中国盆景――造型艺术分析 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:同济大学出版社

作者:赵庆泉

出品人:

页数:139

译者:

出版时间:1995-04

价格:12.00

装帧:平装

isbn号码:9787560803548

丛书系列:

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《中国古代园林建筑研究》 图书简介 本书旨在系统深入地探讨中国古代园林建筑的发展脉络、审美特征、技术成就及其背后的文化意蕴。不同于侧重于具体植物配置或单一艺术形式的著作，《中国古代园林建筑研究》将园林视为一个复杂的、多维度的综合艺术体，重点剖析了园林中的建筑实体——亭、台、楼、阁、廊、榭、桥等——在空间布局、形制演变、材料运用、装饰艺术以及功能服务上所体现出的独特“中国式”智慧。 第一部分：理论基础与历史溯源 本部分首先确立了研究的理论框架，即如何从建筑学、美学、社会学等多个角度去理解“园林”这一特殊的人造景观。我们将探讨古代文人墨客对“天人合一”思想在园林中的物化追求，以及礼制、宗教（如佛教、道教）对园林空间序列和象征意义的影响。 历史追溯部分将详尽梳理中国古代园林建筑的源头。从新石器时代遗址中初现的聚落规划痕迹，到夏商周三代模拟自然、象征王权的“囿”与“囿苑”；重点分析秦汉时期的宫苑（如阿房宫、未央宫）奠定了宏大叙事的基调，并探讨了魏晋南北朝时期园林从小到大、从公共到私密的思想转向，为后世私家园林的精巧布局埋下了伏笔。 第二部分：园林建筑的类型学与空间构成 本章是本书的核心，旨在建立一套清晰的中国古代园林建筑分类体系。我们摒弃了简单的功能分类法，而采用“空间序列与感知转换”的方法进行归纳： 1. “隐”与“显”的对照空间： 深入分析“障景”、“借景”的建筑手法。如屏风墙、花洞门、漏窗（月洞门）在构建视线引导、制造空间层次上的建筑学意义。这些构筑物并非简单的分隔物，而是主动介入观者感知的媒介。 2. 观景主体建筑的精研： 亭（Pavilion）： 亭是园林中点睛之笔。本书将分析不同等级和形制的亭——方形、圆形、六角、八角乃至不规则多边形亭——如何根据所处地形（山顶、水边、路口）来确定其结构比例和开敞度。特别关注“亭”在哲学上象征的“停顿”与“观照”。 台（Terrace）： 分析台基的叠砌技术与体量感，研究台如何作为连接水平与垂直空间的重要构件，是俯瞰全园的核心平台。 楼阁（Tower and Loft）： 探讨楼阁的层高、出檐深度与梁架结构如何反映等级制度，并研究其作为远眺与藏书、宴饮的功能复合性。 3. 交通与过渡空间： 廊、榭、舫的建筑形态研究。廊道如何被设计成一条“流动的画卷”，其间的花窗图案与建筑开向的变化如何控制节奏。水榭和舫的架空结构如何实现“可游”与“可居”的结合，使建筑本身成为景观的一部分。 第三部分：材料、工艺与审美取向 园林建筑的“拙”与“雅”，很大程度上体现在材料的选择和构造的工艺上。 木构架的地域性差异： 考察不同地域（如徽派的马头墙与苏派的白墙黛瓦）在地方气候和材料限制下的结构差异，分析斗拱、榫卯等结构体系在园林建筑中的简化与装饰化倾向。 石材的运用艺术： 重点剖析太湖石、黄石等假山石材的“人工化处理”过程，以及石桥、石栏杆的雕刻纹饰所承载的文化符号学意义。 色彩与光影的哲学： 探讨中国园林建筑为何倾向于低饱和度的色彩（灰、白、黑、原木色），以及这种色彩选择如何最大限度地突出自然景物的色彩，并利用屋檐、窗棂的组合来控制室内外的光影变化，营造“空濛”的意境。 第四部分：明清园林建筑的集大成与地域风格 明清时期，私家园林发展至巅峰，地域风格也趋于成熟和定型。 江南园林的精细化表达： 以苏州园林（拙政园、留园等）为例，分析其“咫尺之内再造山林”的建筑策略。研究其对尺度感的极致控制，以及室内外空间的模糊处理，使建筑服务于诗意的居住体验。 北方园林的规制与气势： 考察皇家园林（如颐和园、承德避暑山庄）在处理宏大体量时，如何通过中轴线、对称布局来体现皇权，同时又在局部游览区域引入江南手法以平衡严肃感。 园林建筑在文学与艺术中的投射： 结合古代诗词、笔记、绘画（如《山水十六观》），反向印证特定建筑类型在当时社会文化中的地位和审美价值。 结论 《中国古代园林建筑研究》试图揭示，中国古代的园林建筑并非简单的功能性建筑的堆砌，而是一个高度成熟的建筑哲学表达。它通过对有限空间内人造物的精心布局，实现了对“理想化自然”的摹写与对“内省式生活”的承载，是中国建筑艺术中最为独特和富有生命力的篇章。本书的深入分析，旨在为当代建筑设计提供深厚的文化滋养与结构启示。

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这本书在结构编排上体现了极高的专业水准，它并非完全按照树种来分类，而是从造型的哲学基础入手，层层递进。从最初的“雏形培养”到最后的“点睛之笔”——比如如何根据盆的颜色和材质来衬托树的主体色调和形态，每一步都有明确的理论支撑和实践案例作为佐证。令我印象深刻的是对“借景”和“框景”理念的详尽解析，这超越了单纯的园艺范畴，直接进入了空间美学和视觉心理学的领域。作者深入分析了盆景作为三维立体雕塑，在不同观赏角度下，如何通过巧妙的留白和必要的遮挡，来引导观者的视线，最终达到“咫尺之内再造山林”的境界。这种对空间布局的精确把控能力，即使对于有多年经验的爱好者来说，也能提供许多启发性的思路，让大家意识到，很多时候，少即是多，正确的“不作为”才是最高的造型艺术。

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这本书的文字风格有一种独特的沉稳与内敛，如同它所描绘的那些经过数十年精心雕琢的古桩一般，耐人寻味。它不像市面上很多快餐式的教程那样急于展示最终的惊艳效果，而是花费了大量的篇幅去探讨“慢”的价值。作者对“衰老感”的表达尤为到位，如何通过对主干的刻意做旧、根部的盘扎、以及特定部位的舍弃，来营造一种历经沧桑却依然坚韧的生命哲学，读来令人动容。更让我惊叹的是，书中对于不同树种（比如松、柏、杜鹃）的个性化造型策略进行了区分探讨。作者深知，不同的木质和生长习性决定了其最适合展现的艺术面貌，强行套用一种标准化的造型模板是对艺术的扼杀。这种尊重自然、顺应天性的创作理念，贯穿全书，使得这部作品不仅仅是造型分析，更像是一部关于如何与自然物共生的美学宣言。

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说实话，我原本以为这会是一本比较枯燥的学术著作，充满了术语和僵硬的线条图解，但出乎意料的是，作者的文字功底非常扎实，叙事流畅，将那些复杂的造型原理娓娓道来，读起来颇有韵味。特别是关于“动与静的平衡”那一章节，作者用了一种近乎诗意的语言，描绘了虬枝的张扬与根系的沉稳之间那种微妙的张力，仿佛能听到风吹过松针的声音。书中对盆景创作中“时间感”的探讨尤其深刻，它不是简单地教你如何修剪，而是告诉你如何通过造型设计，让观者感受到这棵树已经走过了百年风霜，但又在下一秒即将迸发出新的力量。这种对生命历程的捕捉和艺术化的呈现，让人对盆景艺术产生了更深层次的敬畏。我尤其喜欢书中穿插的一些历史典故和文人轶事，它们为冰冷的造型技巧增添了人性化的温度，让读者明白，每一件成功的作品，背后都凝聚着创作者的人生感悟和对自然的谦卑。

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这本关于中国盆景造型艺术的著作，着实让我眼前一亮，它不仅仅是一本图册，更像是一部深入浅出的理论指南。作者对于盆景艺术的理解，绝非停留在表面的“美观”，而是挖掘到了其背后深厚的文化底蕴和严谨的造型法则。我尤其欣赏其中对于“意境”的阐述，是如何通过树木的姿态、根系的盘虬、乃至配石的选择，将大自然的鬼斧神工浓缩于方寸之间。书中对不同流派如岭南派、川派、苏派在造型手法上的细微差异，进行了非常详尽的对比分析，让人不禁感叹，原来看似相似的松柏造型，在不同地域的文人心中，承载了如此迥异的情感和哲学思考。阅读过程中，我常常需要停下来，反复揣摩那些精妙的图片，试图理解造型师是如何在有限的空间内，通过“舍”与“得”的辩证关系，来塑造出仿佛历经沧桑却又生机勃勃的生命体。这种对细节的苛求和对整体气韵的把握，使得这本书的价值远超一般技法书的范畴，它引导读者去“看”盆景，去“读”盆景，而非仅仅是“欣赏”盆景。

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读完这本《中国盆景——造型艺术分析》，我最大的感受是它成功地将一项传统技艺“现代化”和“理论化”了。作者没有沉溺于对古代大师作品的盲目歌颂，而是运用了现代设计学的视角，去解构和分析那些经典造型的内在逻辑。比如书中对于“黄金分割”在枝干布局中的应用，以及如何通过不同层次的“负空间”来增强作品的立体感和呼吸感，这些分析都非常到位且具有可操作性。这本书的好处在于，它不只是告诉你“应该这样做”，更重要的是解释了“为什么这样做会更有效”。它为我们提供了一个分析和评价盆景作品的清晰框架，使得原本可能感觉有些玄妙的艺术判断，变得可以量化、可以讨论。对于希望将盆景提升到更高创作层面的实践者来说，这本著作无疑是提供了一把解开造型谜团的钥匙，非常具有指导意义。

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