具体描述
作者简介
约翰·伯格（John Berger），英国艺术史家，小说家，画家。1926年出生于伦敦。1946年从军队退径后进入Central School of Art Chelsea School of Art学习。1948年至1955年以教授绘画为业，曾举办个人画展1952年，他开始为伦敦New Statesman杂志撰稿，并迅速成为英国当代最有影响力的艺术批评家。此后他更有多部艺术专著问世，如《观看之道》、《看》、《另一种讲述的方式》等，他亦写小说，名篇G.（1972）获英国布克奖及詹姆斯·泰特·布莱克纪念奖。
最近20年间，伯格一直生活在阿尔插斯山脚下的一个法国小村庄中，濒临消亡的传统山区生活方式令他着迷，并反映在他的作品中。
目录信息
读后感
观看先于言语。似乎是常识，却常常为人所忽视。事实上，新千年以来的迅猛变化，人们被越来越多的影像包围，早已对此毫不陌生习以为常，犹如平静的水面。偶尔，这水面会被投入一颗石子，才泛起一两丝涟漪。 最新的石子是一副画。11月，美国艺术家Robert Ryman的绘画作品《无题...
评分观看为何？ 对于进入机械复制时代之后的人类，这成为一个难以直面的问题。 工业革命带来的摄影技术进步，使得旧时代影像的绝对性与唯一性被彻底颠覆，艺术作品亦远离贵族垄断，走下神坛，逐渐被普罗大众频繁地通俗使用。早在19世纪，被称为“欧洲最后一位知识分子”...
评分三周以前，去人艺看话剧。演出结束后，到大厅旁边的戏剧书店闲逛，无意中发现了这本小册子一样的书，翻了几页，就被深深吸引住了。 这本书英文名称为《Ways of Seeing》，作者John Berger是英国的艺术史家、小说家和画家。书的封底这样介绍：“这本谈论艺术与社会关系的小册子...
评分这本约翰·伯格（John Berger）的《观看之道》字数不多，区区的一百七十多页，却夹杂着大量用以解释说明的图片。可想而知，既然讲述的是欣赏艺术之道，旁边如果不附以范图作为参考与佐证，也说不过去。这本书我是与《抵抗的群体》差不多同步看完的。后者更主要从艺术家背景...
评分这本约翰·伯格（John Berger）的《观看之道》字数不多，区区的一百七十多页，却夹杂着大量用以解释说明的图片。可想而知，既然讲述的是欣赏艺术之道，旁边如果不附以范图作为参考与佐证，也说不过去。这本书我是与《抵抗的群体》差不多同步看完的。后者更主要从艺术家背景...
用户评价
《视觉艺术鉴赏》这本书，真的让我重新认识了“构图”这个概念。我之前总以为好的构图就是“画面平衡”、“比例协调”，但这本书却让我看到了构图的无穷可能性和其背后隐藏的强大力量。它通过分析不同时代、不同流派的艺术作品，展示了各种构图手法是如何影响观众的视觉引导、情感体验，甚至是理解作品的主题。比如，书中对黄金分割和三分法的详细介绍，让我理解了为什么一些画面会显得格外和谐、自然，而另一些画面则会通过打破常规的构图来制造视觉冲击力和戏剧性。我记得对一些中国山水画的解读，让我看到了留白艺术的神奇之处，它不仅仅是“没有画”的部分，而是包含了无限的想象空间和意境。同样，对一些现代艺术作品中不对称构图的分析，让我看到了艺术家如何通过打破平衡来制造动感和张力。这种对构图的深入学习，让我能够更加敏锐地捕捉到画面中线条、形状、色彩是如何被巧妙地组织起来，引导我的视线，并最终影响我的感受。
评分这本书的内容对我来说，与其说是一本“鉴赏”指南，不如说是一次“艺术启蒙”。我一直以为艺术是少数“懂行”的人才能欣赏的“阳春白雪”，而普通人只能是“看个热闹”。但《视觉艺术鉴赏》却用非常接地气的方式，将复杂的艺术理论和历史知识变得易于理解和接受。它没有使用过于专业和晦涩的术语，而是通过大量的图例和生动的语言，将艺术的魅力展现在我面前。我记得书中对不同雕塑材质的讲解，让我明白了为什么石材雕塑会给人一种庄重、永恒的感觉，而青铜雕塑则更显力量和动态。它还通过对比分析，让我看到了不同文化背景下，人们对“美”的理解是多么的多样化。从古埃及壁画的平面化表现，到古希腊雕塑的写实主义，再到日本浮世绘的平面色彩和独特视角，这本书带我进行了一场跨越时空和文化的视觉之旅。我不再觉得艺术是遥不可及的，而是触手可及的，是属于我们每个人都可以去感受和理解的。这种“艺术大众化”的理念，让我对艺术产生了前所未有的亲近感。
评分阅读《视觉艺术鉴赏》的过程，就像是获得了一本“艺术密码解读器”。我曾经站在许多名画前，只能看到一堆色彩和形状的组合，完全摸不着头脑，不知道作者想要表达什么，也不知道这幅画为何会被奉为经典。这本书就像一个经验丰富的向导，耐心地为我一一揭开了这些“谜底”。它不仅仅介绍了各种艺术流派的风格特点，更重要的是，它深入剖析了艺术作品的构图、色彩、光影、材质等视觉元素是如何被艺术家用来传达思想、情感和意境的。我记得书中对莫奈《日出·印象》的讲解，让我第一次真正理解了“印象派”这个词的含义，不再是简单的“模糊的笔触”，而是艺术家对瞬间光影变化的捕捉，以及色彩本身所能引发的视觉和情感体验。它让我看到了画面中水面的粼粼波光，日出时微妙的色彩过渡，以及空气中弥漫的朦胧感，这些细节在之前我都是完全忽视的。通过对不同作品的细致讲解，我学会了如何去分析一幅画的“骨架”（构图），如何去理解“灵魂”（色彩与光影），以及艺术家选择的“皮肤”（材质）所带来的不同感受。这种系统性的学习，让我对视觉艺术的理解从“看到”上升到了“读懂”，仿佛拥有了一双能看透表象、直达艺术核心的慧眼。
评分这本书真正改变了我与艺术互动的方式。过去，我可能只会在美术馆里匆匆浏览，被那些大名鼎鼎的作品吸引，但往往看完后依然是一知半解，甚至觉得有些作品“太过抽象”，无法欣赏。而《视觉艺术鉴赏》则像是一个循循善诱的老师，它引导我从更宏观的角度去理解艺术史的发展脉络，以及不同时代、不同文化背景下的艺术是如何相互影响、相互演变的。它让我明白，艺术不是孤立存在的，而是与历史、社会、哲学、宗教等诸多因素紧密相连的。比如，书中在介绍古希腊雕塑时，不仅仅描述了其精美的技艺和对人体比例的完美追求，还深入探讨了古希腊人对理想美的追求以及其哲学思想在艺术中的体现。这种将艺术作品置于更广阔的历史文化背景下进行解读的方式，让我对那些作品有了更深刻的理解和敬意。我不再仅仅把它们当作静态的“物件”，而是看作是人类文明发展过程中留下的宝贵印记，是先人们思想和情感的载体。这种宏观视角让我对艺术的整体感知发生了质的飞跃，也激发了我进一步探索艺术背后故事的兴趣。
评分《视觉艺术鉴赏》给我带来的最大改变，是让我开始主动地去“参与”到艺术的欣赏过程中，而不是仅仅被动地接受。我记得书中关于“形式分析”的部分，它教我如何识别画面中的线条、形状、色彩、空间等基本构成元素，以及它们是如何组合在一起，产生特定的视觉效果和情感体验的。这让我意识到，欣赏艺术并不是一件“看天分”的事情，而是可以通过学习掌握的技能。比如，在学习了色彩理论后，我再看梵高的作品，就不再仅仅是被他浓烈的色彩所震惊，而是能体会到他如何运用色彩来表达内心的热情和痛苦，他如何通过对比色来增强画面的视觉冲击力。同样，对构图的理解，让我明白为何某些画面会显得和谐稳定，而另一些画面则充满动感和张力。这种分析方法让我能够拆解和理解艺术作品的内在逻辑，从而更深入地领会艺术家的创作意图。我开始尝试在看画时，主动地去“问”自己问题：艺术家在这里用了什么样的线条？为什么是这个颜色？这个形状在画面中起到了什么作用？这种主动的思考和探索，让我的每一次观画体验都变得更加充实和有意义。
评分《视觉艺术鉴赏》这本书，就像是一扇窗户，为我打开了一个全新的视觉世界。我之前对艺术的认知，就像是隔着一层毛玻璃，模糊不清，难以辨认。而这本书，却用清晰、透彻的语言，为我一一拨开了迷雾。我最喜欢的部分是关于不同艺术媒介的介绍，它不仅描述了油画、水彩、版画、摄影等媒材的特性，还深入探讨了艺术家如何根据不同的媒材特点，选择最适合表达其思想和情感的方式。比如，在分析一幅印象派油画时，它解释了油画颜料的厚重感和可塑性，如何让艺术家捕捉到光线的瞬息万变，以及笔触的肌理感如何增强画面的生命力。而对于摄影作品，它则强调了构图、光线和瞬间的捕捉，如何塑造出独特的视觉叙事。这种对不同艺术形式的细致解读，让我对各种艺术作品的理解更加全面和深入。我开始意识到，艺术的美，不仅仅在于其主题或内容，更在于艺术家在选择和运用媒材时所展现出的智慧和创造力。这种对“如何”制作出艺术品的关注，让我对艺术的欣赏上升到了一个新的维度。
评分这本书带给我的，是一种全新的“观看”的视角。我过去看艺术作品，往往是带着一种“欣赏”的目的，希望从中获得美的享受。而《视觉艺术鉴赏》则告诉我，艺术的价值远不止于此。它是一种表达，一种思考，一种记录，甚至是一种挑战。书中对一些具有社会批判意义的艺术作品的分析，让我看到了艺术家如何用他们的作品来反映社会问题，表达人文关怀，甚至是对权威的质疑。我记得其中关于达达主义和超现实主义的一些讲解，这些作品在当时看来是多么的“离经叛道”，但它们却以一种颠覆性的方式，挑战了传统的艺术观念，拓展了艺术的边界。它让我明白，艺术不应该只歌颂美好，也可以揭示丑陋，不应该只顺从规则，也可以打破规则。这种对艺术“力量”的认知，让我对那些具有思想深度和批判精神的作品产生了浓厚的兴趣。我开始更加关注作品背后所蕴含的社会意义和人文价值，而不仅仅是停留在视觉层面的判断。
评分一直以来，我对艺术的理解都停留在“好看”和“不好看”的层面，像是一个对浩瀚宇宙只有模糊印象的观星者，知道有星星，却看不清它们的形状和故事。直到偶然翻开《视觉艺术鉴赏》，我的世界仿佛被注入了色彩和深度。这本书不是那种枯燥乏味的理论堆砌，而是以一种非常亲切、引人入胜的方式，引导我去“看”，去“感受”。它教会我的第一件事，是如何真正地观察一幅画。我以前看画，往往只注意到画面的主体，比如人物的表情、风景的构图，却忽略了背景的细节、色彩的微妙变化，甚至艺术家用笔的力度和轨迹。这本书用大量的实例，从文艺复兴时期的写实主义到印象派的光影变幻，再到抽象表现主义的自由挥洒，为我一一剖析了不同时代、不同流派的视觉语言。它让我明白，艺术家的每一笔，每一个色彩的选择，都不是偶然，而是承载着某种意图和情感。比如，在分析一幅巴洛克时期的宗教画时，它不仅讲了画面的戏剧性张力，还深入探讨了宗教背景如何影响了艺术家的创作，以及画面中光影的运用如何烘托出人物的神圣感和情感的深度。我开始尝试在欣赏画作时，放慢速度，去捕捉那些之前被我忽略的细节，去感受艺术家想要传达的“情绪”。这种观赏方式的转变，让我觉得看画不再是单向的接收，而是一种双向的交流，我仿佛能听到画作在诉说着它的故事。
评分这本书带来的，是一种深刻的“语境化”的理解。我过去看艺术作品，往往是孤立地去看待，觉得这幅画就是这幅画，那尊雕塑就是那尊雕塑。但《视觉艺术鉴赏》却让我明白，每一件艺术作品都诞生于特定的历史、文化和社会语境之中，理解了这些语境，才能真正读懂作品的意义。它不仅仅介绍了艺术流派和风格，更重要的是，它将艺术作品与当时的社会思潮、政治事件、宗教信仰、科学发展等紧密联系起来。比如，在介绍文艺复兴时期的作品时，它详细讲述了人文主义思想的兴起，对古典文化的复兴，以及当时的教会和贵族对艺术赞助的影响，这一切都为理解那些宏伟的宗教画和肖像画提供了坚实的基础。又比如，在谈论20世纪的艺术时，它则会提及两次世界大战、工业革命、科技进步等对艺术家创作理念的巨大冲击。这种宏观的历史视角，让我不再将艺术作品视为孤立的个体，而是看作是人类文明长河中的一部分，是那个时代、那个社会留下的独特印记。
评分《视觉艺术鉴赏》对我最大的冲击，在于它打破了我对“美”的刻板印象。我之前总是认为艺术应该是“赏心悦目”的，那些描绘优美风景、俊男靓女的作品才是好作品。但这本书却向我展示了艺术的另一面——它也可以是尖锐的、挑战性的，甚至是令人不安的。它毫不避讳地探讨了那些带有社会批判、政治隐喻，甚至是表达个人痛苦的作品。我记得其中有一章是关于20世纪的现代艺术，特别是那些表现战争、工业化带来的疏离感以及个体存在的焦虑的作品。我之前对这些作品感到困惑，觉得它们“丑陋”或者“难以理解”，但通过这本书的解读，我才逐渐领悟到，艺术家的创作意图往往不是为了迎合大众的审美，而是为了表达他们所处的时代和社会的真实面貌，甚至是艺术家内心的真实感受。比如，书中对表现主义的一些作品的分析，让我看到了艺术家如何用扭曲的线条和饱和的色彩来宣泄内心的痛苦和恐惧，这种表达虽然不“美”，却极具震撼力。它让我明白，艺术的价值并不仅仅在于视觉上的愉悦，更在于它能够引发思考，触及我们内心深处的情感，甚至是对现实世界的深刻洞察。这种理解让我对艺术的包容度大大提升，也更愿意去接触和理解那些“不那么美”的作品，因为我知道，它们背后可能蕴藏着更深邃的思想和更真挚的情感。
评分果然高深啊……最后一章关于广告的理论值得一看
评分人们总爱好感觉，在诸感觉中，尤重视觉。 而语言不能解释看。
评分“影像是重造或复制的景观。这是一种表象或一整套表象，已脱离了当初出现并得以保存的时间和空间，其保存时间从瞬息间至数百年不等。”无论是消灭细节的复制品的照片，还是始终处于男性视野下的女体裸像，还是静谧和冷凝的油画，还是借怀旧为口实制造梦幻刺激消费的广告。。。约翰伯杰分析了多种影像，它们怎样和文化历史，大众心理联系起来，因而性格鲜明。是我们在看它们，还是它们在注视观看者？亚里士多德的《形而上学》开头的古老句子至今仍不失魅力：即使并无实用，人们总爱好感觉，而在诸感觉中，尤重视觉。
评分果然高深啊……最后一章关于广告的理论值得一看
评分电子书，图片走样影响阅读。粗读。
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