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出版者:上海科学技术出版社

作者:潘深亮

出品人:

页数:293

译者:

出版时间:1999

价格:320.00元

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9787532351985

丛书系列:故宫博物院藏文物珍品大系

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海上名家绘画：流光溢彩的东方艺术史 《海上名家绘画》并非一部描摹江海风云、巨浪滔天之作，也非关于航海探险的史诗。它所汇聚的，是一份跨越时空的艺术珍藏，一段浓缩了中国近现代绘画发展脉络的辉煌篇章。本书以“海上”为地域坐标，聚焦于十九世纪末至二十世纪中叶，在中国艺术史上扮演着举足轻重角色的“海上画派”及其后继者的杰出创作。这里，“海上”不仅仅是地理的指代，更象征着一种开放、包容、融合的精神，一种在时代变革的洪流中，艺术家们积极吸收外来文化、勇于探索创新的艺术姿态。 上海，这座近代的东方明珠，凭借其独特的地理位置和开放的国际视野，在近一个世纪的时间里，成为了中国艺术发展的熔炉与前沿阵地。从西学东渐的思潮涌动，到传统文人画的革新求变，再到新兴的艺术教育体系的建立，上海汇聚了无数才华横溢的艺术家，他们在这里挥洒笔墨，创作出了一批批既根植于民族传统，又富有时代精神的传世佳作。本书正是对这一艺术盛景的梳理与呈现，它以严谨的学术态度，精选了数十位海上画派及其重要传承者的代表性作品，力求为读者展现一幅幅生动而富有深度的绘画图景。 本书的内容并非单一的绘画技法展示，而是围绕着“海上名家”这一核心，展开多维度的艺术探索。我们首先会深入探究“海上画派”的兴起与演变。这一画派的形成，是晚清以来中国社会剧烈变革的产物。随着上海成为中国的经济和文化中心，吸引了大量来自全国各地的画家。他们既继承了传统中国画的精髓，如水墨写意、工笔重设色等，又积极吸收西方绘画的写实技巧、色彩理论和构图方式，从而形成了自家独特的风格。“海上画派”的画家们，如任伯年、吴昌硕、虚谷、蒲华等，他们不拘泥于传统文人画的清雅闲逸，而是将目光投向了更为广阔的社会生活，题材广泛，人物、山水、花鸟、走兽无所不包，且笔墨酣畅淋漓，色彩鲜明亮丽，极具装饰性和时代感。本书将通过精选这些大师的代表作品，如任伯年笔下传神的人物肖像，吴昌硕苍劲古朴的书画结合，虚谷奇崛的笔墨意趣，以及蒲华洒脱的江南水墨，让读者直观感受“海上画派”在传统与创新之间的卓越平衡。 更进一步，本书将目光投向了“海上画派”之后，那些继承并发展了海上艺术精神的杰出艺术家们。这些艺术家，或是直接师承海上名家，或是受到海上艺术思潮的深刻影响，他们继续在上海这片沃土上，为中国画的发展注入新的活力。例如，那些在二十世纪初积极倡导“新国画”的艺术家，他们如何将西方现代艺术的观念融入中国画的创作，如何探索新的表现形式和题材，本书将通过如张大千、黄宾虹、刘海粟、丰子恺等艺术巨匠的画作，来展现这一重要的艺术转型期。张大千笔下工写兼备、气势磅礴的山水，黄宾虹厚重华滋的墨色山水，刘海粟色彩奔放的油画与国画，以及丰子恺温情脉脉、富有哲理的生活写意，都将以高清图版的形式呈现，并配以详实的解读，揭示他们如何承接前人，又如何开创新的艺术天地。 本书的价值还在于，它不仅仅是一本画册，更是一部艺术史的微缩模型。每一幅作品的呈现，都伴随着对其创作背景、艺术风格、历史地位的深入剖析。我们会探讨“海上画派”的形成与地域特色，分析其在传统文人画衰落背景下的创新意义；我们会审视近代以来中国美术教育的变革，以及上海在其中扮演的角色；我们会梳理不同艺术家之间的传承与影响关系，展现艺术流派的演变轨迹。例如，我们将深入探讨“兼工带写”的绘画理念如何在任伯年手中得到完美体现，以及这一技法对后世的影响；我们将分析吴昌硕如何将金石书画的功力融于笔墨，创造出独特的“金石派”风格；我们将审视刘海粟对西方现代艺术的大胆借鉴，以及他对中国画色彩观念的革新；我们将剖析丰子恺如何以漫画形式，记录时代变迁，传递人文关怀。 在艺术风格的呈现上，《海上名家绘画》力求全面而深入。本书将涵盖不同时期、不同风格的作品，从写实细腻的工笔，到挥洒自如的写意，从传统的水墨，到受到油画影响的设色。读者将有机会欣赏到任伯年笔下人物的神韵，吴昌硕花卉的苍劲，虚谷翎毛的灵动，蒲华山水的清逸。随后，将目光转向张大千的泼墨山水，黄宾虹的墨山积淀，刘海粟的色彩张力，丰子恺的温情漫画，以及其他众多艺术大师的代表作。每幅作品的图版都经过精心挑选和高质量印刷，力求还原原作的色彩、笔墨和质感，让读者仿佛置身于艺术家的画室，近距离感受艺术的魅力。 除了作品本身，《海上名家绘画》还将深入探讨这些艺术家们所处的时代背景。十九世纪末二十世纪初，中国经历了前所未有的社会动荡和文化转型。西方列强的入侵，清朝的覆灭，辛亥革命的兴起，新文化的运动，抗日战争的爆发，每一个历史事件都深深地影响着艺术家们的创作。他们如何在变革的时代中坚守艺术的初心？他们如何用画笔记录时代、反映社会？他们如何思考民族艺术的未来？本书将通过对艺术家生平、创作理念、时代背景的梳理，帮助读者理解作品背后的深层含义。例如，我们将探讨任伯年如何以其关注民生的创作，回应当时的社会需求；我们将分析吴昌硕在民族危机时期的爱国情怀如何体现在其作品之中；我们将解读张大千在国难时期的艺术避世与创作冲动；我们将反思丰子恺如何以其平和的笔触，记录战乱时期的苦难与温情。 《海上名家绘画》并非仅仅是罗列艺术家的名号和作品，它更是一次对中国近现代绘画发展史的深刻回溯与梳理。它展现了上海这座城市在艺术史上的独特地位，汇聚了那个时代最闪耀的艺术星辰。它证明了中国绘画在面对外来文化冲击时，并非全盘否定，而是能够以开放的心态，进行创造性的转化与融合，最终形成了既有民族特色，又有时代精神的崭新面貌。本书的内容，是对那些在风云变幻的年代里，以笔墨为武器，以画笔为喉舌，为中国艺术史写下璀璨篇章的艺术家们的致敬。它将带领读者穿越历史的烟云，去感受那段流光溢彩的东方艺术史，去领略“海上名家”们不朽的艺术风采。 本书的装帧设计也将尽可能体现出其内容的价值感和艺术感。选用优质纸张，高清还原画作细节，并配以精美的版式设计，力求为读者提供一本既具学术价值，又具收藏价值的艺术读物。无论是对于艺术爱好者、学生，还是专业研究者，《海上名家绘画》都将是一份不可多得的宝贵资源，它将帮助您更深入地理解中国近现代绘画的发展脉络，领略“海上画派”及其传承者的艺术魅力，感受那段波澜壮阔的东方艺术史。

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这本书带给我的最大震撼，来自于那种跨越时空的对话感。读着文字中对这些艺术家生平的描述，他们的坎坷、他们的坚持，再对比眼前鲜活的画面，你会感到一种强烈的共鸣。我花了好长时间凝视其中一幅晚年所作的竹子图，竹竿的姿态是那样遒劲有力，但细看之下，竹叶的边缘却带着一种近乎透明的虚弱感，仿佛是艺术家生命力的最后一次爆发，那种复杂的情感交织，让我久久无法移开视线。它不仅仅是视觉的盛宴，更像是一部无声的纪录片，记录着艺术家的心路历程。书中的一些细节对比让我印象深刻，比如早期作品的浓墨重彩与后期作品的淡雅内敛，时间是如何在艺术家的笔端留下不可磨灭的印记。我合上书本，闭上眼睛，仿佛还能闻到空气中淡淡的松烟味和陈旧纸张的气息。这本书成功地将冰冷的艺术品，转化成了有温度、有生命力的历史见证。

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这本《海上名家绘画》的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，配合着米白色的内页纸张，拿在手里仿佛就能感受到历史的厚重感。我尤其欣赏它在排版上的匠心独运。每一幅画作的展示都占据了相当大的篇幅，四周留白得恰到好处，使得原本可能显得拥挤的画面，此刻却有了一种呼吸的空间。我不是科班出身，但光是看着那些用色和笔触的细腻对比，就能感受到一种扑面而来的艺术气息。记得有一幅描绘江南水乡的，雨后的青石板路，墨色晕染得简直如同真实的水汽弥漫开来，那种湿漉漉的氛围感，即便只是通过印刷品，也能透过纸张感受到。这本书的选材似乎非常讲究，它并未一味追求名头最大、流传最广的作品，而是巧妙地穿插了一些鲜为人知却极具个人风格的小品。比如其中一位画家的写意山水，寥寥几笔，远山如黛，近水含烟，体现出一种“计白当黑”的东方哲学意境，比起那些工笔的繁复，这种留白中的想象空间，更让人回味无穷。总的来说，这本书不仅仅是一本画册，更像是一场精心策展的视觉漫步，让人在欣赏艺术的同时，也享受到了阅读本身的愉悦。

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我很少用“震撼”这个词来形容一本书，但《海上名家绘画》确实达到了这个标准。它的编排方式有一种独特的节奏感，从开篇的磅礴大气，到中间对特定主题（如山石、人物）的深入剖析，再到结尾几位承前启后人物的总结，整个过程如同一首结构精妙的交响乐。尤其是在介绍那些在画史上具有里程碑意义的作品时，书本会特意设置一页专门的解读，从构图的黄金分割点到色彩的冷暖对比，都有详尽的文字分析，而不是简单地贴上标签。这对于我们这些想“看懂”画作的人来说，简直是量身定做。我特别喜欢其中一处关于“意在笔先”的阐述，它强调了画家在动笔前胸中所构建的世界，这与我平时看画时那种直觉式的感受得到了完美的印证和升华。这本书的纸张似乎也经过特殊处理，即便是大面积的深色印刷，也很少出现反光或颜色失真的情况，保证了作品的原真性。阅读过程本身，就是一种对艺术品位和鉴赏力的潜移默化的提升。

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翻开这本画册，最先冲击我的是其内容的广度与深度，它仿佛为我打开了一扇通往某个特定艺术群体的密室。我尤其留意了关于时代背景的那些简短介绍，虽然篇幅不大，但精准地勾勒出了这些“海上名家”们所处的历史洪流——如何在传统与革新之间寻找自己的立足点。这让我对他们的创作动机有了更深层次的理解。比如，有几幅描绘市井生活的风俗画，那些人物的神态、服饰的纹理，都极为生动，完全没有高高在上文人画的架子气。我能想象到，这些艺术家是如何深入民间，去观察和捕捉那些最真实、最鲜活的生命力。这与我在其他一些纯粹以技法为核心的画册中看到的体验是完全不同的。这里的每一页，都像是一个故事的开端，引人遐想。我甚至尝试着去模仿其中一位画家对光影的处理，虽然只是在草稿纸上胡乱涂抹，但那种捕捉瞬间光感的神韵，似乎能从这本书的影印件中窥见一二。这本书的价值在于，它不仅仅展示了“美”，更展示了“为什么美”，是艺术史与个人情感交织出的复杂脉络。

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说实话，我一开始对“名家”这种标签式的命名抱持着一丝保留，总觉得容易流于俗套，但这本书彻底颠覆了我的看法。它的可贵之处在于其学术上的严谨性与审美上的包容性并存。我注意到，书中对一些争议性作品的收录和解读，处理得非常得体，没有武断地下结论，而是提供了多种可能性供读者思考。这种开放的态度，对于一个初涉艺术领域的读者来说，是极其友好的。更让我惊喜的是，它对材料运用的探讨。在对几位擅长花卉题材的画家的介绍部分，提到了他们对不同墨锭、甚至不同地区的水质对最终墨色影响的细微观察。这种对“物性”的执着，展现了艺术家们对待创作材料的近乎虔诚的态度。我甚至开始留意自己家里的水，想象着不同的水质在古代画师的手中会产生怎样的奇妙反应。这本书的内容组织逻辑非常清晰，从宏观的流派分野到微观的笔触分析，层层递进，每一次翻阅都有新的发现，绝不是那种一次性消费的“快餐式”图册。

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