魯山人の器 (NHK美の壺) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:日本放送出版協会

作者:NHK「美の壺」制作班 (編集)

出品人:

页数:70

译者:

出版时间:2006-10

价格:998

装帧:Paperback

isbn号码:9784140811351

丛书系列:

图书标签:

• 北大路魯山人
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漆器：跨越千年的光影流转与匠心传承 一部深入探索日本乃至世界漆器艺术的恢弘史诗，侧重于其材质、工艺、历史变迁、文化意涵及其在不同地域的演化与影响。 本书旨在构建一部全面、深入且富有洞察力的漆器艺术通史，重点关注其作为一种独特的装饰艺术和实用工艺，如何在历史长河中不断发展、创新，并最终融入人类文明的审美体系。我们不聚焦于某一时期的特定主题，而是从宏观视角梳理漆器这一门类从起源到当代发展的脉络，探讨其深层次的文化价值与技术精髓。 --- 第一部分：漆的起源与物质基础——从树脂到艺术媒介 漆器艺术的核心在于“漆”，即天然漆液（生漆）的采集、提炼与应用。本部分将详细剖析漆的植物学基础，主要集中于漆树（Toxicodendron vernicifluum）的生长环境、采漆的时令、工具和流程。我们将揭示，这种看似简单的天然树脂，是如何通过复杂的化学反应（氧化聚合），从流体转变为坚硬、防水、耐腐蚀的保护层与装饰基底。 1.1 漆源的地理分布与特性差异： 深入探讨不同地域（如中国、日本、东南亚）漆树品种的细微差别，以及这些差异如何影响了漆液的粘度、干燥速度和最终光泽度。考察古代工匠如何通过混入油脂、矿物等天然添加剂来调节漆的性能，以适应特定的气候条件和制作需求。 1.2 基础髹饰技术解析： 详尽介绍最基础的打底技术，如麻布贴衬（麻貼り）、地漆的层层叠加与研磨过程。这一过程是构建漆器耐久性和平整度的关键，我们将以考古发现和传统文献为证，重构古代工匠在无现代工具辅助下，如何依靠耐心和经验完成数以百计的打底工序。 1.3 色彩的诞生：矿物与天然颜料的融合： 漆器的色彩并非来自人工合成的颜料，而是依赖于对天然物质的精准运用。本节着重介绍朱（丹砂）、黑（铁粉或烟炱）、褐、黄等主要色漆的制作方法。特别是对“黑漆”的制作，将阐述如何通过控制烟炱的颗粒大小和分布，实现从深邃磨砂到镜面光泽的质感跨越。 --- 第二部分：工艺的交响——装饰技术的体系化梳理 漆器艺术的魅力在于其无与伦比的装饰多样性。本章将系统地分类、解构并比较那些耗时耗力、技术要求极高的装饰工艺，展示它们如何共同构筑了漆器的视觉巅峰。 2.1 莳绘技法群像：光影的雕刻者： 莳绘（Maki-e）作为日本漆器最负盛名的技术之一，将得到最细致的剖析。不仅仅是简单的撒粉，本书将区分平莳绘、高莳绘、研出莳绘的工艺流程、所需工具（如竹管、毛笔、发刷）以及对湿度控制的极端要求。重点分析如“金银粉”的颗粒粗细对光反射效果的影响，以及工匠如何通过线条的疏密变化来模拟自然界的流动感。 2.2 螺钿与沉金：材质的对话： 螺钿（Raden）技术涉及对贝壳（如鲍鱼壳、夜光贝）的切割、打磨和镶嵌。本部分将探讨古代工匠如何解决有机材料（贝壳）与无机材料（漆）在热胀冷缩系数上的差异，以防止开裂脱落。同时，沉金（Chinkin）作为一种不使用粉末，而是直接在漆面上刻出纹样并填充贵金属的技术，将展示其刚劲、清晰的线条美学，并与莳绘的柔和形成对比。 2.3 堆漆与脱胎：形态的创造： 探讨超越平面装饰的立体技术。堆漆（Tsuikei）是通过反复堆积厚厚的漆层来塑造浮雕效果，这需要极强的耐心和对漆层干燥速度的精确把握。脱胎（Datsugai）技术则展示了如何利用模型（如木、布、泥）制作胎体，并在完成后将其取出，留下轻盈而坚固的空心漆器结构，这在大型器物制作中尤为重要。 --- 第三部分：历史的坐标——漆器在东西方文明中的流变 漆器并非孤立的技术，它是跨文化交流与技术传播的有力见证。本章将追溯漆器工艺的扩散路径，并考察其在不同文明中被赋予的独特社会和宗教意义。 3.1 东方文明的奠基： 追溯漆器在中国（新石器时代至明清）的发展历程，分析其如何从祭祀礼器演变为生活用品，以及在汉代壁画和唐宋典籍中对漆器使用场景的记录。考察越南、朝鲜半岛漆器的地域特色及其对日本工艺的早期影响。 3.2 日本漆器的专业化与“国风”的形成： 分析奈良时代引进中国技术后，平安时代漆器如何摆脱模仿，形成独特的“莳绘主导”的审美体系。探讨室町、安土桃山及江户时代，随着茶道和武家文化的兴盛，漆器在审美趣味和功能性上的细微变化——例如，从追求富丽堂皇到注重“侘寂”的意境。 3.3 漆器西传与“日本风”（Japonisme）： 详细记录16、17世纪漆器如何通过贸易路线进入欧洲，并在宫廷和贵族阶层中引发的狂热。分析欧洲工匠尝试模仿漆器而催生的“仿漆”（Japanning）技术，及其与真正的天然漆工艺在材料和质感上的根本区别。考察19世纪末“日本风”运动对西方现代艺术（如新艺术运动）设计思想产生的深刻影响。 --- 第四部分：功能、传承与当代语境 漆器最终是为人所用的。本部分将讨论不同时代对漆器功能的需求演变，以及现代社会中，传统技艺面临的挑战与新生力量。 4.1 器物的功能谱系： 从古代的礼器、兵器（漆甲）、佛教法具，到文房用具（砚箱、笔筒）和日常饮食器皿（莳绘碗、食盒），分析不同用途对漆器结构和漆层厚度的具体要求。特别探讨漆器在保护木胎和保持食物温度方面的实用价值。 4.2 工艺的保存与创新： 探讨现代材料学对传统漆器保护的贡献，以及当代艺术家如何在尊重传统的基础上，运用新的设计语言和结构概念，拓展漆器的表现边界。讨论如何平衡传统学徒制的严苛性与现代教育模式的普及性之间的关系，确保核心技术的代际传递。 4.3 审美哲学的沉淀： 总结漆器技术背后所蕴含的东方哲学观——如对“无常”（变化性）的接受、对“间”（空间留白）的重视，以及对“时间感”（工序漫长所带来的精神价值）的推崇。本书旨在让读者理解，每一件精美的漆器，都是时间、自然材料与人类不懈技艺相互作用的凝固体现。

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对于我这种艺术欣赏能力相对“外行”的人来说，这本书的切入点非常友好，但它绝不因此降低了内容的深度。作者没有停留在对器物美学形式的简单描述，而是深入挖掘了其背后的文化土壤和地域特性。比如，他细致对比了不同产地泥土的矿物质含量如何影响釉色的微妙变化，以及这种变化如何与当地的气候、水文条件形成一种相互依存的生态关系。这种宏观与微观的结合，构建了一个完整且有机的知识体系。我读到关于特定季节采集特定材料的段落时，感受到了一种强烈的季节感和地域的局限性，这让我深刻理解到，真正的“地方特色”并非刻意为之的标签，而是环境与匠人长期互动的结果。它促使我思考，在我们追求全球化、同质化的今天，如何才能真正保留住那些地域独有的、不可复制的文化基因。文字的叙事节奏把握得非常好，时而像一位严谨的学者在讲解原理，时而又像一位亲切的长辈在讲述家族秘辛，引人入胜，让人忍不住一口气读完。

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我必须称赞作者的采访和观察能力，他似乎拥有能穿透事物表象直达本质的“透视眼”。书中对不同世代匠人传承方式的对比分析，尤其发人深省。老一辈匠人对口传心授的绝对信赖，与年轻一代热衷于记录数据、量化标准的做法之间的张力，被描绘得极其真实和微妙。作者既没有全然贬低现代化的便利，也没有盲目歌颂过去的“黄金时代”，而是客观地呈现了这种演变中带来的得与失。比如，在讨论到一些失传的秘方时，他表现出一种深深的惋惜，但同时又理性地分析了为何这些技艺难以在当代社会中存续。这种平衡感，让整本书的论述显得既有人情味又充满理性的重量。文字的运用上，作者非常擅长使用象征性的比喻，将抽象的技艺难题转化为具体的、可感知的画面，使得那些原本可能枯燥的技术描述变得生动有趣，充满诗意。读完之后，我感觉自己不仅了解了一种手艺，更像是旁观了一场关于文化存续的深刻辩论。

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这本书简直是打开了一扇通往宁静与深邃的窗户。我一直对手工技艺怀有莫名的向往，总觉得那些经过匠人之手打磨出来的器物，自带一种时间的温度和故事感。这本书并没有急于展示那些光鲜亮丽的成品，而是将笔触深入到材料的选择、工具的打磨，乃至匠人内心世界的构建。读到关于木材纹理如何引导雕刻方向的那一段，我仿佛能亲身感受到指尖与木纤维的细微摩擦，那种人与自然物之间微妙的对话，是现代工业流水线产品永远无法比拟的。作者的文字带着一种近乎冥想的沉静，不疾不徐地引导读者进入一个慢节奏的世界。他没有用那些晦涩难懂的专业术语来炫耀学识，而是用一种非常朴素、却又极富画面感的语言，描绘出创作过程中那些转瞬即逝的灵感火花和反复推敲的纠结瞬间。每次捧读，都像进行了一次精神上的深呼吸，让人瞬间从日常的喧嚣中抽离出来，重新审视“美”的真正含义——它或许就藏在那些看似微不足道，却耗费了无数心血的细节之中。这本书的排版和配图也极其考究，每一次翻页都像在欣赏一幅精心构图的水墨画，让人流连忘返。

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这本书的哲学思辨性远超我的预期。它不仅仅是关于制作技艺的书籍，它更像是一本关于“专注”与“当下”的生存指南。作者多次强调，制作一个器物所需的长时间、重复性的劳动，实际上是一种对抗现代社会碎片化注意力的有效手段。他描述了匠人如何通过日复一日的打磨，将自己的心神完全沉浸于手中的动作，达到一种“物我两忘”的境界。这种描写极具感染力，让我感受到了那种纯粹的、不掺杂任何功利目的的劳动带来的内在满足感。我开始反思自己日常处理任务的方式，常常是急于求成，结果效率低下且充满焦虑。而这本书则像一剂清凉的药方，教导我们放慢速度，尊重过程，相信积累的力量。它没有给出明确的行动步骤，但它通过生动的案例和深刻的体悟，潜移默化地改变了读者的心境。语言风格上，它展现出一种深厚的文学底蕴，句子结构复杂而不晦涩，充满了对生命意义的探索与叩问，读起来有种回味悠长的韵味。

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这绝非一本平庸的“手工艺入门指南”，它更像是一部关于“时间哲学”的个人札记。我尤其欣赏作者对于失败与不完美的执着探讨。在追求极致完美的当下社会，我们往往习惯于过滤掉创作过程中的挫折和失误，只将最光洁的一面示人。但这本书却毫不避讳地记录了那些裂痕、那些烧制中的意外变色，以及为什么这些“瑕疵”反而赋予了器物独特的灵魂。特别是有一章专门讨论了“时间的痕迹”，作者认为，任何试图掩盖使用痕迹的行为都是对器物生命的一种扼杀。这种观点非常新颖，它挑战了我们对于“新”与“旧”、“完美”与“残缺”的传统认知。读完后，我开始用一种全新的眼光看待我家中那些老旧的物件，它们不再是需要被淘汰的物品，而是承载着无数故事的见证者。这本书的行文风格有一种老派的克制与优雅，用词精准，逻辑严密，但绝不冰冷，反而充满了对生命力的赞颂。它让我开始思考，我们究竟是在“创造”物品，还是在“引导”物品完成它本应有的形态。

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