具体描述
作者简介:
沃纳?霍夫曼，西方著名的艺术史学家，1962年在维也纳成立20工纪美术馆，自任馆长至1969年；1969年至1970年任汉堡美术馆馆长，曾在多所美国大学讲学并担任客座教授。主要著作有：《符号与造型――二十世纪绘画艺术》、《现代艺术基础》《世俗乐园――十九世纪艺术》、《美杜莎魔力》等。本书译自其著作《二十世纪艺术的转折点》之英文版。
内容提要:
19世纪末20世纪初，艺术世界一下子变得纷乱无序，新艺术、野兽派、立体派、抽象艺术、行为艺术等诸多流派与手法竟波逐流，使传统艺术家及一般观
作者简介
沃纳・霍夫曼
1923年8月8日生于维也纳。他是西方世界著名的艺术史学家，1962年在维也纳成立20世纪美术馆，并自任馆长直到1969年；1969年到1970年任汉堡美术馆馆长，曾在多所美国大学讲学并担任客座教授。著作主要有：《符号与造型――二十世纪绘画艺术》（1957）、《现代艺术基础》（1966）、《世俗乐园――十九世纪艺术》（1960）、《二十世纪艺术的转折点》（1969）、《美杜莎魔力》（1987）、《1789的欧洲》。本书译自其著作《二十世纪艺术的转折点》之英文版。
目录信息
读后感
标题的“激变”用得非常准确。在历史上，艺术流派是“各领风骚数十年”，但很快是“十数年”；并且在地域上，有许多流派仅仅是地方性、国家性的。但这一切在一战前后完全不同了，大量的艺术派别潮流一齐登场，真如“百花齐放，百家争鸣”。同时在最文明最艺术的法国兴起的流派...
评分标题的“激变”用得非常准确。在历史上，艺术流派是“各领风骚数十年”，但很快是“十数年”；并且在地域上，有许多流派仅仅是地方性、国家性的。但这一切在一战前后完全不同了，大量的艺术派别潮流一齐登场，真如“百花齐放，百家争鸣”。同时在最文明最艺术的法国兴起的流派...
评分标题的“激变”用得非常准确。在历史上，艺术流派是“各领风骚数十年”，但很快是“十数年”；并且在地域上，有许多流派仅仅是地方性、国家性的。但这一切在一战前后完全不同了，大量的艺术派别潮流一齐登场，真如“百花齐放，百家争鸣”。同时在最文明最艺术的法国兴起的流派...
评分标题的“激变”用得非常准确。在历史上，艺术流派是“各领风骚数十年”，但很快是“十数年”；并且在地域上，有许多流派仅仅是地方性、国家性的。但这一切在一战前后完全不同了，大量的艺术派别潮流一齐登场，真如“百花齐放，百家争鸣”。同时在最文明最艺术的法国兴起的流派...
评分标题的“激变”用得非常准确。在历史上，艺术流派是“各领风骚数十年”，但很快是“十数年”；并且在地域上，有许多流派仅仅是地方性、国家性的。但这一切在一战前后完全不同了，大量的艺术派别潮流一齐登场，真如“百花齐放，百家争鸣”。同时在最文明最艺术的法国兴起的流派...
用户评价
《现代艺术的激变》这本书，给我最大的启示是，艺术的“激变”从来都不是孤立的，它与时代、与社会、与技术的发展息息相关。书里对影像艺术的出现和发展，让我看到了科技如何深刻地影响了艺术的形态和表达。从早期的电影，到后来的录像艺术，再到如今的数字艺术，艺术家们不断地利用新的媒介来探索新的视觉语言和叙事方式。我之前一直认为，艺术作品应该是静态的，但影像艺术的出现，让我看到了艺术的动态之美，看到了时间、空间、声音在艺术作品中的融合。书里对白南准的作品的描述，让我看到了他如何将电视这种大众媒介，转化为一种充满实验性的艺术形式，他用电视构建起了一座座充满想象力的“电视雕塑”。这让我意识到，艺术的边界是可以不断被拓展的，它可以融合各种不同的领域，也可以利用各种不同的媒介。这本书也让我思考，在当下这个被数字技术和影像信息包围的时代，我们如何去理解和创作艺术，如何去在海量的信息中找到真正的艺术价值。
评分这本《现代艺术的激变》简直是打开了我对艺术的全新认知大门。在此之前，我总觉得艺术就是那些挂在博物馆里，光鲜亮丽，离我生活很遥远的东西。但这本书，它用一种近乎颠覆性的视角，将我拉进了那个风起云涌的时代。我记得我第一次翻开它，就被扉页上的那幅画吸引住了，那种强烈的色彩冲击和扭曲的线条，让我感到既困惑又着迷。作者并没有像教科书那样枯燥地罗列艺术家的生平，而是巧妙地将艺术家的创作与当时的历史、社会、政治背景紧密结合。比如，在谈到表现主义时，我第一次真正理解了那些画家为何会选择如此激烈、甚至有些“丑陋”的笔触来表达内心的痛苦与呐喊。原来，那不仅仅是技法的选择，更是对那个时代工业化带来的异化、社会动荡以及个人精神危机的直接回应。书里对野兽派色彩的运用，让我感受到了前所未有的自由与奔放，仿佛看到了艺术家们挣脱束缚，尽情挥洒生命力的那一刻。立体主义的碎片化视角，更是让我开始重新审视我们看待世界的方式，原来我们习以为常的“真实”是可以被无限拆解和重构的。它让我明白，艺术从来都不是静止的，而是在不断地碰撞、融合、质疑中向前发展。这本书就像一把钥匙，为我解锁了一个充满活力和创造力的艺术世界，让我看到了艺术背后强大的生命力，以及艺术家们是如何用他们的作品，挑战陈规，引领潮流，塑造我们今天的审美观念。我迫不及待地想继续深入探索，去理解更多那些“激变”背后的故事和意义。
评分这本书《现代艺术的激变》，给我最直接的触动，就是它所展现出的那种颠覆与创新的力量。我一直以为艺术是需要精湛技艺的，但书里关于观念艺术的部分，彻底打破了我的认知。当艺术作品不再是“画”或者“雕塑”，而是一个想法、一个行为，甚至是一个过程时，我才真正理解了艺术的无限可能性。艺术家们不再满足于形式上的创新，而是开始挑战艺术的本质，挑战观众的思维定势。那些看似简单甚至“粗糙”的作品，可能蕴含着最深刻的哲学思考。书里对约瑟夫·博伊斯“社会雕塑”的解读，让我看到了艺术如何能够介入社会，影响社会，成为一种变革的力量。他认为，每个人都是艺术家，每个人都能够通过他们的行动来创造和改变世界。这种极具感染力的思想，让我对艺术的社会功能有了全新的认识。它不再仅仅是装饰品，也不仅仅是情感的宣泄，而是可以成为一种推动社会进步的动力。这本书让我看到了，真正的艺术，往往是敢于挑战现状，敢于提出疑问，敢于引领变革的。
评分读完《现代艺术的激变》，我才意识到，原来那些看似“古怪”的画作背后，隐藏着如此深厚的思想和情感。书中对达达主义的阐述，简直让我大开眼界。我一直觉得达达主义是一种“恶搞”艺术，充满了荒诞和无厘头，但作者通过对第一次世界大战背景的深入剖析，让我看到了达达主义的“破坏”背后，是对战争残酷、社会虚伪以及理性主义彻底幻灭的绝望呐喊。那些拼贴、现成品，不再是简单的挪用，而是艺术家们对既有价值体系的颠覆和反叛。书里对杜尚的《泉》的解读，更是让我印象深刻。我之前一直对这个“小便池”的艺术品感到不解，认为它简直是对艺术的侮辱。但作者让我看到了，这是一种多么大胆的哲学思考，它挑战了艺术的定义，艺术的原创性，以及艺术家的权威。艺术家不再是技艺的生产者，而是观念的提出者。这种观念上的转变，其影响力远远超过了任何形式上的创新。而超现实主义，更是将我的想象力带到了一个全新的境界。梦境、潜意识、非理性，这些元素被艺术家们巧妙地融入画作，创造出一种既熟悉又陌生的视觉体验。我开始意识到，艺术不仅仅是对现实世界的描摹，更是对人类内心深处的探索。这本书让我学会了用一种更开放、更包容的心态去欣赏艺术，去理解那些在当时被视为离经叛道的作品，是如何为后来的艺术发展奠定基础，甚至影响着我们今天的生活和思考方式。
评分《现代艺术的激变》这本书，带给我的阅读体验是非常“有层次”的。我从一开始对某些作品的陌生和困惑，到逐渐理解其背后的逻辑和意义，再到最后被那种大胆的创新精神所折服。书里对后现代艺术的探讨，让我看到了艺术在经历了各种“主义”的洗礼后，是如何走向一种更加多元、更加碎片化的状态。拼贴、挪用、解构，这些手法在后现代艺术中被广泛运用，它打破了传统的叙事方式，模糊了艺术的边界，也挑战了观众的固有认知。我之前一直觉得艺术应该是“完整”的，但后现代艺术让我看到了“不完整”和“碎片化”本身也可以是一种艺术表达。它鼓励观众参与到作品的解读中来，让每个人都能在碎片中找到属于自己的意义。这本书也让我意识到，艺术的“激变”并非一蹴而就，它是一个漫长而复杂的过程，是无数艺术家在不断尝试、不断探索、不断碰撞中积累的结果。它让我对艺术史有了更宏观的认识，看到了艺术发展过程中那种“承前启后”的内在联系。
评分这本书《现代艺术的激变》让我对“激变”这两个字有了更深刻的理解。它不仅仅是指一种形式上的改变，更是指一种观念上的颠覆，一种思维方式的重塑。我之前一直认为，艺术的意义在于其精湛的技艺和完美的呈现，但这本书让我看到了，有时候，一个大胆的想法，一个具有颠覆性的行为，甚至是一个对现有规则的挑战，本身就可以成为伟大的艺术。书里对装置艺术的介绍，让我看到了艺术家们是如何将三维空间变成他们的画布，如何利用现有的物品、空间、甚至观众的互动来创造一种全新的艺术体验。那些大型的、沉浸式的装置作品，不仅仅是视觉的享受，更是对我们感官的全方位调动，它让我们重新审视我们与所处环境的关系，以及我们自身在空间中的存在。它让我明白了，艺术的边界是无限的，它可以突破画框，走出展厅，进入我们的生活，成为我们体验世界的一部分。这本书让我看到了，那些“激变”的艺术家们，他们用他们的才华和勇气，不断地拓展着艺术的疆界，也让我们看到了艺术的生命力是多么的顽强和不屈。
评分读完《现代艺术的激变》，我最大的感触是，原来艺术的“激变”并非都是为了追求“新奇”，很多时候是为了更深入地挖掘人性和情感。书里对表现主义绘画的细腻分析，让我看到了艺术家们是如何用扭曲的形象、浓烈的色彩来表达内心的恐惧、焦虑和孤独。那些画面中扑面而来的情感冲击，让我感同身受，也让我开始思考，在看似平静的生活表面下，我们是否也隐藏着同样深刻的情感。它让我明白了，艺术的价值不仅仅在于其形式的美感，更在于其是否能够触及观者内心深处的情感共鸣。这本书也让我认识到，艺术家并非总是顺应时代潮流，有些艺术家恰恰是在时代洪流中，用他们的作品来抵抗、来反思，来表达一种独立的精神。这种不随波逐流的勇气，以及对个体精神世界的深度探索，正是艺术最宝贵的地方。它让我看到了，艺术不仅是时代的反映，更是对时代的一种深刻的介入和批判。
评分《现代艺术的激变》这本书，带给我的是一种思维上的“震荡”。它不像我之前读过的那些艺术史书，只是简单地介绍流派和作品，而是真正地挖掘了那些“激变”发生的内在逻辑和深刻原因。书里对抽象表现主义的描述，让我彻底颠覆了对“画画”的刻板印象。我一直认为，画画就是要画出看得见的形象，但抽象表现主义艺术家们，他们用色彩、线条、笔触来表达情绪、理念，甚至是生命本身的能量。波洛克的“滴画”，在我眼中不再是随意泼洒的颜料，而是艺术家身体与画布、与颜料之间一种充满仪式感的互动，是他内心挣扎与释放的具象化。罗斯科的色块，那种静谧、深邃的氛围，让我仿佛置身于一个巨大的精神空间，与艺术家进行着一种无声的对话。这本书让我明白了，艺术的表达方式是无限的，不仅仅局限于具象。它也让我思考，在信息爆炸、节奏飞快的现代社会，我们是否也需要一种更直接、更纯粹的艺术形式来触及我们内心最深处的情感。这本书不仅仅是关于艺术史，更是关于一种看待世界、理解人生的视角。它鼓励我去质疑，去探索，去发现那些隐藏在表象之下的本质。
评分阅读《现代艺术的激变》，我最大的感受就是，艺术史原来不是一条笔直的河流，而是一片充满暗流、漩涡和激流的海洋。书里对极简主义的解读，让我看到了艺术的“减法”哲学。在那个追求繁复、炫技的时代，艺术家们选择了最纯粹的几何形体、最简单的色彩，甚至是工业化的材料。这让我不禁思考，当物质极大丰富的时候，我们是否会开始渴望简约和纯粹？那些巨大的、单一的色块，看似冷漠，却蕴含着一种强大的力量，它迫使观者去面对最根本的视觉体验，去感受材料本身的质感，去思考空间与形体的关系。这本书让我明白，艺术的“激变”并非总是轰轰烈烈，有时也是一种悄无声息的转向，一种对过度表达的反思。它也让我意识到，艺术的发展往往是对前一阶段的反叛和超越。极简主义的出现，正是对抽象表现主义那种过度情感化的回应。这种螺旋式的发展，充满了辩证的逻辑。读完这本书，我开始更加关注艺术的“概念”层面，思考艺术家们为何会做出这样的选择，他们的作品想要传达的是一种怎样的观念。
评分《现代艺术的激变》这本书，让我对“现代”这个词有了更深刻的理解。我之前总觉得现代艺术离我太遥远，太抽象，但这本书却让我看到了现代艺术是如何一步步从对现实的描摹转向对内在世界的探索，以及艺术家们是如何用他们的作品来回应时代变迁的。书里对波普艺术的描述，让我看到了艺术如何从“高高在上”的神坛走入寻常百姓家。安迪·沃霍尔的丝网印刷，将大众文化中的图像，如可口可乐瓶、玛丽莲·梦露，以一种重复、复制的方式呈现出来。这让我看到了艺术的民主化趋势，以及艺术家们如何模糊艺术与生活的界限。这不再是为少数精英创作的作品，而是与大众生活息息相关。这种对消费文化、大众媒体的挪用和反思，让我看到了艺术的社会批判性。它让我意识到，艺术家不仅仅是创造者，更是时代的观察者和记录者。这本书也让我对“原创性”这个概念产生了新的思考。当艺术家可以自由地挪用、拼贴、复制现有的图像时，什么才是真正的艺术？这种思考，让我对艺术的边界和可能性有了更广阔的想象。
评分黑色的封面白色的字 书叶很容易划到手指
评分学术。
评分科普书
评分书是好书，翻译是一坨屎！
评分12/07/19 细致分析了的9世纪末，西方艺术的激烈变化，其所包含的哲学思想与社会背景。
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