王羲之十七帖 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海辞书

作者:孙宝文 编

出品人:

页数:28

译者:

出版时间:2011-5

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787532633784

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《西泠印社藏拓本：宋拓本之妙与碑帖流变》 内容简介 本书并非聚焦于某位特定的书法大家，也无意深入探讨某一特定碑刻的文字内容本身。相反，这是一部旨在深入剖析中国书法艺术中一个至关重要、却常被忽略的侧面——碑帖的流传、拓印技术的演变及其在艺术史中的地位的学术专著。它将目光投向了那些承载着历史温度与墨韵精髓的“物证”本身，即历代精良拓本的保存与研究价值。 全书以西泠印社收藏的宋拓本为核心研究案例，辅以大量的宋、元、明、清不同时期拓本的对比分析，构建起一个关于“眼见为实”的碑帖研究体系。我们力求通过对实物的细致描摹与考证，揭示书法的“原貌”如何在历经千年的流转中被不同时代的刻工、拓工所重塑、诠释乃至“再创作”。 第一部分：拓本的诞生与艺术价值的重塑 本部分首先追溯了“拓印”这项技艺的起源与发展。它不仅仅是一种复制手段，更是书法传播史上一次划时代的飞跃。在雕版技术尚未成熟，或者原碑损毁风险极高的情况下，拓片成为了保存书法“神韵”的唯一途径。 我们详细考察了唐代初期“初拓”的特点：墨色之厚重、纸张之纤维质感、以及刀法与笔法的直接对应关系。随后，重点聚焦于宋代拓本的“黄金时代”。宋代文人士大夫阶层对古碑的推崇达到了前所未有的高度，他们不仅组织了大规模的摹刻与拓印活动，更形成了一套独特的审美标准——即“尚古之风”下的精细化、审美品味化的拓印要求。 书中通过对西泠印社所藏的几件关键宋拓本的微观分析，揭示了宋人如何在拓印过程中，通过对拓料（如绵纸、麻纸）的选择、拓墨的调配，以及拓工的力度控制，实现了对原碑刻痕的“理想化”再现。例如，某些“搨印”技术下呈现出的“涨墨”效果，与后世的“干拓”形成了鲜明的对比，这种对比本身就构成了研究书法审美流变的重要线索。 第二部分：流变中的“失真”与“再生” 书法史的研究常常受限于“孤本”或“残本”，而本书的第二部分则致力于探讨碑帖流传过程中的“人为干预”与“自然损耗”。 我们剖析了历代对碑刻的“重刻”现象。一些著名的碑，如《九成宫醴泉铭》或“颜体”的代表作，在宋元时期因原碑风化而进行补刻或重刻，这些“重刻本”往往带有鲜明的时代风格，甚至被后世误认为“原貌”。本书通过对比宋、明、清三朝的拓本，清晰地勾勒出碑文在不同阶段的字形变化、笔画粗细的差异，从而帮助读者区分“原碑之貌”与“摹刻之意”。 此外，书籍详尽分析了拓本在后世的“装裱”与“鉴藏”环节中遭受的二次伤害与美化。包括清代以来文人墨客在拓片上留下的朱批、题跋、甚至考订性的圈点，这些都为研究拓本的流传轨迹提供了宝贵的社会文化信息。我们探讨了“蜜蜡装”、“蝴蝶装”等不同装帧方式对拓片保存的影响，以及如何通过纸张的陈化痕迹、墨色的渗透程度来反推拓本的年代。 第三部分：以“物”证史——西泠印社藏拓的个案研究 本书的价值核心体现在对西泠印社这一特定收藏体系的聚焦。西泠印社不仅是金石篆刻的重镇，其所藏的碑帖拓本也代表了晚清民国时期金石学研究的最高水平。 本章选取了数件具有里程碑意义的拓本进行深度个案分析，例如： 1. 某一珍稀的唐碑宋拓本的墨色分析： 探究其所用墨锭的成分是否暗示了特定窑口或制作工艺，以此佐证其拓印年代的可靠性。 2. 某一“断泐”碑刻的拓片对比研究： 通过不同时期（如宋拓与明拓）对同一残缺部分的记录，重建了原碑在中间这段时间内的物理状态，体现了碑帖拓印在文献学上的重要功能。 3. 特定书法家（非王羲之体系）的早期拓本研究： 展示了如何通过对拓工技艺的识别，来推断该书法家作品的传播速度与影响力范围。 通过这些详实的个案，本书旨在构建一种“拓本学”的研究范式：即不再将拓片仅仅视为书法作品的载体，而是将其视为一个独立的研究对象，研究其自身的物质性、技术性与历史性。 结语：超越文字的审美——对“法帖”的再认知 本书的最终目的，是引导读者超越对碑文具体内容的关注，转向对书法“物理存在”的深刻理解。王羲之、颜真卿等书法巨匠的“笔意”，在拓本上被工匠的“刀意”和拓工的“墨意”所中介和转化。理解了拓本的流变，才能更深刻地把握中国书法史上“法帖”概念的复杂性与多义性。这部著作，为金石学、艺术史与文献学提供了一座跨学科的桥梁，是对中国传统文化中“物我合一”审美追求的一次严肃致敬。 本书适合对象： 碑帖研究者、金石学爱好者、书法史专业学生，以及对中国古代手工艺和文献保护有浓厚兴趣的读者。

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我对中世纪欧洲的日常生活其实一直抱有某种浪漫化的想象，总觉得那是一个充满骑士、吟游诗人和昏暗城堡的时代。然而，拜读了这本关于中世纪城市公共卫生与社会治理的著作后，我的认知被彻底颠覆了。作者的材料搜集工作做得令人惊叹，从教会记录、市政法令到私人信件，无一不揭示出当时城市生活的真实面貌：拥挤、瘟疫肆虐、垃圾横流的街道，以及人们为了争夺有限的水源和空间而产生的无数摩擦。书中关于“气味政治”的分析尤其发人深省，它揭示了不同社会阶层如何通过对环境卫生的定义来巩固自身的优越性。这本书的笔法非常冷静克制，没有过度渲染悲惨，而是客观地展示了在缺乏现代科学支撑下，人类社会为了维持基本秩序所付出的巨大努力和妥协。它让我对“进步”这个概念有了更审慎的理解，明白任何一个“黄金时代”背后，都隐藏着常人难以想象的生存压力和制度构建。

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作为一名对建筑史略感兴趣的非专业人士，我发现这本书在叙事手法上做得非常出色。它不是那种干巴巴的年代罗列和结构解析，更像是一部徐徐展开的“空间演变史”。作者巧妙地将不同历史时期的建筑风格，如宋代的内敛含蓄与明清的繁复恢宏，置于当时的社会制度和审美趣味的大背景下去解读。书中对榫卯结构的图解部分，我简直爱不释手，那些复杂的连接方式，配上清晰的剖面图，让我这个门外汉也能大致领略到古代匠人的智慧。而且，本书的选材非常精妙，它没有一味地关注宫殿庙宇，而是花了大量篇幅讨论了民居、园林乃至水利设施的演变，这使得对历史的理解更加立体和接地气。读完之后，我再看老电影里的场景或者去古镇游览，眼光都会自然而然地被建筑的细节所吸引，我开始关注屋顶的歇山与硬山之别，留意院落的空间布局如何影响居住者的心理感受，这本书成功地提升了我观察世界的方式。

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这本关于中国传统绘画技法的书简直是本宝藏！我一直对水墨山水的晕染和皴法感到困惑，总觉得自己的作品总是少了一丝“气韵”。可是翻开这本书，作者用极其细腻的笔触，结合大量的实例和步骤图，将那些看似高深的技法，如披麻皴、斧劈皴，讲得深入浅出。特别是关于墨色的层次变化，书中不仅讲解了浓、淡、干、湿的理论，更通过对比图展示了不同用墨方式在画面中营造出的空间感和情绪张力。我最欣赏的是它对“意境”的探讨，不仅仅停留在技法的表层，而是引导读者去理解中国画“以形写神”的核心思想。读完关于留白处理的那一章，我茅塞顿开，明白了为什么有些大师的作品，留白之处比实处更引人入胜。这本书的装帧也非常考究，纸张的质感很好，即便是临摹时也能感受到那种厚重的历史感。对于想从临摹阶段迈向自我创作的爱好者来说，这本书无疑是架起了一座坚实的桥梁。

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这本关于早期电子音乐制作的技术手册，对我这个刚入门的合成器爱好者来说，简直是救命稻草。市面上很多教材都太偏重于软件操作，而忽略了声音本身的物理特性。这本书却反其道而行之，它花费了大量的篇幅来解释振荡器、滤波器和包络的底层原理，用非常直观的类比，比如将LFO比作心跳的起伏，将包络比作一个声音的“生命周期”。我尤其佩服作者对“模组化合成”的阐述，他把复杂的信号流分解成一个个可以独立思考的模块，让学习者能够真正理解“声音是如何被构建出来”的，而不是仅仅学会拖拽预设。书中还收录了许多经典复古合成器的工作原理分析，即便我现在主要使用数字软音源，了解这些硬件设计的哲学，对我创作出更具模拟质感的音色大有裨益。唯一的“缺点”可能是内容太扎实了，需要反复阅读并动手实践才能完全消化，但这恰恰证明了它的深度和价值所在。

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我最近沉迷于古代诗歌中的意象分析，这本书简直是为我量身定制的。它聚焦于唐代边塞诗的语境重构，深入剖析了“大漠孤烟直，长河落日圆”这类经典名句背后，诗人所处的历史背景和社会心理状态。作者的论述角度非常新颖，他没有采用传统的按时间或流派分类的方法，而是从“风、沙、马、月”这四个核心意象入手，层层递进地解构了边塞诗中那种苍凉而又豪迈的复杂情感。我特别喜欢其中关于“马”的章节，作者引用了大量的史料，说明了唐代军旅生活对诗人创作的影响，使得那些诗句不再是孤立的文字符号，而是鲜活的、带有血肉的时代印记。这本书的行文流畅，虽然学术性很强，但逻辑清晰，引用注释详实，读起来一点也不枯燥。对于想要深入理解唐诗的韵味，特别是体会那种“塞外之音”的读者，这本书的价值无可估量，它让我对那个时代的壮阔和无奈有了更深刻的共鸣。

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草书。霸王书38。

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阁贴技法简单 作为隶书至楷书过渡

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草书。霸王书38。

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阁贴技法简单 作为隶书至楷书过渡

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余嘗喜覽魏、晉以來筆墨遺跡，而想前人之高致也。所謂法帖者，其事率皆吊哀、候病、敘睽離、通訊問，施于家人朋友之間，不過數行而已。蓋其初非用意，而逸筆餘興，淋漓揮灑，或妍或醜，百態橫生。披卷髮函，爛然在目，使人驟見驚絕。徐而視之，其意態愈無窮盡，故使後世得之以為奇玩，而想見其人也。