具体描述
作者简介
作者：（美国）克雷格•莱特 （Craig Wright）
克雷格•莱特 （Craig Wright），1966年获伊斯曼音乐学校音乐学士，1972年获哈佛大学哲学博士，耶鲁大学音乐系教授，在该校任教已三十余年。他写有大量的学术专著和文章，内容涉及从雷奥南到巴赫的许多作曲家。他也是很多奖项的得主，包括古根海姆奖学金，美国音乐学协会的“爱因斯坦和金科迪奖”，以及国际音乐学协会的登特勋章。2004年，他被授予芝加哥大学人文学科名誉博士学位。他还与布莱因•希姆斯合著了《西方文明中的音乐》一书（汤姆森•希尔默出版公司，2006）。
目录信息
读后感
价格有点高，封面设计和书名都不错，三联出的书，应该不会太差，有时间找来看看。书本涉及到哪些内容呢，想象当中。。。我就像冒个泡啊，怎么还要写那么多字。。。。。。。。是要50个字以上吗？高不懂啊？。。难道要我抄吗？我喜欢古典音乐，喜欢轻音乐，常听的是班得瑞的曲子...
评分价格有点高，封面设计和书名都不错，三联出的书，应该不会太差，有时间找来看看。书本涉及到哪些内容呢，想象当中。。。我就像冒个泡啊，怎么还要写那么多字。。。。。。。。是要50个字以上吗？高不懂啊？。。难道要我抄吗？我喜欢古典音乐，喜欢轻音乐，常听的是班得瑞的曲子...
评分我是一个音乐造诣及其低下的人，不认识曲谱，五音不全，去KTV里面唱歌，大部分都不会，小部分会唱高潮，然后还有那么两三首可以完整唱下来。 小学的时候学了两天竖笛，已经是个人音乐学习水平的顶峰了，初中以前会听一些西亚那边各类斯坦的音乐，这种不走寻常路的...
评分看书宣言： 有人在看到美景时只能说句：“卧槽，真美！有云，有水，还有鸟~”而有人却可以吟出“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”的佳句，给美景以诗意，给感动以升华，。做一个有品的音乐鉴赏者！ 总结： 用心灵（身体/直觉）感知音乐（艺术），用头脑去分析技巧。音乐是感...
评分我一直想了解这方面的音乐知识，甚至想过如果有这样一本书该多好：能够从小白状态开始，手把手地教你欣赏各个时期西方音乐的各种特征，背景，细化到每一首曲子的每一个细节特点，并且有与之对应的音频匹配来帮助你熟悉和理解相关内容。 在这本书出现之前，我一直以为这样的书...
用户评价
坦白说，这本书的文字功底非常扎实，但又带着一种近乎诗意的流畅感，读起来让人身心愉悦。它的语言风格非常鲜明，尤其是在描述作曲家们的创作心境时，作者仿佛化身为那个时代的观察者，笔触时而冷峻，时而热烈。比如，在论及勋伯格的转型期时，作者用了一长串排比句来描绘其内心翻腾的冲突与挣扎，那种语言的张力和画面感，让人仿佛能听见音符在纸上燃烧的声音。与一些枯燥的音乐传记不同，这本书的重点似乎并不完全放在“谁在什么时候写了什么”，而是更专注于“为什么那样写，以及它如何影响了后世的思考方式”。书中穿插了一些富有洞察力的个人评论，这些评论既不夸张也不贬低，而是基于深厚的学识和对艺术本质的理解。我个人尤其欣赏作者对“创新”的定义——它不是对过去的简单否定，而是在继承基础上的大胆重构。读完这些章节后，我对那些被贴上“前卫”标签的作品，也多了一份理解和敬意，不再仅仅停留在表面的不适感上。
评分这本书的结构安排着实是下了大功夫的，它跳脱了传统的时间线叙事，转而采用了一种主题驱动的编排方式，让人在阅读中不断产生惊喜。比如，某一章节专门探讨了“和声的革命”，它巧妙地将19世纪晚期的浪漫主义探索与20世纪初的无调性实验联系起来，中间穿插了大量乐谱的简化分析，这对于我这种非专业人士来说，既保持了学术的严谨性，又确保了阅读的流畅性。我最喜欢的是它对“寂静”在音乐中意义的探讨。作者用了近百页的篇幅，分析了从德彪西到约翰·凯奇的作品中对空间和停顿的运用。这种对音乐“留白”的深度挖掘，极大地拓宽了我的听觉感知范围。每次读到作者描述某段音乐的停顿如何比任何音符都更有力量时，我都忍不住想立刻去重听那些作品，用一种全新的视角去捕捉那些之前被我忽略的微妙之处。这种互动性和启发性，使得这本书不仅仅是一本静态的阅读材料，更像是一份邀请函，邀请读者进入一场持续的、个人的聆听实践之中。
评分这本书的价值，很大程度上体现在它对不同音乐文化之间交叉影响的细致梳理上。我原以为这会是一部纯粹聚焦于欧洲古典传统的作品，但它却出人意料地探讨了东方哲学，尤其是禅宗思想，是如何潜移默化地渗透到20世纪中叶的实验音乐创作中的。作者并没有将此视为简单的“东方元素嫁接”，而是深入剖析了其背后共通的对“本真”与“自然”的追求。这种跨文化的比较视角，极大地丰富了我对现代音乐复杂性的认知。书中引用的例子非常精准和有力，例如，它将某位作曲家在处理极简主义时所展现出的对“重复与变异”的把握，与东方的某种循环往复的世界观进行了深度的文本对照。这种深层次的连接，使得原本看似疏远的音乐流派之间，建立起了一座座沟通的桥梁。对于那些渴望超越狭隘的西方中心主义视角的读者来说，这本书无疑提供了一个绝佳的、充满启发性的框架。它挑战了我们对音乐史的既有认知，让人意识到艺术的边界远比我们想象的要模糊和广阔。
评分这本书的排版和印刷质量也值得称赞，尤其是那些插入的精美插图和历史照片，为文字内容增添了不可替代的视觉冲击力。我记得其中有一组关于早期录音技术的照片，从笨重的蜡筒记录仪到精密的磁带录音机，每一张图片都像是在诉说着一个关于声音捕捉与保存的微型史诗。更重要的是，作者在处理技术细节时，总能找到一种优雅的方式，使得即便是复杂的乐器结构或录音原理，也能被清晰地传达给非专业人士。例如，书中解释了弦乐器“弱音器”的使用如何从功能性工具演变为一种重要的美学表达手段时，配上的示意图清晰明了，让人豁然开朗。这本书并非只给学者准备的“案头书”，它显然也面向广大的音乐爱好者。它鼓励读者不仅要“听”，还要“看”——去看那些创造声音的工具，去看那些塑造了历史的双手，去看那些记录了思想的文字。这种全方位的感官参与，让阅读体验变得异常丰富和充实，它成功地架起了理论深度与普及性之间的那座至关重要的桥梁。
评分这本书的封面设计真是太吸引人了，那种复古的色调和精致的字体排版，一下子就让人联想到那些黄金年代的音乐故事。我一拿到手，就迫不及待地翻开了第一页，期待着能沉浸在一场关于西方音乐史的宏大叙事中。然而，阅读的过程却更像是一场探索未知的旅程。作者的叙事风格极其细腻，仿佛不是在陈述事实，而是在娓娓道来那些尘封已久的轶事。比如，书中对巴洛克时期某位不为人知的小提琴家的生平着墨颇多，其间的技术细节和个人挣扎被描绘得入木三分。我尤其欣赏作者那种不拘泥于主流叙事的勇气，他敢于挖掘那些被主流音乐史略去的小径，让读者得以窥见一个更加立体和多元的音乐世界。那种感觉就像是，你原本以为你对某个时代了如指掌，但这本书却像一把精巧的钥匙，打开了一扇通往更深层次理解的侧门。它没有那种高高在上的理论灌输，而是充满了人情味和对艺术本身纯粹的热爱。我读完后，感觉自己对许多经典作品的背景知识都有了更深层次的共鸣，这种体验是教科书式阅读无法比拟的。
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