引言： 在数字时代的洪流中，虚拟世界以其无限的可能性和沉浸式的体验，早已超越了单纯的娱乐范畴，成为现代文化的重要载体。而支撑起这些恢弘壮丽、引人入胜的虚拟国度的，正是无数数字艺术家的心血与创造。他们是这场视觉盛宴的幕后英雄，用画笔和代码，将想象的种子培育成触手可及的现实。本书，《光影织梦：数字艺术家的游戏世界构建指南》，并非一本简单的技术手册，而是一场关于如何从零开始，一步步雕琢出令人惊叹的游戏世界，让玩家在其中获得前所未有的感官与情感体验的深度探索。我们将带领你跨越概念的门槛，深入实践的肌理，揭示那些让游戏世界栩栩如生的设计哲学与技艺。 第一篇：灵魂的蓝图——世界观与概念设计 在构筑一个令人信服的游戏世界之前，我们首先需要为其注入灵魂。本篇将深入剖析如何从一个模糊的灵感火花，发展成一个严谨、丰富、自洽的世界观。 第一章：混沌初开——世界观的基石 灵感的孵化与挖掘： 我们将探讨如何从文学、历史、神话、哲学、甚至科学幻想等多元维度汲取养分，找到驱动游戏世界的核心理念。这不仅仅是关于“什么”，更是关于“为什么”。例如，一个关于“失落文明”的游戏，其灵感可能源自苏美尔的史诗，或是玛雅的神秘遗迹，但更重要的是，我们要思考这个失落文明为何失落？失落后留下了什么？这对当前的游戏世界有什么影响？ 宇宙的法则： 任何一个世界，无论多么奇幻，都需要一套内在的运行逻辑。我们将学习如何构建世界的物理定律（如果存在）、魔法系统（如果存在）、科技水平、甚至社会结构和政治生态。这些“法则”是保证世界观的连贯性和可信度的关键。例如，一个蒸汽朋克世界，其科技发展必然受到能源、材料、以及社会对新技术接受度的制约，这些都需要被清晰地定义。 文化的肌理： 文明并非空中楼阁，它由其居民的习俗、信仰、价值观、艺术形式、生活方式共同构成。我们将学习如何设计这些文化元素，使其与世界观背景相得益彰，为游戏角色和环境增添深度。例如，一个游牧民族的文化，会体现在他们的服饰、居所、饮食、甚至是他们对时间流逝的感知上。 历史的回响： 即便是一个全新创造的世界，也往往拥有自己的历史。过去事件的积淀，塑造了当下的格局，影响着角色的动机和世界的冲突。我们将学习如何梳理一条清晰且引人入胜的历史脉络，让玩家感受到世界的厚重感。例如，一场决定性的战争，可能会导致国家分裂，也可能促使新的宗教兴起，这些历史事件的设计，将直接影响到游戏中的政治地图和阵营关系。 世界观文档的编撰： 最终，这些零散的创意需要被系统地整理成一份完善的世界观文档。这份文档将成为整个开发团队的“圣经”，确保所有人对游戏世界的理解达成一致。我们将指导如何撰写一份详实、逻辑清晰、富有启发性的世界观文档，包含但不限于背景设定、主要种族、重要地点、历史事件、关键人物等。 第二章：具象的先声——概念艺术的诞生 设计的语言： 概念艺术是连接文字设定与最终视觉呈现的桥梁。本章将深入探讨如何将抽象的世界观转化为具象的视觉元素。我们不会直接教授软件操作，而是聚焦于“如何思考”——如何用视觉语言来表达情感、传达信息、构建氛围。 角色设计的哲学： 从服装的剪裁到脸部的线条，每一个细节都在讲述角色的故事。我们将学习如何设计具有辨识度、个性和情感深度的角色，不仅仅是外形，更包含其身份、性格、职业、甚至情绪状态的体现。例如，一个饱经风霜的战士，他的伤疤、破旧的铠甲、甚至眼神中的疲惫，都是他过去经历的无声诉说。 环境叙事的艺术： 游戏场景不仅仅是玩家的立足之地，更是故事的舞台和情绪的渲染者。我们将探讨如何通过环境设计来讲述故事，营造氛围，引导玩家的情绪。例如，一个荒凉的废墟，可以通过破碎的建筑、散落的骸骨、以及阴冷的色调，来暗示一场灾难的发生，以及遗留的绝望。 道具与载具的生命力： 每一个物品，无论大小，都承载着世界的设定和文化的痕迹。我们将学习如何设计具有功能性和故事性的道具和载具，让它们不仅仅是游戏机制的附属品，更是世界不可或缺的一部分。例如，一把充满古老符文的法杖，不仅能施放魔法，也可能蕴含着某个古老祭司的智慧和使命。 风格的探索与统一： 游戏世界的视觉风格是其独特的标签。本章将引导玩家探索不同的艺术风格（写实、卡通、赛博朋克、蒸汽朋克等），并学习如何在一个统一的视觉框架下进行设计，确保所有概念艺术元素都能和谐共存。 第二篇：空间的塑造——环境与场景设计 当世界观的蓝图绘制完毕，概念艺术为之注入了生命，我们便将目光投向了构成游戏世界的实体空间。本篇将带领你进入三维的构建过程，学习如何创造出让玩家流连忘返的虚拟环境。 第三章：次元的构建——三维场景基础 从二维到三维的思维转变： 我们将从概念草图出发，学习如何将其转化为可操作的三维模型。这不仅仅是堆砌多边形，更是理解空间关系、透视、体积感和比例。 模块化与流程化设计： 高效的场景设计需要系统性的思考。我们将探讨如何运用模块化思维，设计可复用的场景组件，以及如何建立一套高效的场景搭建流程，提高开发效率。 建筑与地形的逻辑： 无论是雄伟的城堡，还是崎岖的山脉，其结构和形态都应该符合一定的逻辑。我们将学习如何设计具有说服力的建筑结构，以及如何利用地形工具塑造富有层次感和探索性的地貌。 材质与纹理的灵魂： 材质是赋予模型生命力的关键。本章将深入讲解如何选择和创建逼真的材质，以及如何运用纹理细节来增强模型的质感和故事性。例如，一块粗糙的石砖，其凹凸不平的表面，以及风化留下的痕迹，都在诉说着时间的流逝。 场景叙事与引导： 优秀的场景设计本身就在讲述故事，并引导玩家的探索。我们将学习如何通过场景的布局、物品的摆放、以及光影的运用，来传达信息，设置谜题，或者仅仅是营造出沉浸式的氛围。 第四章：生命的呼吸——环境细节与氛围营造 光影的魔法： 光照是场景的灵魂，它不仅能照亮世界，更能塑造情绪，引导视线。我们将深入研究不同光源（太阳光、灯光、魔法光等）的特性，以及如何利用阴影、反射和折射来增强画面的表现力。 氛围的化学反应： 场景的氛围不仅仅依靠光照，还体现在色彩、天气、植被、甚至是空气中的尘埃。我们将学习如何通过这些元素协同作用，营造出特定的情绪基调，例如阴森恐怖、宁静祥和、或是充满生机的感觉。 动态元素的生命注入： 静态的场景往往显得死气沉沉。本章将探讨如何通过添加动态元素，如风吹动的树叶、流淌的溪水、飘渺的烟雾、或是偶尔出现的飞鸟，来为场景注入生命力，使其更加真实和生动。 道具与细节的故事： 场景中的每一个小物件，都应该有其存在的理由。我们将学习如何巧妙地摆放道具，让它们为场景增添背景故事，或者暗示着角色的行为和历史。例如，一张散落着地图和指南针的书桌，可能暗示着一位探险家的离开。 空间叙事与玩家互动： 场景的设计应该能够与玩家产生互动。我们将学习如何通过场景的布局，自然地引导玩家前往特定区域，或者通过环境线索来触发剧情或解谜。 第三篇：生命的律动——角色与生物设计 一个鲜活的游戏世界，离不开形形色色的生命。本篇将带领你深入探究角色与生物的设计，从它们的外形到行为，再到它们在游戏世界中的独特意义。 第五章：形体的雕琢——角色与生物的建模 结构与比例的严谨： 无论是人形态的英雄，还是奇形怪状的怪物，其结构和比例都是赋予其可信度的基础。我们将学习如何理解人体解剖学、动物学等基础知识，并将这些原理应用于三维模型的搭建。 雕刻的艺术： 高模雕刻是赋予角色和生物丰富细节的关键。本章将探讨如何运用雕刻工具，塑造出逼真或风格化的表面细节，如肌肉纹理、皮肤褶皱、鳞片、毛发等。 拓扑与优化： 艺术创作的最终目的是在游戏中呈现。我们将学习如何进行高效的拓扑，确保模型在进行动画绑定和实时渲染时具有良好的表现，并进行必要的模型优化，以适应游戏引擎的需求。 UV展开与贴图绘制： UV展开是将三维模型“摊平”以便绘制二维贴图的关键步骤。本章将深入讲解UV展开的技巧，以及如何绘制高质量的漫反射贴图、法线贴图、金属度贴图等，为模型赋予色彩和质感。 模型风格的把握： 从写实到Q版，不同的游戏需要不同的模型风格。我们将学习如何根据游戏整体风格，调整模型的细节表现和造型特征，使其与游戏世界观和艺术风格高度统一。 第六章：生命的律动——材质、蒙皮与绑定 材质的表现力： 贴图是模型表面的“皮肤”，而材质则是定义这层皮肤“触感”和“质感”的关键。本章将深入讲解如何根据不同材质的特性（如皮革、金属、布料、皮肤等），创建逼真的材质表现，包括高光、粗糙度、透明度等参数的设置。 蒙皮的奥秘： 蒙皮是将三维模型与骨骼系统关联起来，使其能够进行变形的关键技术。我们将学习如何进行准确的蒙皮权重绘制，确保模型在骨骼移动时能够自然地发生形变，避免出现不自然的拉伸或穿模。 骨骼的搭建与绑定： 骨骼系统是驱动角色和生物进行动画表演的“骨架”。本章将讲解如何根据角色的结构设计合理的骨骼系统，并进行必要的IK/FK控制器的设置，为后续的动画制作打下基础。 面部表情的设计： 对于有情感表达的角色，面部表情的设计至关重要。我们将学习如何通过眼球、眉毛、嘴巴等关键点进行面部骨骼的设置，并探讨如何通过 blend shapes（形变目标）等技术来丰富面部表情。 生物的独特设计： 非人型生物的设计更具挑战性。我们将学习如何根据其生理结构和生活习性，设计合理的骨骼系统和蒙皮，使其动作流畅且具有说服力。例如，一个拥有翅膀的巨龙，其翅膀骨骼的设置和蒙皮的权重分配，将直接影响到其飞行动画的真实感。 结语： 《光影织梦：数字艺术家的游戏世界构建指南》 致力于为你提供一个系统性的学习框架，让你能够从根本上理解游戏世界构建的深层逻辑和关键技术。本书旨在激发你的创造力，引导你掌握将想象转化为视觉现实的艺术。通过对世界观构建、概念设计、场景搭建、角色建模等核心环节的深入剖析，你将能够独立地构思并实现一个独具魅力的游戏世界。记住，每一个伟大的游戏，都源于一个伟大的创意，而将这个创意赋予生命的，正是你手中那支数字画笔。愿本书成为你在这条光影织梦之路上，最坚实的伙伴。

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我最欣赏这本书的地方，在于它背后所蕴含的那种对行业前沿的敏感度和对未来趋势的洞察力。很多教程内容很快就会过时，但这本书似乎在努力构建一套“永恒的”美术原则，而不是追逐一时的流行特效。书中对于如何平衡美术表现力与引擎性能的讨论，体现了作者深厚的项目经验。它没有回避技术限制带来的挑战，反而将其视为激发创意的催化剂。例如，在讨论大型环境的优化时，作者详细阐述了LOD（细节层次）设计的美学考量，即如何在保证远景观感的前提下，合理分配资源。这种将艺术创作与工程实现紧密结合的视角，让我意识到，优秀的美术师必须是技术和艺术的完美融合体。这本书无疑为这个融合提供了一个非常扎实的理论基础和实操指导。

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说实话，我原本对这种“教程”类的书籍抱有很大的疑虑，总觉得它们大多是浅尝辄止，把复杂的概念用生硬的步骤罗列出来，看完之后还是感觉抓不住重点。但这本书完全颠覆了我的认知。它不仅仅是教你“如何操作软件”，更重要的是，它深入探讨了“为什么这么做”。例如，在讲解角色概念设计时，作者用了大量的篇幅去分析不同文化背景下对“英雄”形象的审美差异，以及如何通过色彩心理学来引导玩家的情绪。这种由宏观到微观的递进式讲解，让读者能够建立起一套完整的设计思维框架，而不是死记硬背工具的快捷键。特别是关于场景氛围营造的那几个章节，作者通过对历史建筑光照衰减的模拟分析，清晰地展示了如何让一个虚拟场景拥有“历史感”，这一点在市面上其他的书籍里是极其罕见的深度。

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从内容组织和逻辑结构来看，这本书的编排体现出极高的专业素养和清晰的教学思路。它没有采取那种传统的、线性的一步接一步的教学法，而是巧妙地采用了“模块化”的结构。你可以在需要复习某个特定技能时，迅速定位到对应的章节，而不会被大量无关内容干扰。更值得称赞的是，作者在每章末尾设置的“常见误区与高级技巧”栏目，这些小小的侧边栏往往包含了最能体现作者经验的“干货”。我个人尤其喜欢其中一个关于“美术风格统一性”的论述，它不再是泛泛而谈，而是提供了一套从概念草图到最终资源导出的完整风格校验流程。这让整个学习路径显得既灵活又严谨，极大地提高了学习效率，非常适合时间紧张的职场人士进行查漏补缺。

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这本书的排版和装帧设计简直让人眼前一亮，完全不像一本技术类的教程，更像是一本精心制作的艺术画册。我尤其欣赏作者在章节过渡和案例展示部分的视觉处理，那种流畅的衔接感，让原本可能枯燥的学习过程变得赏心悦目。封面那种大胆的用色和富有冲击力的主视觉元素，确实抓住了“游戏”那种动态、前卫的气质。内页的用纸质量也非常好，色彩还原度极高，打印出来的细节锐利清晰，对于研究材质和光影效果的读者来说，这是一个巨大的加分项。我本来担心厚重的教程会让人望而却步，但它在保持内容深度的同时，这种高标准的视觉呈现，极大地提升了阅读的愉悦度和学习的动力。可以说，光是把它摆在书架上，也是一种享受，是对设计美学的一种尊重。它传递出的信息是，制作出优秀的美术作品，本身就是一种艺术追求，而不是简单的技术堆砌。

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这本书的实战案例部分，简直是为我这种已经有一定基础，但急需突破瓶颈的学习者量身定做的“秘籍”。它没有停留在那些老生常谈的基础建模或贴图练习上，而是直接切入了当下主流游戏美术的几个核心难点。比如，关于PBR（基于物理的渲染）材质的准确表达，作者提供的不仅仅是参数设置，而是拆解了不同物理属性（如粗糙度和金属度）在不同光照条件下的视觉反馈机制。我跟着书中的步骤，尝试重新制作了一个武器的模型，结果发现自己过去在处理反光细节时，很多直觉性的操作其实是错误的。通过这本书的指导，我第一次真正理解了“真实感”背后的数学和物理原理，这对我后续作品的质量提升是立竿见影的。

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