素描

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出版者:中国建筑
作者:周若兰等编
出品人:
页数:166
译者:
出版时间:2004-1
价格:29.00元
装帧:
isbn号码:9787112061280
丛书系列:高等学校建筑美术系列教材
图书标签:
  • 建筑
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具体描述

本书主要内容包括:结构素描、明暗表现能力训练、质感的描绘、室内环境写生、建筑与风景写生、表现素描及鉴赏等。本书结合建筑类专业素描教学的特点,加强结构素描,强调理解规律,从最基本的也是最重要的基础知识入手,通过对较简单的物体写生开始,进行严格训练,循序渐进,举一反三。这次修订,还增加了一章表现性素描,惟拓宽学生创造性思维,丰富造型语言和艺术想象力。书中所安排的训练内容与本专业紧密相关,内容丰富,系统严谨,尤其鉴赏分析的点评文字,点出实质,对学生学习很有帮助。

作者简介

目录信息

第一章 结构素描 第一节 几何模型写生 一、透视规律 二、线条练习 三、画好立方体 四、各种类型的几何模型写生 五、基本形体的切割与重组 六、多个几何模型组合写生 第二节 静物结构素描 一、房屋模型写生 二、各种玻璃器皿写生 三、电话机、信号灯组合写生 四、静物结构素描图例第二章 明暗表现能力训练 第一节 明暗变化规律 一、三大面五调子 二、影响物体各个面明暗强弱变化的因素 三、明暗素描的关键 第二节 明暗素描的基本表现手法之一——排线 第三节 明暗素描的作画步骤 一、画立方体 二、画圆柱体 三、画圆球体 四、多个几何形体组合的明暗素描 五、明暗素描中易产生的弊病 第四节 画面的处理 第五节 画面气氛的表达 一、光源位置对画面气氛、意境的影响 二、光源强弱对气氛、意境表达的影响 三、物体固有色对画面气氛、意境的影响 第六节 静物构图 一、主体突出 二、画面均衡 三、对比呼应第三章 质感的描绘 第一节 表现质感的要点 第二节 不同质感的描绘 一、陶瓦器 二、瓷器 三、玻璃器皿 四、纺织品 五、金属 六、竹、篾、藤等编织制品 七、皮制品附录 石膏头像写生 一、亚历山大切面像 二、摩西面像 三、素描石膏面像 四、石膏头像结构素描例图第四章 室内环境写生 第一节 某楼大厅写生 第二节 客厅一角写生第五章 建筑风景写生 第一节 建筑风景写生表现形式 一、明暗调子的表现方法 二、线面结合的表现方法 三、线描的表现方法 四、速写的表现方法 第二节 建筑局部写生 一、门 二、窗 三、柱 四、台阶 五、砖墙 六、石墙与虎皮墙 七、瓦 第三节 树木写生 一、悬铃木 二、槐树 三、棕榈树 四、芭蕉树 五、雪松 六、柳树 第四节 天空、地面、水面 一、天空 二、地面 三、水面 第五节 建筑及其环境写生 一、建筑风景写生的方法与步骤 二、案例第六章 表现素描第七章 鉴赏 一、静物素描 二、建筑风景素描 三、表现素描
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我通常对那些动辄谈论“艺术的本质”或“灵魂的表达”的书籍持保留态度,但《素描》这本书却以一种异常坚实、近乎工程学的严谨性,为我构建了一个扎实的审美基础。它的叙事方式非常清晰且具有逻辑层次,从最基础的排线力度控制,到复杂的多光源照明下的体块关系处理,每一步都像是在搭建一座精密的结构。作者似乎很了解初学者在面对“立体感”时的那种无助和困惑,因此他花了大量的篇幅去剖析“透视”是如何影响我们对空间的感知。我特别喜欢其中关于“负空间”的讨论,这完全颠覆了我过去只关注主体轮廓的习惯。作者巧妙地指出,我们画的往往不是物体本身,而是物体周围的空间被挤压、被界定的样子。这种逆向思维的引导,极大地拓宽了我的视野,让我的线条不再是僵硬的边界,而是与周围环境相互渗透的动态关系。这本书的价值不在于教你“画什么”,而在于教你“如何去看”,它像一把钥匙,打开了观察世界的一扇全新的窗户,让原本平面的信息变得立体而丰满。

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这本书读起来,有一种特别朴实的年代感和人情味。作者的语言风格非常口语化,就像一位经验老到的师傅,坐在你身边,边喝茶边给你传授几十年的心得。他很少使用那些高高在上的理论术语,即便是介绍复杂的解剖结构,也是用非常接地气的方式来比喻和解释。比如,他描述人物手臂的骨骼走向时,会联想到建筑中的承重梁和连接件,这种跨领域的联想,让原本枯燥的解剖学变得生动有趣,极易被大脑吸收和记忆。书中穿插了一些作者早期的失败作品和后期的成熟作品对比,这种坦诚和自嘲,让读者感到非常亲切,也极大地增强了阅读的代入感。我们不再是仰望一个完美无瑕的“大师”,而是跟随一个和我们一样,经历过无数次挫折和自我怀疑的同行者。正是这种真诚的分享,让我更有勇气去面对自己练习中的不足,并且相信只要坚持正确的方向,蜕变是必然的。它更像是一本“心法秘籍”,而非简单的“招式大全”。

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我一直认为,优秀的素描书应该像一把多功能瑞士军刀,既要锋利实用,又要涵盖多种用途。《素描》这本书完美地做到了这一点。它不仅涵盖了静物和人像的基础训练,更难得的是,它还拓展到了对动态场景和氛围的捕捉技巧。作者在讲解“速写”部分时,那种对瞬间形态的捕捉能力,以及如何用最少的线条表达出物体运动的惯性与重量感,简直是教科书级别的示范。他强调的“一笔中的意图”,要求我们每一次落笔都要有明确的目的性,避免无效的涂抹和犹豫。此外,书中对“材质”的表现力分析也极其细致,比如如何通过线条的疏密和边缘的虚实来区分金属的光滑、布料的柔软和石头的粗粝,这为我后期的色彩练习打下了坚实的基础。这本书的整体结构像是一张由浅入深、环环相扣的网,每一个章节都是一个必需的结点,缺一不可。它不仅是工具书,更像是一位耐心的导师,陪伴学习者从最初的摸索,一步步走向对视觉表达的深刻理解和自信掌控。

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说实话,这本书的装帧和印刷质量是我最先注意到的。拿到手中时,那种略带粗粝感的纸张触感,和印制出来的墨色层次,就透露出一种匠心独属的质感,这本身就是对“素描”这门手艺的尊重。内容上,作者对“明暗交界线”的论述,简直是教科书级别的精辟。他没有用模糊不清的形容词,而是通过一系列精确的灰阶图例,直观地展示了不同材质物体在同一光照条件下的受光差异。这对于我这种对灰调把握不准的人来说,简直是醍醐灌顶。特别是书中对“环境光”和“反射光”的区分,非常到位。我以前总以为阴影就是一片死黑,但读完后才明白,真正的暗部充满了来自四周环境的反光,它们是构成体积感不可或缺的“生命线”。这本书的编排方式很注重实践反馈,很多章节后面都附带了“自检清单”,促使读者在学完理论后立刻对照自己的练习进行纠错,这种强烈的互动性,使得学习过程高效且充满乐趣,而不是沦为单向的知识灌输。

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这本《素描》的开篇,一下子就将我带入了一个由线条和光影构筑的奇妙世界。作者对于观察事物的细致入微,简直让人叹为观止。他似乎拥有一种魔力,能将最平凡的日常景象,通过他独特的笔触,赋予全新的生命力。比如,书中对一个老旧木椅的描绘,那木纹的粗粝感、油漆剥落的层次感,以及光线落在其上形成的微妙阴影,都被刻画得淋漓尽致。读起来,我仿佛能触摸到那冰冷的木头,闻到空气中弥漫的微尘气息。更让我惊艳的是,作者在讲解基本功时,并没有采用枯燥的说教方式,而是结合大量的实例和自己的创作心路历程。他对于“形体结构”的理解,绝非停留在几何学的范畴,而是深入到物体内部的逻辑和支撑。这种深入浅出的讲解,对于我这种自学成癖的爱好者来说,简直是如获至宝。每一页的排版都精心设计,留白恰到好处,使得原本密集的技法讲解也变得赏心悦目,让人愿意沉下心去细细品味每一个转折和强调。看完前几章,我立刻就想拿起笔,去重新审视我身边的一切,那种重塑世界观的冲击力,是很多厚重的理论书籍都无法企及的。

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