荣宝斋画谱.古代部分.51.花鸟 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋出版社

作者:李方膺

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2002-5

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787500306009

丛书系列:

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翰墨丹青：中国传统绘画艺术的恢弘画卷 图书名称：《翰墨丹青：中国传统绘画艺术的恢弘画卷》 作者： 诸位艺术史学家与资深画师联合编撰 出版社： 弘文艺术出版社 出版日期： 2023年10月 --- 内容概述与价值定位 《翰墨丹青：中国传统绘画艺术的恢弘画卷》是一部旨在系统梳理、深入剖析中国传统绘画自萌芽至成熟，直至近现代演变的全景式艺术通史著作。本书摒弃了以往单一题材或朝代断限的局限，以宏大的历史视野和精微的学术视角，构建起一座立体的、可供后人全面领略中国画魅力的知识殿堂。它不仅是一部学术专著，更是一本面向艺术爱好者、专业学习者及文化研究人员的权威参考指南。 本书的独特之处在于，它并未聚焦于某一特定画派或某一类固定主题的技法汇编（如专门针对花鸟、山水或人物的细分画谱），而是着重于绘画观念的演变、笔墨语言的哲学基础、不同历史阶段的时代精神在画作中的投射，以及技法体系的传承与创新之间的辩证关系。 全书共分六卷，体系庞大，内容详实，力求展现中国绘画“以形写神”的核心精神。 --- 第一卷：源起与萌芽——史前至魏晋的造型探索 本卷追溯中国绘画的源头活水。从新石器时代的岩画、陶器刻纹，到商周青铜器上的纹饰，我们探讨了早期图腾崇拜与实用艺术的交织。重点深入分析了汉代帛画、墓室壁画，尤其是《宴乐渔猎攻战图》等作品，如何确立了早期“线描”作为造型基础的地位。 在魏晋南北朝时期，本书详述了顾恺之“传神写照”理论的诞生及其对后世人物画的深远影响。我们审视了佛教造像艺术对绘画的影响，并系统梳理了“六法论”在理论体系初建阶段的内涵解析，强调了此时期从“事”到“意”的初步转变。 第二卷：盛世气象——唐宋的多元化与规范化 唐代被视为中国绘画的第一个高峰期。本卷着重剖析了唐代山水画（如李思训的金碧山水）与人物画（如吴道子“吴带当风”的健劲线条）的辉煌成就。我们着重探讨了宫廷画院在审美标准确立中的作用。 宋代部分，本书进行了细致的区分。对于北宋的全景式山水（如范宽的雄浑、郭熙的“可行、可望、可游、可居”的审美理念），进行了深入的图解分析。同时，对院体画的精细入微与文人画的勃兴进行了对比论述。南宋的马远、夏圭“一角两角”的构图创新，被视为对北宋“满幅”传统的突破，体现了宋人内敛而深邃的审美情趣。 第三卷：文人入主——元代的水墨革命与精神自足 元代是中国绘画史上的一个关键转折点。本书将“文人画”的兴起置于特定的政治与社会背景下考察，论述了士大夫阶层如何将诗、书、画融为一体，形成独特的“书卷气”。 重点解析了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术成就，他们如何通过对笔墨语言的解放，摆脱了对色彩的依赖，将皴法、点苔提升到哲学思辨的高度。倪瓒的“平淡天真”与黄公望的“墨分五色”，被视为水墨语言体系成熟的标志。 第四卷：笔墨新境——明清的地域流派与技法深化 明清时期，绘画呈现出前所未有的繁荣与分化。本卷将重点放在“地域画派”与“复古与创新”的张力之上。 明代： 详细探讨了以董其昌为核心的“松江派”如何整合元代文人画的资源，提出“南北宗论”对后世中国画批评体系产生的巨大影响。同时，对以唐寅、仇英为代表的“吴门画派”在青绿山水和界画领域的精湛技艺也有专述。 清代： 关注“四王”对传统程式的继承与集大成，以及“金陵画派”、“扬州八怪”等地方势力对传统规范的反叛与突破。尤为强调石涛的“一画论”及其对笔墨本体性的强调，为走向现代奠定了思想基础。 第五卷：媒介与哲学——中国画的核心理论探析 本卷超越了对具体作品的描摹，转而深入探讨中国画背后的哲学支撑与媒介特性。 “气韵生动”的哲学探源： 探讨了道家“气”的观念、儒家“中和”思想如何内化为绘画的审美标准。 笔墨本体论： 系统阐释了“用笔”与“墨法”的关系，区分了干笔、湿笔、飞白等技法的精神意涵，强调了线在造型与抒情中的双重作用。 诗书画印的合一： 分析了中国画的综合艺术特性，探讨了书法入画对画面结构、节奏感与意境营造的决定性作用。 第六卷：跨界与交融——近现代的转型与全球视野 本卷聚焦于近代中国绘画所面临的西学东渐挑战。分析了如何应对焦点透视、解剖学等西方写实技法的冲击。重点研究了齐白石、张大千、徐悲鸿等大师在继承传统（如齐白石对民间艺术的吸收、张大千对敦煌壁画的临摹）与探索创新上的实践路径，展示了中国画如何在全球化语境下实现自我革新与现代性转换。 本书特色总结 本书的编撰团队汇集了不同学科背景的专家，确保了内容的学术严谨性与艺术鉴赏的深度。全书配有数百幅高清的经典画作高清复制品（非传统技法谱式的简单图解），并辅以详尽的图例分析，旨在为读者提供一个全面、立体、充满洞察力的中国绘画艺术史叙事。它关注的是“如何看”和“为何这样画”，而非简单地教授“如何画特定主题”。

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翻阅这本书的过程，就像是与古人进行了一场跨越时空的对话。我发现了一个很有趣的现象，那些被后世推崇备至的“大家”，他们早期的作品往往更趋于写实和模仿，而随着阅历的增长，他们的画风才逐渐转向了更加内敛和个人化的表达。这本画谱似乎无意中捕捉到了这种“成长轨迹”。在收录的一些早期或学徒期的作品中，我们可以看到画家们是如何一丝不苟地去勾勒花瓣的脉络，如何精确地把握禽鸟羽毛的层次，那种近乎“工匠精神”的投入是惊人的。但到了后面，同样的题材，比如画一枝兰花，可能只用了寥寥数笔，但那“气韵生动”的感觉却扑面而来。我甚至能从中读出画家当时的心境：或许是仕途不顺的落寞，或许是归隐田园的欣喜。这种从技法到心境的演变，对于想在艺术道路上有所追求的人来说，是比学习任何单项技巧都宝贵的东西。它告诉我们，技法是基础，但唯有将自我融入笔端，才能真正达到“出神入化”。

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这本书的装帧和印刷质量，作为一本面向大众普及的画谱，表现得相当令人满意。毕竟古代的画作，很多都是以卷轴形式流传，色彩的还原度、线条的清晰度，直接决定了学习者能否正确理解原作的神韵。荣宝斋这次的处理，很好地平衡了“保护原作的微妙层次”与“保证清晰的学习参照”之间的关系。我尤其赞赏他们对于一些浅绛山水风格的花鸟画的处理，那些淡淡的赭石和花青的渲染，在纸张的纹理上产生的微妙变化，通过高清印刷得到了很好的保留。对比我以前收藏的一些影印本，这本书在墨色的黑白灰层次过渡上更为细腻，没有出现那种生硬的断层感。这使得即便是那些以水墨为主，极少用色的作品，也能展现出极强的立体感和空间感。总而言之，从一个学习者的角度来看，它提供的视觉材料是可靠、高质量的，真正做到了让后学者能够安全地“临摹”古人的笔意，而不用担心印刷错误带来的理解偏差。这是一套值得反复翻阅、时常摩挲的工具书。

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坦白说，作为一名业余的书法爱好者，我对画谱中那些墨韵的探讨远超过色彩的欣赏。这册《花鸟》的精妙之处在于，它没有刻意去讲解那些繁复的技法口诀，而是通过大量的范例，让读者自己去“悟”。比如画竹叶，有黄山樵的“一笔知向背”，有文徵明的“中锋侧锋并用”，这本册子里的选例，就把这些看似矛盾的技法融汇一处。我特别留意了那些画水禽的作品，尤其是描绘芦苇荡和水面的部分。水墨的晕染，那如何让墨色在宣纸上自然地洇开，形成水汽弥漫的效果，是最大的看点。有些作品对水面的处理极其克制，仅仅是用干笔扫出几道淡墨的皴擦，就已经有了涟漪的动感；而另一些则大胆运用宿墨，层层叠加，营造出深潭幽静的氛围。这种对“墨分五色”的极致运用，让我深刻体会到，中国画的魅力，很多时候并不在于“画了什么”，而在于“怎么去画”——如何让水墨的物理特性，承载起丰富的情感和空间层次。这比任何枯燥的教学文字都要直观有效得多。

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这部《荣宝斋画谱.古代部分.51.花鸟》的画册，说实话，我拿到手的时候，内心是既期待又有些忐忑的。期待的是荣宝斋这个金字招牌，自然不用多言，它所代表的，是几代中国艺术的精华与沉淀。而忐忑，则在于“花鸟”这个题材，实在太过于庞杂和常见。如何在浩如烟海的古代花鸟画中，挑选出这“51辑”的精品，难度可想而知。 当我翻开第一页，首先映入眼帘的是宋代院体的工笔重彩。那描摹的精细程度，简直令人叹为观止，仿佛能闻到花瓣上清晨的露水味。但有趣的是，这辑收录的并非全是那些耳熟能详的大师之作，其中穿插了不少“无名氏”的作品。这些作品虽然名气不大，却展现了宋代宫廷画院之外，民间或者文人阶层对自然观察的细腻入微。比如有一幅画，画的是一枝枯梅探入一小方竹篓，墨色浓淡干湿的变化，用笔的提按顿挫，比起那些装裱精美的巨制，更有一种“生活气”。它不追求气势磅礴，而是着重于那一刻的静谧和写意。这种选材的“民间视角”，让整本画谱的厚重感不再那么高高在上，而是变得亲切起来，像是从老先生的画稿堆里随意抽出的一本速写集，充满了烟火气和鲜活的生命力。我尤其喜欢其中一幅描绘秋蝉脱壳的图，那蝉翼的透明感和刚蜕下时的那种脆弱，被画家捕捉得淋漓尽致，这种对生命瞬间的凝视，是任何高谈阔论都无法替代的。

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这本画册的编排逻辑，初看之下似乎有些跳跃，但细细品味后，我发现它更像是一部按“意境”而非“朝代”或“风格”来划分的视觉交响乐。它不是教科书，它更像是一场精心策划的展览。比如，某一页还沉浸在唐代画的雍容华贵和线条的遒劲有力中，下一页立刻转入了元代文人画的清淡疏朗和笔墨的自我抒发。这种强烈的对比，反而凸显了不同时代画家们在面对“花鸟”这一永恒主题时，内心世界的巨大差异。我记得有一组并置的画作，一幅是工笔的牡丹，富贵逼人，设色艳丽，仿佛能闻到脂粉香；而紧接着的，是一幅水墨写意的芙蓉，几笔淡墨勾勒出花瓣的轻盈和枝干的傲骨，甚至有些松散的笔触，却透着一股超然物外的仙气。这种并置，并非为了比较高下，而是让观者在不同审美体系中自由切换，去体会“写实”与“写意”的辩证统一。对于我们这些在电脑屏幕前看惯了统一滤镜的人来说，这种来自古代的、不同个体灵魂的碰撞，实在是一种久违的艺术洗礼。它逼着你去思考，同样是画花鸟，为什么不同的人，画出的就不是同一个世界。

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突然意识到原来毛笔自带明暗的，好神奇。

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