戏曲本质论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:南京大学出版社

作者:吕效平

出品人:

页数:373

译者:

出版时间:2003-9

价格:22.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787305040658

丛书系列:南京大学博士文丛

图书标签:

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《东方之韵：戏曲艺术的流变与创新》 图书简介 《东方之韵：戏曲艺术的流变与创新》 是一部深度聚焦于中国戏曲发展脉络、艺术特征及当代生命力的学术专著。本书旨在超越传统戏曲史的线性叙述，以跨学科的视角，剖析戏曲艺术在不同历史阶段如何回应社会变迁，如何在审美观念的冲突与融合中实现自身的嬗变与超越。全书结构严谨，论证充分，力求为读者构建一个立体、丰满的戏曲艺术图景。 第一部分：溯源与奠基——古典戏曲的审美构建 本部分首先追溯了中国戏曲艺术的萌芽与早期形态，从汉代的角抵、唐代的参军戏，直至宋元的南戏和元杂剧的成熟。重点探讨了元杂剧作为中国古典戏曲的第一个高峰期，其“一剧之本”的文学性、套曲体制的音乐结构，以及科班制度对早期表演规范的奠定作用。 文学性与叙事结构： 深入分析了关汉卿、白朴、马致远等大家作品中蕴含的民间叙事传统和士大夫阶层的审美趣味。讨论了“正末”“正旦”等行当雏形在早期剧目中的角色功能与演唱特点。 音乐的早期形态： 考察了板式、曲牌在构建戏剧情绪张力中的作用，阐述了“唱、做、念、打”四功初步分化的内在逻辑。 “假定性”表演的雏形： 分析了在舞台物质条件相对简陋的背景下，戏曲表演如何依靠高度程式化的动作和象征性的道具来完成空间转换和时间流逝的表达，奠定了其独特的写意美学基础。 第二部分：繁荣与定型——明清传奇的精致化 明清时期，昆山腔的兴盛与“花部”地方戏的崛起，标志着戏曲艺术进入了一个精雕细琢的阶段。本部分详尽考察了以汤显祖、孔尚任、洪昇为代表的文人戏对人情世态的细腻描摹，以及地方戏曲在市井文化中的蓬勃生命力。 昆曲的典雅化： 重点剖析了“水磨腔”的音乐特征——其婉转细腻的唱腔如何服务于表达复杂、幽微的内心世界，尤其是对女性角色（如杜丽娘）的心理刻画。同时，探讨了昆曲在服饰、扮相等方面的规范化对后世戏曲美学的影响。 地方戏的勃兴与竞争： 详细对比了弋阳腔、梆子腔等“花部”声腔的地域特色及其在民间传播中的优势。分析了地方戏如何通过更富于生命力的锣鼓点和更接地气的表演方式，实现了与昆曲的审美互补乃至对峙。 舞台表演的细化： 这一时期，行当的划分愈发明确，武生、花脸等行当的技艺开始独立发展。本书探讨了这些技术细节如何共同服务于“载歌载舞”的综合艺术追求。 第三部分：变革与挑战——近代戏曲的转型之路 晚清至民国时期，社会结构剧变，西方文化思潮涌入，戏曲艺术面临前所未有的生存危机。本部分聚焦于戏曲如何在新旧交替的洪流中寻求突围。 “新戏”的探索： 考察了改良戏的诞生及其对传统剧目、表演模式的冲击。分析了引入话剧元素（如布景、幕间休息、集体亮相）在形式层面带来的创新与争议。 程长庚与京剧的形成： 集中研究了以程长庚为代表的艺人，如何融合徽调、汉调等多种声腔，通过对“生、旦、净、丑”四大行当的系统整合，最终形成了以京剧为代表的“国剧”体系。本书认为，京剧的成功在于它实现了声腔、板式、表演技巧的“集大成”与高度平衡。 剧作家的责任： 分析了欧阳予倩、田汉等进步作家在这一时期对传统戏曲内容进行现代化转译的努力，探讨了现实主义题材如何被纳入戏曲的表现范畴。 第四部分：重塑与传承——当代戏曲的生存美学 本书的最后一部分，将目光投向新中国成立后至今的戏曲发展。探讨了在新的意识形态要求下，戏曲艺术如何经历“革命化”的改造，以及在市场经济时代，如何保持其独特艺术魅力的过程。 样板戏的艺术实践： 深入剖析了京剧现代戏（样板戏）的创作理念，特别是其在“三并重”（思想性、艺术性、政治性）指导下，如何将写意表演与写实叙事相结合，以及对唱腔板式的颠覆性创新。 地方戏的抢救与挖掘： 考察了在国家层面推动的“抢救、挖掘、整理”工作对濒危剧种的保护作用，并对比了不同剧种（如川剧的变脸绝技、越剧的抒情性）在当代舞台上展现的差异化生存策略。 当代创新与未来趋势： 关注当代青年艺术家在传统框架内进行的“微创新”，例如对传统服装色彩的现代化运用、对锣鼓点的节奏重构，以及实验性剧场对戏曲空间和时间观念的解构。本书总结了当代戏曲面临的观众结构老化、人才断层等挑战，并提出在保持“内核”不变的前提下，实现艺术形态的持续性呼吸与生长的可能性路径。 结语 《东方之韵：戏曲艺术的流变与创新》不仅是梳理历史的梳理，更是对一种复杂、综合艺术生命体的深度洞察。它试图揭示，无论外部环境如何变迁，戏曲艺术始终依靠其高度凝练的舞台语言和深植于民族文化血脉中的审美情趣，持续散发着独特的东方魅力。本书献给所有对中国古典表演艺术怀抱热忱与探究精神的学者、艺术家和爱好者。

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我不得不说，这本书在叙事结构上的创新让人耳目一新，它完全跳脱了我们通常对“理论研究”的刻板印象，而选择了一种近乎散文诗的笔调来展开。虽然我期望能在其中找到关于戏曲“本质”的系统性论述，但作者显然更倾向于用充满画面感的语言来构建一个关于“戏”的意境。这种处理方式，让那些原本可能枯燥的艺术元素变得鲜活起来，比如对于“水袖”的描摹，细致到几乎能感受到布料在空中划过的轨迹和留下的余韵。它更像是一本“观戏札记”的高阶版本，记录了作者在不同剧目、不同剧场中的所思所感。整体氛围是内敛而深沉的，带着一种老派文人的风骨，即便是描绘最热闹的场景，也总能捕捉到那一丝不易察觉的苍凉与宿命感，读起来是一种很沉静的享受，虽然理论的干货少了些，但艺术的感染力却是实打实的。

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这部作品的文字功底实在令人惊叹，作者的笔触细腻而有力，仿佛能将读者直接拉入那个光怪陆离的戏曲世界。虽然我手中的这本书并未涉及戏曲的本体论探讨，但它所描绘的舞台景象、人物命运的跌宕起伏，以及对传统艺术形式的深情致敬，都让我感受到了作者对这一领域的深刻理解和热爱。叙事节奏的把握堪称一绝，时而如春风拂面般舒缓，时而又似惊涛拍岸般激昂，完美契合了戏曲艺术的张弛有度。特别是对传统戏曲行当的刻画，人物性格跃然纸上，每一个眼神、每一个手势都充满了故事感。阅读过程中，我不断地被那些跨越时空的审美体验所震撼，那种穿越古今、直抵人心的艺术魅力，即使没有理论的支撑，也足以让人沉醉其中，流连忘返。这本书更像是一部艺术家的心路历程，充满了对舞台的敬畏与迷恋，读完后，心中久久不能平静，对中国传统戏曲的理解也因此增添了许多感性的色彩。

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这本书的阅读体验是极其独特的，它仿佛是一部没有具体情节主线的电影剧本，每一章都可以看作是对某一特定舞台瞬间的慢镜头回放和深度剖析。作者对于舞台灯光、服饰色彩乃至演员气息的捕捉能力，简直达到了令人咋舌的地步，我能真切地体会到那种“此时无声胜有声”的张力。遗憾的是，作为一本名为“本质论”的书籍，它在结构上显得过于松散和个人化，缺少了对戏曲历史脉络或结构要素的系统梳理，更像是作者在艺术长廊中信步而行的记录。这种松散感使得信息密度不高，但换个角度看，也让每一次翻阅都像是在进行一次随机的、充满惊喜的艺术发现之旅，读到的是点而非线，是光而非形，非常适合在心灵疲惫时用来调剂。

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这本书的语言风格可以说是极其鲜明，带着一种强烈的个人印记，仿佛每一个词句都经过了反复的锤炼，力求达到一种音韵上的和谐与美感。我原以为会读到严谨的逻辑推演和清晰的定义划分，但实际上，作者更像是在用一种近乎哲学的冥想方式，探讨人与角色、舞台与现实之间的关系。他并不急于给出一个“本质”的答案，而是通过一系列的隐喻和对比，引导读者自行去感受和构建属于自己的理解框架。这种“不把话说透”的写法，对于追求明确结论的读者来说或许会有些许困扰，但对于热爱文学性和思辨性的群体而言，无疑是一场盛宴。读罢全书，我感受到的是一种由文字构建起来的、流动且模糊的艺术边界，它挑战了既有的认知，虽然偏离了最初的理论期待，却在精神层面带来了意想不到的丰盈。

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不得不提的是，作者对传统戏曲所蕴含的“时间观”的理解，简直是神来之笔。他并非从传统的历史时间线去梳理，而是着墨于舞台上“当下”的永恒性，那种一瞬间的凝固与超越。虽然书中没有直接触及“本质”的定义性阐述，但这种对“此时此刻”表演力量的聚焦，实际上已经隐晦地触及了艺术存在的基石。通篇洋溢着一种对传统表演语汇的深情回望，文字的密度非常高，每一句都可能蕴含着需要反复咀嚼才能体会的弦外之音。这种深邃感要求读者必须心无旁骛地投入，去解码作者精心编织的词句迷宫。总体而言，这是一部更偏向于艺术评论和审美哲学的佳作，其价值在于唤醒读者对表演艺术的敏感度，而非提供一套清晰的理论模型。

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这么多天来终于看到有所突破的论著。古代文学是否真的可以找到合适的西方理论支撑？

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视角挺新。

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