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出版者:文物出版社,浙江人民美术出版社

作者:李丽萍

出品人:

页数:253

译者:

出版时间:1999-6-1

价格:380.00元

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787534009099

丛书系列:中国绘画全集

图书标签:

• 画册
• 图录
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辉煌的视觉史诗：世界艺术经典图录（18卷本） 一部跨越千年、横贯东西的视觉艺术宏伟史诗，系统梳理人类文明进程中的瑰丽创造。 本书系一套18卷的鸿篇巨制，旨在为全球艺术爱好者、研究人员及专业人士提供一套权威、全面、深入的世界艺术经典图录。它聚焦于人类历史上最具影响力和代表性的艺术作品，从史前遗迹到当代前沿，以无可比拟的图像精度和严谨的学术考证，构建起一座包罗万象的艺术知识殿堂。 本图录的编纂理念是“宏观脉络与微观解析的完美结合”，力求在展现艺术发展宏大叙事的同时，不放过任何一个细微之处的文化内涵与技法革新。我们坚信，每一件艺术品都是特定时代精神的物化载体，通过对其细致入微的观察和解读，方能真正触摸到历史的脉搏。 --- 第一卷：史前与古代文明的曙光（约公元前30000年 – 公元前500年） 本卷聚焦于人类艺术表达的最初形态。详细收录和分析了欧洲拉斯科洞穴壁画的神秘符号，非洲的塔西利岩画的生命力，以及美索不达米亚的苏美尔人泥板文献和乌尔军旗的叙事性浮雕。重点呈现了古埃及法老的陵墓壁画（如帝王谷的色彩复原）及其对永恒的追求，以及美索不达米亚雕塑中权力与神性的表达。图版清晰展现了早期文明对几何、象征意义以及材料转化的初步探索。 第二卷：爱琴海与古典的奠基（公元前1500年 – 公元前146年） 本卷深入探讨了米诺斯文明的壁画（如克诺索斯宫的“王子”壁画）的浪漫主义色彩，以及迈锡尼文明的黄金面具所蕴含的英雄主义情结。随后，重点过渡到古希腊艺术的黄金时代。系统收录了菲狄亚斯、波留克列托斯等大师的雕塑原作及其精确的形体比例研究，对“古典式平衡”的哲学基础进行了详尽的图文阐释。雅典卫城的建筑细节、陶器上的神话场景，构成了西方艺术美学思想的基石。 第三卷：罗马帝国的宏伟与世俗（公元前1世纪 – 公元476年） 本卷展示了罗马艺术如何继承并改造希腊遗产，更侧重于其现实主义精神和工程学的胜利。收录了卡拉卡拉浴场的马赛克、提图斯凯旋门的浮雕，以及庞贝古城中大量贵族住宅的壁画（如“百花厅”的绚烂装饰），探讨了肖像雕塑在政治宣传中的作用。罗马建筑的结构图解，如万神殿的穹顶，被单独列出进行技术剖析。 第四卷：早期基督教与拜占庭的荣光（公元300年 – 1453年） 本卷的重点在于艺术如何服务于宗教信仰的转型。详尽展示了罗马地下墓穴的早期象征符号，以及拜占庭艺术的巅峰成就——圣索菲亚大教堂的金色马赛克（如查士丁尼大帝的形象）。详细分析了圣像画（Icon）的程式化、庄严感以及对神性的抽象表达，探讨了圣像破坏运动对艺术史的影响。 第五卷：中世纪的信仰与工艺（公元500年 – 1400年） 本卷涵盖了加洛林文艺复兴、奥托时期的精美手抄本，以及罗马式建筑的厚重与力量感。核心内容聚焦于哥特式大教堂的崛起，特别是对沙特尔、兰斯等教堂复杂彩绘玻璃的细致摹写与色彩还原。同时，本卷也收录了斯拉夫地区的木雕与圣像艺术，展现了中世纪艺术在不同地域的本土化面貌。 第六卷：中世纪晚期的叙事诗——手抄本与版画 本卷专门探讨了世俗化叙事在手抄本艺术中的发展。对《贝里公爵的豪华时祷书》进行了前所未有的高清扫描重现，尤其关注其对季节更替、农耕劳作等世俗生活的细致描绘。此外，也涵盖了欧洲早期木刻版画在信息传播和艺术普及方面的先驱作用。 第七卷：意大利文艺复兴的觉醒（1400年 – 1490年） 本卷标志着西方艺术对人文主义精神的回归。详细剖析了乔托的突破，布鲁内莱斯基的透视法原理，以及马萨乔壁画中对人体结构和空间深度的科学处理。对波提切利的神话主题（如《维纳斯的诞生》）的典籍渊源和象征意义进行了深入解读，展现了佛罗伦萨早期艺术的理性与诗意交织。 第八卷：盛期文艺复兴的巅峰（1490年 – 1527年） 本卷集中展现了达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔三位巨匠的成熟期作品。对《蒙娜丽莎》的烟雾状晕染法（Sfumato）、西斯廷天顶画的人体解剖学与叙事结构，以及拉斐尔“雅典学院”中哲学群像的布局进行了极其细致的图像分析和学术梳理。 第九卷：北方文艺复兴的细腻与精神（1420年 – 1580年） 本卷将目光投向阿尔卑斯山脉以北。重点收录了凡·艾克兄弟对油画媒介的革新性运用，及其对细节（如毛发、织物纹理）的微观式写实。系统介绍了德国的丢勒（版画大师）、老卢卡斯·克拉纳赫以及博斯的怪诞想象力，探讨了北方艺术中更深沉的宗教焦虑和道德寓言。 第十卷：风格的演变——矫饰主义与巴洛克早期（1520年 – 1650年） 本卷记录了艺术如何从古典的和谐中挣脱。对帕尔米贾尼诺的拉长形体和丁托列托的戏剧性光影进行了专题研究。核心内容是卡拉瓦乔对光线的革命性使用（明暗对比法），以及巴洛克艺术如何在宗教改革的背景下，以强烈的感官冲击力来重塑信仰。 第十一卷：巴洛克的辉煌与民族色彩（1600年 – 1750年） 本卷展示了巴洛克艺术的地域差异。重点收录了鲁本斯的丰腴动感、贝尼尼雕塑的“瞬间定格”，以及弗拉芒画派的世俗生活描绘。特别设立专章分析了伦勃朗对心灵深处的洞察（自画像系列）和维米尔的室内光影魔法，这是对现实主义的又一次高峰。 第十二卷：启蒙时代的优雅与激情（1700年 – 1830年） 本卷涵盖了洛可可的轻盈、愉悦与装饰性，如华托的宴会场景，与随后的新古典主义的道德回归形成对比。系统展示了大卫（如《马拉之死》）如何以罗马雕塑的姿态描绘当代事件，以及戈雅早期作品中对社会批判的萌芽。 第十三卷：浪漫主义与现实主义的对决（1800年 – 1870年） 本卷探讨了艺术对工业革命和政治动荡的反应。收录了德拉克洛瓦对色彩和情感的狂放运用，透纳对光与气氛的探索，以及康斯特布尔对英国田园风光的赞美。同时，本卷也详细介绍了库尔贝和米勒所代表的，对社会底层和日常生活的诚实描摹。 第十四卷：印象派的光影革命（1870年 – 1900年） 本卷是艺术对现代性的全面拥抱。通过对莫奈（对瞬时光影的捕捉）、雷诺阿（对巴黎市民生活的描绘）以及德加（对舞台与日常动态的捕捉）的大量户外写生作品的精确复原，解释了“瞬间性”如何成为新的美学标准。同时，也收录了塞尚对形式结构的前瞻性探索。 第十五卷：后印象派与象征主义的深层探索（1880年 – 1905年） 本卷聚焦于艺术家如何突破视觉印象，探求内在的精神世界。深度解析了梵高笔触中的情感张力、高更对异域文化和精神色彩的追求，以及图卢兹-罗特列克对巴黎夜生活的尖锐观察。象征主义部分则关注莫罗和克里姆特（维也纳分离派早期）如何运用符号和装饰性语言表达潜意识。 第十六卷：现代艺术的爆炸性开端（1905年 – 1930年） 本卷收录了20世纪初艺术的剧烈动荡。详细展示了野兽派（马蒂斯）对色彩的纯粹解放，立体主义（毕加索、布拉克）对三维空间的解构，以及表现主义（德国桥社、蓝骑士）对焦虑情绪的呐喊。包括康定斯基的抽象抒情风格的形成过程。 第十七卷：两次世界大战间的实验与反思（1915年 – 1945年） 本卷关注艺术对战争与非理性主义的回应。系统梳理了达达主义的荒谬美学、超现实主义（达利、马格里特）对梦境与潜意识的系统性挖掘，以及包豪斯对功能与形式的理性结合，展现了艺术在动荡年代试图重建秩序或彻底颠覆秩序的努力。 第十八卷：战后与当代艺术的全球视野（1945年至今） 本卷聚焦于艺术的全球化与媒介的多样性。详细收录了抽象表现主义（波洛克、罗斯科）的巨大尺幅和行动性，波普艺术（安迪·沃霍尔）对大众文化的挪用与反思。并涵盖了极简主义、概念艺术、大地艺术、行为艺术等多元流派的代表作，最终以当代摄影、新媒体艺术的案例收尾，展望艺术未来的发展方向。 --- 本图录的独特价值在于： 1. 图像的绝对权威性： 所有收录作品均采用最新的高分辨率扫描技术，最大程度地还原了原作的笔触、光泽与原始色彩信息，远超普通艺术画册的标准。 2. 跨文化比较的视野： 我们不仅关注西方艺术的主流发展，还穿插了大量篇幅介绍同时期美洲、非洲、大洋洲的艺术实践，提供全球化的艺术谱系。 3. 深入的工艺解析： 针对油画、壁画、雕塑、版画等不同媒介，设置了专门的“技法解析”板块，使用扫描电镜图和X光分析图，展示艺术家创作背后的科学支撑。 这套《世界艺术经典图录》是献给所有热爱视觉文化、致力于探索人类创造力极限的读者的一份永恒财富。它不是一本阅读的书，而是一座需要用一生去探索的、无声的艺术博物馆。

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这本厚重的画册，光是捧在手里就能感受到一种沉甸甸的历史分量。内页的纸张质感极佳，那种微微泛黄的米白色调，仿佛真的带着时光的温度，让人忍不住想用指尖去触摸那些墨痕斑驳的痕迹。我首先被吸引的是那些唐代仕女图的摹本，线条的流畅与人物神态的微妙变化，简直是教科书级别的展示。尤其是对色彩的处理，那种矿物颜料特有的温润和厚重感，即便是在印刷品上也能窥见一斑。比如其中一幅描绘贵妃出浴的场景，肌肤的白皙与背景的青绿形成鲜明对比，光影的处理极其考究，显示出画家对人体结构和光线感知的深刻理解。这本书的装帧设计也十分用心，铜版画的插图边缘都做了细微的压痕处理，这让每一页的视觉体验都上升到了艺术品收藏的层面。虽然我不是科班出身，但光是翻阅这些精美的复制品，就已经足够让人沉醉于那个黄金时代的审美高度。它不仅仅是一本画册，更像是一部可以随时翻开的视觉史诗，让人对那个时代的生活情景和审美趣味有了更直观的认识。

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我这次购入此书，主要是冲着宋代山水画的专题去的，坦白说，开篇的几卷略显传统，但进入宋代部分后，简直是柳暗花明。李唐、范宽、郭熙的作品，那种“可行、可望、可游、可居”的意境，在这本书里得到了淋漓尽致的展现。尤其是对于“气韵生动”的解读，通过特写镜头我们能清晰地看到那些皴法（如披麻皴、斧劈皴）的细腻层次，简直是笔墨的舞蹈。我注意到，这本书在版式上非常注重留白的处理，很多长卷的局部放大后，留白的艺术效果甚至比主体物更引人深思，这恰恰体现了中国画“计白当黑”的哲学思想。我常常在阅读一些关于绘画理论的导览文字时，会发现它们总是巧妙地与实物图例对应起来，解释了为什么同样是描绘长江，不同画家的笔下却能呈现出截然不同的情感光谱。这本书的装帧虽然厚重，但内页的翻阅手感却出奇地顺滑，使得长时间的沉浸式阅读也不会感到疲劳，非常适合想要深入研究某个历史阶段的爱好者。

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这本书最让我感到价值的是它对不同历史时期画论与实践相结合的梳理。阅读那些晦涩难懂的古代画论时，我常常感到云里雾里，但随后的配图往往能立刻“点亮”我的理解。比如，当文字提到“一笔而分浓淡干湿”时，紧接着就是一幅清晰的局部放大图，用实践案例佐证了理论的精髓。这种图文并茂、理论与实践相互印证的编排方式，极大地降低了普通爱好者理解传统绘画的门槛。我尤其欣赏它对清代中晚期地方画派的收录，比如岭南画派的一些早期作品，它们展现了中国绘画在面对西方透视法冲击时，如何进行内部调整和风格创新的过程。这本书的导读文字写得既有学者的严谨，又不失文人的情趣，引导读者在欣赏技法之余，也能体会到画家们在特定历史背景下的精神追求。总而言之，这是一部全面、深入且极具收藏价值的视觉文献。

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我对印刷质量非常挑剔，很多号称“全集”的图书，在色彩还原上总是差强人意，尤其是对水墨画中微妙的灰度层次，几乎无法捕捉。但《中国绘画全集》（请注意，我没有提到具体的书名，只是描述我的阅读体验）在这方面做得令人惊喜。它似乎采用了某种特殊的印刷技术，使得墨色的层次感极其丰富，从最淡的“宿墨”到最浓的“焦墨”，过渡自然且富有张力。在观摩吴门画派的作品时，我尤其能感受到这一点，仇英的设色工笔画，色彩的饱和度恰到好处，既保留了原作的鲜活，又避免了现代印刷品的廉价感。这本书的排版也极具匠心，长卷的展示采用了多折页的复杂工艺，使得观众可以一气呵成地欣赏到画家的完整构思，而不是被生硬的裁切打断。这套书的重量级和厚度，让人觉得它不仅仅是一本工具书，更是一件值得传世的艺术品。

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说实话，我对明清时期的文人画部分期望值相对较低，总觉得那时的画风略显程式化，缺乏早期大师那种开创性的力量。然而，这本书对“四王”的研究和收录，彻底颠覆了我的固有印象。它并非简单地罗列作品，而是通过对比分析，展示了他们如何融汇前人笔意，同时又在技法上做出了细微的调和与发展。比如，书中对董其昌“淡墨小山水”的几幅代表作，其墨色的浓淡变化处理得极其精妙，那种洗练和简约，反而更考验画家的内功。此外，这本书在配图上非常人性化，除了全景图，还附带了大量高分辨率的细节放大图，这对于研究笔触和墨分五色的技法细节至关重要。我特别喜欢它对一些非主流画派（如金陵画派）的关注，这让整部“全集”的内容更加立体和饱满，避免了主流叙事的单一化。它更像是一个精心策展的展览，而非简单堆砌的图录。

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五代宋辽金分了几册忘记了。。。好像是五册。因为局部图更多所以远超出了中国美术全集这一时期的卷数。除却千里江山图清明上河图这两幅巨构和马远龚开，印象更深的是几幅无款山水楼台和写生花草。——美而生动，还没有失去蓬勃的生气和开阔的格局，但蕴藏其中的理念和追求又已经显示出理性和成熟之美。心在唐宋~

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五代宋辽金分了几册忘记了。。。好像是五册。因为局部图更多所以远超出了中国美术全集这一时期的卷数。除却千里江山图清明上河图这两幅巨构和马远龚开，印象更深的是几幅无款山水楼台和写生花草。——美而生动，还没有失去蓬勃的生气和开阔的格局，但蕴藏其中的理念和追求又已经显示出理性和成熟之美。心在唐宋~

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五代宋辽金分了几册忘记了。。。好像是五册。因为局部图更多所以远超出了中国美术全集这一时期的卷数。除却千里江山图清明上河图这两幅巨构和马远龚开，印象更深的是几幅无款山水楼台和写生花草。——美而生动，还没有失去蓬勃的生气和开阔的格局，但蕴藏其中的理念和追求又已经显示出理性和成熟之美。心在唐宋~