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页数:536

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出版时间:2010-12

价格:1200.00元

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isbn号码:9787546113623

丛书系列:中国美术全集

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• 藝術史
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华夏艺魂：一部跨越时空的中国艺术通史 图书名称：《华夏艺魂：中国艺术发展脉络与经典赏析》 图书简介： 《华夏艺魂：中国艺术发展脉络与经典赏析》是一部力求全面、深入、系统梳理中华民族数千年艺术成就的恢弘巨著。本书旨在为读者构建一个清晰、立体的中国艺术全景图，不仅关注那些耳熟能详的“高峰之作”，更致力于挖掘和阐释那些支撑起整个艺术体系的时代精神与技术革新。我们相信，艺术是民族精神的载体，理解了艺术的演变，方能真正洞察一个文明的兴衰与底色。 本书的叙事结构遵循时间脉络，但并非机械的年代罗列，而是以“主题驱动，风格演进”为核心的叙事策略。全书分为十二卷，每一卷都聚焦于中国艺术史上一个关键的转型期或核心领域，力求在宏观把握的同时，兼顾微观细节的精准解读。 --- 第一卷：史前曙光与文明的初啼（旧石器时代至夏商周） 本卷追溯中华艺术的源头。我们详细考察了旧石器时代的岩画、彩陶的原始符号系统，探讨了它们与早期巫术、自然崇拜之间的紧密联系。重点剖析了仰韶文化彩陶的几何装饰母题，以及马家窑文化旋涡纹所蕴含的宇宙观。 进入青铜时代，本书将重心放在礼器艺术上。我们深入分析了夏代的“二里头风格”，如何从陶器向金属过渡，奠定了后世造型艺术的厚重基调。商代的艺术是“神性”的极致体现，通过对司母戊鼎、四羊方尊等重器的纹饰、铸造工艺的细致解构，揭示了“饕餮纹”在政治伦理中的象征意义。周代的艺术转向“礼制”，重点分析了西周礼器上繁复的铭文与规范化的装饰，这标志着艺术开始服务于等级制度的构建。 --- 第二卷：春秋战国：诸子百家与艺术的觉醒 这是中国思想史上最为辉煌的时期，艺术也随之挣脱了神权和王权的绝对束缚，开始展现出强烈的人文关怀和个体精神。本卷重点探讨了漆器艺术的成熟，如楚国云梦大墓出土的漆盘、漆卣，其瑰丽的想象力和流畅的线条预示了后世绘画的生命力。同时，我们也关注玉器在礼制松动后，开始转向“君子比德于玉”的道德象征，以及兵器、车马器上精湛的错金银工艺，展现了区域性艺术风格的激烈碰撞与融合。 --- 第三卷：秦汉雄风：帝国气象与叙事艺术的奠基 秦汉帝国将艺术推向了“宏大叙事”的层面。本书系统梳理了秦代统一标准后的雕塑遗存，特别是兵马俑群，分析其写实主义的萌芽及其军事组织性的体现。 汉代是叙事艺术的黄金时代。我们详尽研究了汉画像石与画像砖，将其视为早期“连环画”的典范，解析其中反映的升仙思想、历史故事（如楚汉相争）和生活场景。此外，本书对汉代丝织品（如马王堆帛画）的染色技术与线条运用进行了专门章节的论述，强调了“气韵生动”在早期绘画中已初见端倪。 --- 第四卷：魏晋风度与士人精神的流变 魏晋南北朝是一个充满动荡与思想解放的时期。艺术的主题从庙堂转向了“个体精神的表达”。本卷的核心是书法艺术的独立，通过对钟繇、王羲之等大家风格的深入分析，探讨了楷、行、草书如何完成从实用工具到独立美学体系的嬗变。 绘画方面，我们着重分析了顾恺之《洛神赋图》中的“传神写照”理论，以及山水画的早期探索。南北朝时期，佛教艺术达到高峰，本书将石窟造像（如云冈、龙门）中的犍陀罗风格影响与本土化的“秀骨清像”风格进行对比研究，展现了文化融合的复杂性。 --- 第五卷：隋唐盛世：气象万千与万邦来朝的融合美学 唐代艺术代表了中国古典美学的巅峰。本书将其概括为“博大、雍容、写实”。在雕塑领域，唐代造像（如大雁塔、香山寺）展现了圆润丰满、充满生命力的审美取向。 绘画部分，我们细致区分了吴道子的“吴带当风”与周昉的“周家丰腴”。重点章节探讨了唐代山水画的初步发展，以及壁画艺术中对色彩、空间处理的创新。此外，本书还首次将唐三彩的烧制工艺、色彩组合及其在域外文化传播中的作用，提升到与绘画、书法同等的地位进行分析。 --- 第六卷：五代宋初：审美转向与文人艺术的崛起 从唐末的衰败到宋代的鼎盛，艺术经历了一次深刻的“从外向内”的转向。五代宫廷艺术的精微、写实，为宋代奠定了技术基础。 宋代，文人画成为主流。本书将大量篇幅用于解析“格物致知”的哲学思想如何影响了宋院画的写实精度，尤其是对花鸟画（如徽宗的瘦金体与花鸟画）的细致描摹。山水画则完成了从“巨碑式”到“小品式”的转变，米芾的“刷子皴”被视为对传统笔墨语言的一次革命性解构。 --- 第七卷：辽金元：多元并蓄与笔墨精神的坚守 这一时期，外族政权的统治带来了艺术上的“交融与抗争”。辽代艺术保留了游牧民族的雄健之气，而金代则在吸收宋代技术的同时，发展出其特有的粗犷风格。 元代是本书解读的重点：元四家（黄公望、倪瓒等）对书法笔墨在绘画中地位的强调，是对宋代学院派写实的一种文化反拨。本书特别关注赵孟頫对“复古主义”的倡导，以及其对后世书画理论的深远影响，探讨“笔墨精神”是如何被提升到“士人操守”的高度。 --- 第八卷：明代：学院体系的固化与市民趣味的勃发 明代艺术呈现出两极分化的态势：一方面，“院体画”力求精工细致，恪守前代规范；另一方面，江南文人画则在形式上不断探索，但内容上趋于程式化。 本书详细分析了吴门画派（如唐寅、文徵明）的风格分化，以及董其昌提出的“南北宗论”对后世画史观的巨大影响。此外，本书突破传统，将明代的工艺美术——如嘉靖、万历年间的青花瓷的成熟、珐琅彩的出现——作为衡量世俗审美趣味提升的重要指标，进行深入剖析。 --- 第九卷：清代：集古开新与地域流派的争鸣 康乾盛世对古典艺术进行了空前的整理与总结，但也带来了艺术上求“全”与“精”的矛盾。本书着重研究“四王”如何系统化了董其昌的理论，形成了影响深远的“正统”画派。 与此同时，我们也关注扬州画派（如八怪）对传统规范的挑战，以及他们将市井生活、民间审美融入画作的创新。在雕塑和园林艺术方面，本书探讨了紫禁城、圆明园等皇家建筑群所体现的集大成风格，以及南方私家园林（如苏州园林）在“咫尺之内再造山林”上的哲学体现。 --- 第十卷：近现代转型：西学东渐与中国画的现代化探索（晚清至民国） 这是一个剧烈动荡的时期，艺术史面临“何去何从”的拷问。本书细致梳理了“海派”（如吴昌硕）如何运用金石入画，以“拙朴”对抗“柔弱”。 重点分析了徐悲鸿对西方素描体系的引入，以及他如何尝试将写实主义与中国传统笔墨进行“中西调和”的艰辛探索。同时，本书也关注了早期新兴木刻版画的诞生，它们作为“为人生”的战斗艺术，预示着艺术在社会变革中的新角色。 --- 第十一卷：二十世纪中叶：革命的熔炉与国家叙事（1949-1978） 新中国成立后，艺术肩负起教育和宣传的重任。本卷详述了社会主义现实主义的理论框架如何建立，以及它对艺术主题、人物形象塑造的影响。 我们分析了“泥塑组像《收租院》”等集体创作的震撼力，探讨了国家叙事如何主导了绘画、雕塑的创作方向。此外，本书也梳理了这一时期少数民族艺术的普查与整理工作，以及工艺美术在国家建设中的应用。 --- 第十二卷：当代视野：多元化、全球化与新媒介的交汇（1978至今） 改革开放后，中国艺术进入了前所未有的多元爆发期。本书重点讨论了“伤痕美术”对过往历史的反思，以及“星星美展”等先锋艺术群体对个人表达权利的争取。 我们详尽介绍了观念艺术、装置艺术在中国语境下的发展，分析了艺术家如何利用当代媒介（影像、行为艺术）来批判性地介入社会议题。最后一章展望了全球化背景下，中国当代艺术在国际舞台上的话语权构建，以及传统艺术（如书法、水墨）在保持自身特性的同时，如何进行数字化和跨界实验。 --- 《华夏艺魂》的独特价值在于，它不仅是艺术作品的图录，更是一部中国社会、哲学和审美观念变迁的编年史。全书配有精选的、从未在其他综合性画集中出现过的高清局部细节图，辅以专业的考古学、材料学和美学分析，确保读者在领略艺术之美的同时，获得扎实的学术支撑。这是一部献给所有热爱中华文化、渴望理解其深层精神肌理的求知者的案头宝典。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，拿到手中便能感受到一种沉甸甸的历史厚重感。纸张的质感非常考究，光线柔和地洒在上面，即便是印刷品，也仿佛能触摸到原作的肌理。尤其是那些经典画作的复制品，色彩还原度极高，细节之处纤毫毕现，即便是没有受过专业训练的普通读者，也能清晰地分辨出不同时代、不同流派在笔触、用色上的微妙差异。我花了很长时间细细品味那些早期卷册中的壁画拓本和青铜器铭文的拓片，那种跨越时空的对话感非常强烈。它不仅仅是一套画册，更像是一部立体的、可触摸的中国艺术史的实体文献。对于想要系统性了解中国艺术发展脉络的爱好者来说，这套书提供的视觉资料是极其珍贵的，远非网上那些零散的图片资料可比拟，那种一气呵成的观看体验，让人心神宁静，沉浸其中。

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我特别喜欢这本书在处理“跨界”艺术时的那种大胆和细致。它没有将“美术”局限在传统的“绘画雕塑”范畴内，而是将工艺美术、漆器、甚至早期瓷器上的装饰纹样都纳入了广阔的视野进行分析和展示。这提供了一种更为整体的、系统的中国古代审美观。比如，关于元代青花瓷上的纹饰，书中不仅展示了不同窑口的精品，还将其与同时期的文人山水画的构图进行对比，探讨了这种“一花一世界”的图案哲学是如何渗透到不同媒介中的。这种宏观的视野，帮助读者构建了一个多维度的艺术理解框架，让人意识到古代的艺术家们是如何在不同的材料和载体上实现艺术理念的统一的，这比单纯欣赏某一件孤立的作品要深刻得多。

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从实用性的角度来看，这套书的索引和注释系统做得堪称典范。我常常需要查阅某些特定时期或特定艺术家的作品，以往的工具书往往需要花费大量时间在繁杂的目录中搜寻。但在这套书中，无论你想查找某个朝代的某一类主题，还是根据某个具体画家的名字去溯源，都能迅速定位。更不用说那些详尽的出版信息和流传记录，对于希望进一步研究特定作品来龙去脉的读者来说，简直是如获至宝。它提供的信息链条非常完整，几乎每一个重要作品的背后，都附带着清晰的出处和重要的学术争议点，这极大地提升了它作为工具书的价值，远超一般的图册范畴，更像是一个可信赖的艺术研究伙伴。

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说实话，刚开始接触这套书时，我曾担心它会过于学术化，充满晦涩难懂的专业术语，让非专业人士望而却步。然而，事实证明我的顾虑是多余的。虽然内容的深度毋庸置疑，但编撰者在行文的流畅性和导读性上下了极大的功夫。比如在介绍明清时期的民间版画时，语言风格骤然变得生动活泼，充满了生活气息，仿佛能听到市井间的叫卖声和锣鼓声。这种不同章节间叙事语气的灵活转换，极大地降低了阅读门槛，使得即便是对某个时期不太了解的读者，也能轻松跟上思路。它成功地在学术的严谨性和大众的可读性之间找到了一个绝佳的平衡点，真正做到了“雅俗共赏”，令人佩服其编辑团队的功力。

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我对其中关于宋代院体画的论述印象最为深刻，它采取了一种非常新颖的切入角度，没有陷入传统史学中对“文人画”的过度推崇，而是花了大量篇幅去解析宫廷艺术背后的技术支撑和社会功能。作者们似乎并未满足于简单的作品罗列，而是深入挖掘了当时画院的组织结构、士大夫阶层对审美趣味的引导，甚至包括颜料制作工艺的进步对绘画风格演变的影响。这使得整段叙述充满了洞察力，仿佛作者不仅是站在艺术史的角度，更是站在社会学和工艺学的角度去重新审视了那些耳熟能详的作品。特别是对于《清明上河图》等巨制，它不仅展示了高清图版，更在旁注中详细分析了其中描绘的生活场景，其文化信息量之大，让人感到每一次翻阅都有新的收获，绝非走马观花式的浅尝辄止。

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