二十四孝书画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:福建美术出版社

作者:王素

出品人:

页数:49

译者:

出版时间:2004-5

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787539313610

丛书系列:

图书标签:

• 二十四孝
• 孝道
• 传统文化
• 书画
• 绘画
• 中国传统文化
• 伦理道德
• 礼仪
• 经典
• 故事

《宋代文人山水画的演变与审美趣味研究》 摘要 本书旨在深入探讨宋代（960-1279年）中国山水画在思想文化、社会结构和艺术技法等多元因素的交互作用下所经历的复杂演变历程，并系统梳理和剖析当时文人士大夫阶层所形成的山水画审美取向及其背后的哲学意蕴。宋代是中国绘画史上承前启后的关键时期，山水画从早期的“格物穷理”的写实探索，逐步转向对主体精神、个人性情的表达，最终确立了“以形写神”的文人画核心理念。本书将重点分析北宋李成、范宽、郭熙等巨匠如何通过对自然物象的精微观察与主观情感的融入，构建出雄伟壮阔或空灵静谧的“可游、可观、可居”的理想山水世界。同时，对南宋院体画的细腻与程式化趋势，以及以苏轼、米芾为代表的“尚意”书画思潮进行对比研究，揭示不同画派之间在艺术追求和时代精神上的张力与融合。通过对大量传世名作的细致考证与图像学分析，本书试图还原一个立体的、充满内在生命力的宋代山水画全景图，阐释其对后世（尤其是元代及以后的水墨画传统）所产生的深远影响。 第一章 绪论：宋代山水画研究的时代背景与学术价值 本章首先界定宋代绘画史的地理范围与时间段落，并概述其在整体中国艺术史中的核心地位。宋代，特别是北宋，是一个文化高度繁荣的时代，理学兴起，市民阶层扩大，印刷术的普及促进了艺术思想的传播。山水画，作为“诗中有画，画中有诗”的载体，其地位在官方和民间均得到空前提高。 1.1 时代思潮：理学对“格物”与“致知”的影响 1.2 图像学的介入：山水画作为士人精神寄托的社会功能 1.3 研究现状回顾与本书的切入点：超越风格描述，探讨审美形而上学 第二章 北宋初期：从“写实”到“界画”的技法确立（960-1050年） 本章聚焦于北宋前期山水画的奠基阶段。这一时期画家致力于对自然山川的精确再现，强调尺度感和空间的深邃性。 2.1 李成的“寒林平远”风格及其对北方山水的影响：侧重于皴法与墨色的开创性实验。 2.2 荆浩、关仝的“斧劈皴”与气势磅礴的北方山形：探讨雄奇山水背后的潜在威胁感。 2.3 院体画的初现：徽宗时期“格物致知”在细节描绘上的体现，以及界画在宫廷建筑场景中的应用。 第三章 范宽与郭熙：主体性精神在山水中的确立与深化 这是本书的核心分析部分，聚焦于北宋中后期的两位巨匠，探讨山水画如何从单纯的客观再现转向主观精神的投射。 3.1 范宽：《溪山行旅图》的“三远法”再解读：重点分析其近景的厚重感与中景的迷茫感如何构建出“仰视”的崇高体验。 3.2 郭熙的“可行、可望、可游、可居”理论阐述：解析其山水画中的动态空间处理与“神完气足”的审美标准。 3.3 论“气”的概念在宋代山水画中的物质化表现：探讨湿润墨色与苍茫气氛如何体现万物有灵的宇宙观。 第四章 尚意之风：苏轼与米芾对文人画的理论重塑 本章将视角转向文人阶层内部的审美革命，探讨以苏轼为代表的书画理论如何挑战院体的“形似”标准。 4.1 苏轼的“论画”思想：“论气韵生动”的内化与对“拙”的推崇。 4.2 米芾的“刷字皴”与“墨戏”的兴起：分析其父子“米家山水”对笔墨自身表现力的解放，以及对偶然性的审美接纳。 4.3 文人画的“非功利性”：探讨宋代士大夫阶层通过山水画实现自我隔离与精神自由的文化动机。 第五章 南渡之后：院体的精致化与“意境”的程式化 南宋时期，宫廷对山水画的品味转向更加精细、内敛。本章将对比分析南宋院体（如李唐、刘松年）与文人画（如马远、夏圭）在审美上的差异。 5.1 李唐的“斧劈皴”在南宋的继承与变形：从雄伟到险峻的过渡。 5.2 马远与夏圭的“边角式”构图与“一角两边”的意境营造：分析留白（计白当黑）在营造空寂感中的作用。 5.3 院体与文人画的张力：探讨偏安一隅的时代情绪如何影响了山水画中的“隐逸”主题。 第六章 结论：宋代山水画的遗产与后世影响 本书总结了宋代山水画在技法成熟、观念转型方面取得的成就，并强调其对元代“元四家”水墨传统的奠基作用。宋代确立的写意精神，成为此后中国艺术批评和创作的基石。 参考文献（略） 图录（略）

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从艺术史的角度来看，这部《二十四孝书画》无疑是一部相当值得收藏的作品集。它的绘画风格跨越了明显的流派界限，似乎糅合了明清之际的一些民间版画的粗犷力量，又吸收了晚唐五代山水画中的写意精髓。这种杂糅并非简单的拼凑，而是形成了一种独特的“叙事写意”风格。例如，在表现“扼竹救亲”时，竹林的密集与人物的挣扎形成了强烈的视觉对比，画者用干笔皴擦出竹叶的尖锐和寒冷，与人物裸露的手臂形成了温度上的对撞。更令人称奇的是，部分篇章似乎采用了类似敦煌壁画中的“散点透视”，使得同一画面中可以同时展现不同时间段的动作或情节，这极大地增强了故事的叙事密度和信息量，使得读者在短时间内能够捕捉到比单一视点更丰富的信息流。我甚至花了好长时间去辨认那些几乎融入背景的题款印章的风格，它们本身也构成了一套微型的篆刻艺术鉴赏。

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拿到这本书时，我最先关注的是它对传统故事的“再诠释”维度。很多我们耳熟能详的孝行故事，比如“卧冰求鲤”，往往被定格在教科书式的僵硬画面中，缺乏生命力和情感的张力。然而，这套书画作品却成功地在传统框架内找到了新的表达支点。我特别欣赏其中几幅对场景光影的处理，例如描绘“扇枕温衾”的场景时，画家运用了极其微妙的室内光源，那烛火的微光似乎只能勉强照亮床榻一角，将周遭的黑暗衬托得愈发深邃，暗示了深夜劳作的艰辛与不易，这种对环境气氛的烘托，远比单纯的叙事性描绘要高明得多。它没有过度渲染戏剧冲突，而是选择了一种更内敛、更具生活气息的方式去触动人心，仿佛透过这些画作，我能听到寒夜中轻微的呼吸声和扇子拂动空气的沙沙声，这种沉浸感是很多现代的“大制作”插画都无法企及的。它让我开始重新审视这些古老的美德，思考其在当今社会语境下的价值与形态。

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这部《二十四孝书画》的装帧设计着实令人眼前一亮，皮革的纹理散发着一种古典而沉稳的气息，装订处仿佛能听到匠人手工打磨的细微回响。我原本以为这只是一本简单的图册，没想到内页的纸张选取也颇为考究，那种略带粗粝感的宣纸质地，使得墨色的渲染层次极为丰富，即便是最浅淡的晕染，也能在光线下呈现出微妙的肌理变化。特别是“尝粪忧心”那一页，画家对人物神态的刻画入木三分，那份强忍的哀伤与无奈，透过浓淡相宜的笔触，直接撞击着观者的内心深处，让我不禁沉思，在那个时代，孝道的极致究竟是何种复杂的心理构成。我试着将它平摊在书桌上，书脊的韧性很好，没有那种新书惯有的“反弹”，让人可以安心地细细品味每一幅画作的细节，比如画中人物衣袂的飘动，或是背景中松树虬曲的枝干，每一个细节都透露出作者对传统绘画语言的深刻理解和敬畏。这不仅仅是绘画的集合，更像是一次对古代伦理精神的视觉考古，值得反复摩挲。

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对于一位注重文化传承的读者而言，这本书的价值还在于其对细节的考据和保留。这套画作在服饰和器物上的描摹，堪称一丝不苟，展现了作者对历史细节的尊重。比如，在“弃明投效”那样一个相对不那么为人熟知的孝行故事中，画师对于当时士大夫阶层的袍服形制、头巾的系法，甚至连放置文具的小几的样式，都保持了高度的真实性，这远超了一般故事画集流于表面的敷衍。这种对“物”的精确把握，间接支撑了“人”的行为逻辑，使得整个故事的背景环境显得无比坚实可信。阅读过程中，我忍不住会去查证一些画中出现的家具和工具的原型，发现作者的功力远不止于表面描摹。这使得这本书成了一本集历史风俗、服饰文化和绘画艺术于一体的综合性读物，对于希望通过直观图像了解古代生活细节的人来说，简直是意外的宝藏。

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这本书的装帧布局和文字排版给我留下了深刻的印象，它体现了一种对传统阅读体验的深切怀念与创新结合。每一幅图画的左右两侧或下方，都配有极其精炼的文字说明，但这些文字的字体选择非常讲究，采用了宋体与行楷的巧妙混用，使得阅读的节奏感极佳，既不会因为过于古老的字体而产生阅读疲劳，又保持了文本的庄重感。最巧妙的是，作者在一些画面的空白处，用极其淡雅的墨色绘制了一些极简的写意小品——可能是一只停歇的飞鸟，或是一片远山——这些“留白”的处理，起到了极好的呼吸点作用，让眼睛得以从复杂的人物场景中抽离出来，稍作缓冲，然后再投入下一幅画作的审视。这种对视觉节奏的精细控制，体现了编者对“阅读体验”这一整体概念的深度思考，而不是简单地将图文堆砌。读完最后一页，合上书本时，产生的那种宁静而充实的满足感，是近期阅读中最为难得的体验。

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