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出版者:

作者:周建国

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2011-8

价格:55.00元

装帧:

isbn号码:9787030315571

丛书系列:

图书标签:

• 设计
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• 2016
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《插画设计》这本书，是一本深入探讨视觉叙事与创意表达的实践指南。它并非简单罗列技巧，而是从根本上剖析插画的艺术魅力与商业价值，引领读者构建属于自己的视觉语言体系。 本书的核心在于“理解”而非“复制”。它首先会带领你走进插画的世界，从历史的长河中梳理不同时期、不同风格的插画流派，让你了解艺术的演变如何塑造了今日的插画面貌。无论是早期欧洲版画的朴拙，还是日本浮世绘的鲜活，亦或是二十世纪现代主义的抽象，都将一一呈现，帮助你建立宏观的认知框架。 接着，本书将聚焦于插画的“核心语言”——色彩、构图与线条。你会学习到如何运用色彩的情感力量来唤起读者的情绪，如何通过构图的视角和节奏来引导视线，以及如何通过线条的粗细、疏密来传达不同的质感和意境。这部分内容将以大量的范例和图解进行说明，让你直观地感受不同元素的组合所产生的视觉冲击力。 然后，本书会深入到“角色与故事”的创作层面。插画的生命力往往体现在它能否讲述一个引人入胜的故事，能否塑造一个鲜活的角色。书中会详细讲解如何进行角色设计，包括人体比例、服装造型、表情刻画等方面，以及如何将抽象的概念转化为具象的视觉元素。你将学习到如何构思故事情节，如何通过画面 sequence 来推进叙事，让你的作品拥有独立的生命力。 除了艺术层面的探索，本书同样关注插画的“商业应用”与“行业洞察”。你会了解到插画在不同领域的需求，如儿童绘本、广告宣传、游戏设定、品牌视觉等，并学习到如何根据不同项目的要求来调整创作风格和技术。同时，本书还会分享行业内的资深插画师的创作经验、客户沟通技巧以及版权保护知识，为你未来的职业发展打下坚实基础。 在技法方面，本书将兼顾传统与数字两种媒介。对于喜欢传统手绘的读者，会介绍素描、水彩、丙烯等常用绘画材料的使用方法与技巧。对于拥抱数字时代的设计师，则会详细讲解主流插画软件的操作流程，包括图层管理、笔刷运用、色彩调整等，并提供一些数字绘画的高级技巧，如材质模拟、光影处理等。本书旨在让读者掌握多元化的创作手段，能够灵活运用最适合的工具来表达创意。 本书的独特之处还在于它强调“思考”与“实践”的结合。每一章节都会提供一系列的练习题，鼓励读者动手去尝试，去挑战。这些练习题从基础的线条练习到复杂的场景构图，从单幅作品的创作到系列插画的构思，循序渐进，帮助你将所学知识融会贯通，内化为自己的创作能力。 此外，本书还会引导读者关注“当下”的视觉趋势，探讨人工智能对插画行业可能带来的影响，以及如何在快速变化的时代中保持创作的独立性与前瞻性。它鼓励读者保持好奇心，不断学习，勇于探索新的可能性。 总而言之，《插画设计》是一本面向所有热爱视觉表达、希望提升插画创作能力读者的综合性书籍。它将陪伴你从一名插画的初学者，成长为一位能够独立思考、驾驭多种风格、并在商业领域有所建树的创意工作者。它不提供现成的答案，而是为你打开一扇通往无限创意可能的大门，让你在这个充满视觉冲击的世界里，找到属于自己的独特声音。

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我必须说，这本书的排版设计简直是教科书级别的。每一个字、每一张图片之间的留白，都处理得恰到好处，根本不会让人感到视觉疲劳，这在现在很多充斥着廉价信息的读物中是多么难得。我尤其欣赏作者在论述复杂概念时所采用的类比手法。比如，在解释如何构建一个有逻辑的视觉流程时，他竟然搬出了古典音乐的“奏鸣曲式”结构来做比喻，这一下子就让原本抽象的结构概念变得具象而生动起来。我以前总觉得视觉设计和音乐理论是两个风马牛不相及的领域，但通过这本书的阐述，我发现它们在底层逻辑上是相通的——都需要节奏、对比和和谐。这种跨界的思考方式，极大地拓宽了我的视野。读完后我感觉自己看待任何视觉作品的方式都变了，不再是单纯地评价“好不好看”，而是开始分析“它如何运作”，以及“作者的意图在哪里”。这本书的价值，就在于它教会了我们如何去深度解码视觉语言，而不仅仅是停留在表面的审美判断上。

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坦白讲，我最初对这类书籍抱有一定的怀疑态度，总觉得很多号称“揭秘”的书到头来都是一些陈词滥调的拼凑。然而，这本书的观点非常独到，它没有过多地纠缠于软件操作或者最新的流行趋势，而是将重点放在了“个体独特视角”的培养上。作者花费了大量的篇幅去探讨如何对抗“同质化”的创作倾向，这一点对我这个在行业里摸爬滚打了一段时间的人来说，简直是救命稻草。他鼓励我们去挖掘童年的记忆、去审视那些被社会忽略的角落，并将这些“不完美”和“私密性”转化为我们创作的独有标识。我记得有一段讨论到“符号的失焦”，作者认为，一个真正强大的符号，不是清晰到一眼看穿，而是留有足够的模糊空间让观者参与进来完成意义的构建。这种对“留白”和“不确定性”的推崇，与我目前追求的极简主义风格形成了很好的互补和印证。这本书就像一面镜子，让我更清晰地看到了自己创作中的怯懦和模仿的痕迹，从而鼓起勇气去追求更真实的声音。

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这本书的叙事节奏掌握得非常高明，它不是那种平铺直叙的教程，而更像是一场精心策划的思维漫游。作者巧妙地在理论探讨和实际案例分析之间来回穿梭，使得阅读体验张弛有度，绝不拖沓。其中关于“色彩心理学”的那一章节，我感觉获得了巨大的启发。它摒弃了那种简单粗暴的“红代表热情，蓝代表冷静”的标签化解读，而是深入到不同文化背景下色彩的演变和潜意识层面的影响。作者通过对几个不同地域的广告案例的对比分析，生动地展示了即使是同一种颜色，在不同的语境下也能传达出截然相反的讯息。这种对文化和语境敏感度的强调，对于现在全球化的创作环境来说，无疑是至关重要的。这本书的深度远超出了我对一本“设计”书籍的预期，它更像是一部关于人类感知和文化符号学的入门读物，读起来让人欲罢不能，总想一口气读完，去看看作者下一站又要带我们去哪里考察。

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我必须承认，这本书的文字功底极其扎实，用词精准而富有张力，读起来完全没有一般技术类书籍那种干涩和晦涩感。它的行文风格非常流畅，充满了哲学思辨的魅力。最让我印象深刻的是作者对“时间感”在二维画面中如何被构建的讨论。他没有简单地用动静对比来解释，而是深入探讨了“瞬间的凝固”与“过程的暗示”之间的辩证关系。例如，他分析了一个著名的摄影作品，说明画面中人物肢体语言的微小倾斜，是如何暗示了动作发生前后的连贯性，从而在静止的画面中创造出了时间的流动感。这种对“动态”在“静态”中体现的洞察力，彻底颠覆了我对构图的理解。这本书的价值在于，它将我们习以为常的视觉现象，用一种近乎诗意的语言重新解构，让我们学会用更深层次的眼光去观察世界。读完后，我感觉自己不仅在学习如何“画”得更好，更是在学习如何“看”得更透彻，这是一种由内而外的提升。

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这本书的装帧真是太吸引人了，封面那种略带复古的色彩搭配，一下子就把我拉进了一个充满想象力的世界。我原本是抱着随便翻翻的心态打开它的，没想到里面的文字，虽然篇幅不算特别多，但那种对艺术本质的探讨，却是直击灵魂深处的。作者似乎并不满足于停留在技巧层面，而是深入挖掘了“为什么”要去画，以及“画”这件事本身对个体和社会的意义。特别是有一章专门讲了光影在叙事中的作用，那种细腻的笔触，简直让我有种醍醐灌顶的感觉。我记得那部分内容，它不是简单地告诉你“高光要亮，阴影要暗”，而是结合了几个经典案例，展示了光线如何引导读者的情绪，如何塑造人物的内心冲突。读完之后，我立刻跑去尝试用新的光影方式去处理我正在进行的一个项目，效果立竿见影，那种微妙的氛围感一下子就出来了。这本书给我的感觉，更像是一位经验丰富的大师在你耳边低语，分享的都是那些书本上找不到的“心法”，而不是冷冰冰的公式。它成功地将理论的深度和实践的温度完美地融合在了一起，让人读完之后，不仅有知识的充实感，更有创作的冲动。

评分☆☆☆☆☆

这书每个图都是网上随便找来的吧呵呵，别的我不懂可是关于模拟人生那个绿色的状态显示箭头居然被描述为宝石真是呵呵，龙猫诡异版被描述为可爱真是呵呵。卧槽评价设计没错，可是明明不知道还说就不大丈夫啦吧wwwww

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分析的还可以，让我懂得如何欣赏插画

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大量的插画图非常精美，让人觉得爱不释手。

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