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出版者:新时代出版社

作者:张永明 编

出品人:

页数:1458

译者:

出版时间:2001-1

价格:196.00元

装帧:

isbn号码:9787504205834

丛书系列:

图书标签:

• 书法
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• 书法技法
• 字帖
• 临摹
• 书法理论
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• 绘画
• 传统艺术

翰墨流芳：中国古代绘画艺术探微 导言：穿越时空的审美之旅 本书并非聚焦于笔墨的刚劲与结构之美，而是将视角投向了中国绘画的另一片广袤天地——色彩、意境、以及人文精神的交融。它是一部深入剖析中国古代绘画艺术，尤其是山水、花鸟、人物画发展脉络的专著。我们试图通过梳理自魏晋南北朝至清末的数千年历史长河中，各主要画科的风格演变、技法革新，以及重要画家的思想内涵，为读者构建一个立体、多维度的古代绘画审美图景。全书旨在引导读者超越单纯的“看画”，进入到“读画”的境界，理解画中所蕴含的哲学思辨与文人情怀。 第一章：魏晋风骨与隋唐气象——绘画的自觉与确立 本章追溯中国绘画从实用性装饰转向独立艺术门类的关键转折点。重点探讨顾恺之“传神写照”的理论如何奠定了人物画的早期基调，以及对道家思想和佛教艺术的吸收如何丰富了早期绘画的题材和笔法。 随后，我们将深入隋唐时期，特别是唐代，绘画达到了一个空前的繁荣阶段。阎立本的恢宏大气与吴道子的“吴带当风”的线条革命，是本章的核心内容。我们详细分析了吴道子如何将雕塑般的立体感融入线条，创造出富有生命力的动态美。同时，探讨了受宫廷审美影响，青绿山水画（如李思训、李昭道父子）的成熟，标志着色彩运用达到了一个新的高峰，展现出富丽堂皇的盛唐气象。 第二章：五代十国：地域流派的勃兴与写生精神的强化 五代十国时期，虽然政局动荡，却是中国绘画史上一个不可或缺的黄金分割点。国家分裂导致了区域性绘画中心的形成，促使画家更加专注于特定题材的精深研究。 重点关注南方荆浩、关仝，北方董源、巨然的“北派”与“南派”山水画的开创性贡献。北方山水，雄伟壮阔，笔法简练，奠定了后世北方山水画的气势磅礴的基调。而董源、巨然所代表的江南“董巨”体系，则侧重于温润、浑厚，开创了“披麻皴”等多种皴法，对南宋院体乃至元代文人画产生了深远影响。本章还将分析花鸟画在这一时期如何脱离纯粹的装饰，开始具备独立的审美价值，如黄筌父子的富贵写实风格。 第三章：宋代——院体艺术的巅峰与文人画的觉醒 宋代是中国绘画艺术的集大成时期，可分为北宋和南宋两个阶段来讨论。 北宋的皇家画院，汇集了当时最顶尖的画家。范宽的《溪山行旅图》展现了北方山水无与伦比的体量感和纪念碑性。郭熙的“雨脚如麻，风如吼浪”的论述，标志着画家开始从自然现象中提炼出更深层次的“理”。此外，本章将专门论述李唐、刘松年的“马夏”风格，他们如何以高耸的边角和强烈的对角线构图，创造出南宋特有的“半边世界”的意境，凸显了南迁后的紧张与内敛。 与此同时，苏轼、米芾等文人领袖对绘画理论的介入，催生了“尚意”为先的文人画思潮。他们强调绘画是“胸中之意”的抒发，而非纯粹的技艺模仿，为元明清的艺术发展埋下了伏笔。 第四章：元代：笔墨的解放与“四家”的并峙 元代，由于士人阶层普遍失意，大批知识分子转而投身艺术创作，标志着“文人画”的彻底主导地位。 本章的核心在于对“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙的深入剖析。我们将探讨他们如何借鉴前代技法（如董源、巨然），并将其融入自身的学识与情操之中。倪瓒的“逸笔草草，不求形似”，体现了对物象的极度简化与精神的极度提升；黄公望的“皴法活变”，则展示了水墨语言的丰富可能性。本章还将辨析“写意”与“写形”的辩证关系，展示元代画家如何将书法入画的实践推向高峰。 第五章：明清：多元探索与程式的固化与反思 明代绘画呈现出“承袭”与“创新”并存的复杂局面。 早期，以“吴门画派”为代表的文人画延续了元代的雅致，但沈周、文徵明的风格趋于平稳。与此同时，浙派（如戴进、吴伟）则以其雄健、粗犷的笔法，在院体画中占据一席之地。中晚期，董其昌提出了“南北宗论”，试图将中国绘画史进行理论上的归类与梳理，其影响延续了数百年。 清代则在“四王”的集大成式临摹中，达到了程式化的顶峰，他们对前代笔墨的系统整理，既是对传统的尊重，也引发了后来的反思。本章的后半部分，将聚焦于“四僧”——髡残、八大山人、石涛的“反程式化”探索。特别是石涛，他高举“我自发我之性”的旗帜，以其斑驳陆离的笔墨、奇特的构图和强烈的个性，成为传统向近代过渡的关键人物，为后世的变革者提供了重要的精神资源。 结语：跨越千年的视觉对话 本书最终将总结中国古代绘画的核心精神——它不仅是描绘世界，更是构建“第二自然”的过程。从魏晋的生命意识，到宋代的理性观察，再到元明的精神寄托，中国绘画始终是士人安顿心灵、寄托家国情怀的载体。通过对这些经典作品与理论的梳理，我们期望读者能真正领会到，古代画作中那份“言有尽而意无穷”的东方智慧与审美魅力。

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这本书的实用性体现在它对不同载体和工具的适应性分析上。我们都知道，在宣纸上写和在碑石上刻，效果截然不同，但很少有书籍能如此细致地分解这种差异。书中专门开辟了一个章节，详述了从普通毛边纸到特种手工纸，再到麻纸、绢布等不同材料对墨的洇化和笔锋的弹性所带来的影响。更令人称奇的是，作者还探讨了不同类型毛笔（如兼毫、狼毫、羊毫）在处理特定书体时，其性能的优势与局限。这对于我这种喜欢尝试各种材料的实践派来说，简直是如获至宝。我过去常常因为选错纸张而功亏一篑，现在，我可以根据想要达成的艺术效果，精确地选择最合适的工具组合。此外，书中对“制印”和“题跋”的搭配美学也有独到的见解，让作品在完成后的“二次创作”环节也能达到和谐统一。总而言之，这本书提供的是一个全方位的创作解决方案，从选材到收官，每一个环节都有理有据，让人感到踏实且充满信心。

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阅读体验上，这本书的排版和配图简直无可挑剔，每一页都像是精心设计的艺术品。但让我印象最深刻的，还是它对于“书写者的心性修养”的强调。很多技法书只谈“术”，不谈“道”，让人学了也只是皮毛。然而，这本书却花了大量篇幅去论述心静如水、气沉丹田对运笔稳定性的决定性影响。作者甚至引述了一些古代文人关于修身养性的论述，将书法创作提升到了“为人”的高度。比如，书中有一段关于“急躁心”如何破坏线条的流畅性，导致“点画松散”的分析，简直就是对我本人写作用笔习惯的精准“诊断”。它让我开始反思，为什么我有时写得好，有时写得一塌糊涂——原来关键不在于笔尖，而在于我当时的心情和状态。这种从内而外的自我审视，比学习任何一个具体的笔画技巧都要宝贵得多。它让我明白，真正的书法是心灵的投射，只有内心丰盈、平和，笔下的线条才能具备真正的生命力。

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拿到这本书时，我首先被其装帧设计所吸引，那种低调的奢华感，仿佛预示着内里的内容绝非等闲之辈。这本书的结构安排堪称匠心独运，它并没有采取那种枯燥的、按部就班的讲解模式，反而更像是一场精心策划的艺术展览。其中关于“意境营造”的论述，对我这个常年困在“形似”泥潭中的人来说，简直是及时雨。作者用非常诗意化的语言描述了如何将自然万物——山川的起伏、流水的情绪、风雨的节奏——融入到墨迹之中。我特别喜欢其中关于“留白”哲学的探讨，它不是简单地指“不写的地方”，而是被赋予了一种呼吸感和无限的想象空间。在具体的操作层面，书中对于墨色的层次变化也进行了细致入微的剖析，探讨了如何通过润湿程度和用墨量的控制，来表现作品的深邃与通透。我尝试着按照书中提到的方法调整了蘸墨的习惯，几笔下去，作品立刻有了一种“立体感”和“厚重感”，这种变化是立竿见影的，让人忍不住想立刻放下手中的笔，再仔细研读一番。这不仅仅是一本工具书，它更像是一位德高望重的师长，在你迷茫时，轻声点拨你的心窍。

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这部作品简直是艺术殿堂里的一颗璀璨明珠！初翻开，那种扑面而来的气息就让人心神为之一振。我原以为这只是一本普通的技法汇编，没想到它更像是一部深入骨髓的文化之旅。作者对传统笔墨的理解，绝非停留在表面的“提、按、顿、挫”，而是挖掘到了笔触背后所蕴含的哲思和心境。尤其是他对篆隶章法布局的独到见解，简直是茅塞顿开。过去我总是在临摹中迷失方向，总觉得自己的作品缺少一股“气”，读完这部分后，我才明白，那股“气”并非凭空而来，而是需要对线条的内在生命力有深刻的体悟。书中对不同书体在历史长河中的演变脉络梳理得清晰无比，从甲骨的古朴到魏碑的雄强，再到行草的灵动，每一步的转折都伴随着当时社会思潮的烙印。这种宏大叙事与微观技法相结合的叙事手法，极大地拓宽了我的视野，让我不再仅仅把自己局限于一个单纯的“写字匠”，而是开始以一个创作者的角度去审视每一根线条的意义。如果说传统书籍只是教你“怎么写”，那么这本书就是在引导你“为什么这样写”，这种提升是质的飞跃。

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这本书的独特之处在于，它大胆地将创作与现代审美进行了连接，而不是将自己封闭在复古的象牙塔内。我一直认为，书法创作如果不能跟上时代的精神，终究会沦为博物馆里的陈列品。而这本书恰恰提供了一种面向未来的视角。它没有回避当代书家在探索新风格时所遇到的困境，反而鼓励读者去打破既有的藩篱。书中对于“抽象表现”在书法中的应用，讨论得尤为精辟。作者引用了许多西方艺术理论的元素，来佐证笔墨如何能够跨越文化隔阂，直接触动观者的情感神经。我读到关于如何通过调整书写速度和力度来模拟情绪的爆发点时，感到非常震撼。这已经超越了传统技法的范畴，上升到了对个体生命体验的艺术化表达。读完这部分，我不再畏惧于尝试那些看起来“出格”的笔法，反而充满了探索的勇气。它教会我，真正的创新并非凭空捏造，而是建立在对传统深厚理解之上的大胆解构与重组。这本书无疑为当代书法艺术的发展提供了一个极具前瞻性的理论框架。

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