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出版者:漢光文化事業股份有限公司

作者:烏塔•哈根

出品人:

页数:237

译者:胡因夢

出版时间:2002-7-1

价格:250新臺幣

装帧:

isbn号码:9789576291166

丛书系列:

图书标签:

• 表演
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《剧场之魂：从剧本到舞台的生命之旅》 序言 光线暗下，喧嚣退去，空气中弥漫着一种难以言喻的期待。此刻，我们与剧场同在。舞台，不仅仅是一块木板，它是思想的熔炉，情感的释放，是人类集体想象力最壮丽的殿堂。从远古的篝火旁吟唱的神话，到古希腊的悲喜剧，再到莎士比亚的煌煌巨著，直至今日千变万化、触及灵魂的当代戏剧，表演艺术始终以其独特的方式，捕捉人类的经验，反思社会的变迁，探索存在的意义。 《剧场之魂》并非一本冰冷的理论汇编，也不是一本浅尝辄止的艺术史梳理。它是一场深入剧场肌理的探索，一次对表演艺术生命力的虔诚致敬。本书试图穿透幕布的帷幔，揭示从一个剧本的诞生，到它在舞台上绽放出璀璨生命力的全过程。我们将一同审视剧本如何成为一部作品的骨骼，导演如何赋予其血肉，演员如何点燃其灵魂，以及舞台设计、灯光、音乐等元素如何共同编织出那令人屏息的戏剧体验。 我们相信，理解表演艺术，不应局限于欣赏最终呈现的成品，更在于洞察其孕育、发展和实现的过程。这个过程充满了挑战、创造、合作与牺牲，也蕴含着无尽的智慧与激情。本书旨在为每一位对剧场怀有好奇、渴望更深层次理解的读者，提供一扇进入表演艺术核心的窗户。 第一章：剧本的胚胎——文字中的无限可能 一部伟大的戏剧，始于一个引人入胜的剧本。剧本是整部作品的根基，是导演、演员、以及所有幕后团队发挥创造力的起点。然而，一个剧本不仅仅是情节和对话的堆砌，它更是思想的载体，情感的容器，以及对人性的深刻洞察。 剧本的起源与演变： 从古代口头传说的叙事，到手抄本的流传，再到印刷术的普及，剧本的形式随着时代而变迁。我们将追溯剧本作为一种独立文学形式的诞生，探讨其在不同历史时期扮演的角色，以及它如何从单纯的记录工具演变成一种具有自身独特美学价值的艺术形式。 剧本的结构与元素： 冲突、人物、情节、主题、对话，这些是构成一个戏剧剧本的基本要素。我们将深入分析这些元素如何相互作用，共同推动故事的发展，塑造人物的形象，并最终传达作者的思想。一个精心设计的冲突，一个立体丰满的人物，一段富有张力的对话，都可能成为点燃观众情感的火种。 剧本的类型与风格： 悲剧的沉重与升华，喜剧的欢愉与讽刺，荒诞剧的疏离与困惑，音乐剧的歌舞与情感交织……不同的剧本类型和风格，为舞台呈现提供了截然不同的可能性。我们将探讨不同类型剧本的特点，分析它们如何通过独特的叙事方式和表达技巧，触及观众的不同层面。 剧本的解读与再创造： 剧本并非一成不变的圣经，而是等待被赋予生命的蓝图。导演和演员在排练过程中，会对剧本进行深入的解读和再创造。理解剧本的潜台词，挖掘人物的内心动机，是打开剧本深层意义的关键。我们将讨论剧本解读的多样性，以及演员如何通过对文本的理解，将二维的文字转化为三维的鲜活生命。 第二章：导演的魔杖——将文字化为景象 导演，是剧场的灵魂工程师。他/她拥有将剧本中的文字转化为具象舞台艺术的魔力，是连接剧本与观众之间的桥梁。导演的工作，是对整个戏剧作品进行整体构思、调度和呈现，确保每一位演员、每一个部门都朝着共同的艺术目标前进。 导演的诞生与职能： 早期戏剧中，导演的概念并非如此清晰。随着戏剧的专业化和复杂化，导演逐渐成为核心的艺术决策者。我们将追溯导演职能的演变，理解其在现代剧场中不可或缺的地位，以及其所承担的艺术责任。 导演的艺术语言： 导演并非仅仅是“指挥官”，他/她拥有一套独特的艺术语言。舞台调度、节奏控制、情感渲染、视觉风格……导演通过这些手段，构建出属于自己理解下的戏剧世界。我们将深入剖析导演如何运用空间、声音、光影等元素，营造出特定的氛围和情绪，引导观众的视线和感受。 排练场的艺术： 排练场是导演施展才华的实验室。在这里，导演与演员共同探索人物的内心世界，打磨台词的韵味，设计肢体语言的表达。这是一个充满碰撞、实验与磨合的过程，是剧本生命力得以释放的关键环节。我们将展现排练场上导演与演员的互动，以及导演如何通过引导和激发，挖掘出演员的最佳表现。 跨越界限的创新： 优秀的导演总是勇于打破常规，进行艺术上的创新。他们可能挑战传统叙事，运用新技术，融合不同艺术形式，从而为观众带来前所未有的戏剧体验。我们将探讨一些具有开创性的导演，以及他们如何通过独特的视角和大胆的尝试，拓展了表演艺术的边界。 第三章：演员的呼吸——赋予角色生命的温度 演员，是剧场的血肉之躯，是承载故事和情感的载体。他们通过身体、声音、情感，将剧本中的人物鲜活地呈现在观众面前，与观众建立起最直接、最深刻的情感连接。 演员的训练与技巧： 成为一名优秀的演员，需要长期的训练和对自身表演技巧的精进。声音的控制、肢体的表达、情感的调度，这些都是演员必须掌握的基本功。我们将探讨演员的专业训练体系，包括斯坦尼斯拉夫斯基体系、梅耶荷德的生物力学等，以及这些训练方法如何帮助演员更好地理解和塑造角色。 角色的创造与共情： 演员并非简单地“扮演”一个角色，而是尝试去“成为”这个角色。这需要深入理解角色的动机、背景、情感，并与之产生共情。我们将探讨演员如何通过角色分析、情景假想等方式，深入挖掘角色的内心世界，并将其转化为富有生命力的表演。 瞬间的爆发与持久的能量： 舞台表演对演员的体力和精力的要求极高。每一场演出，演员都需要全身心地投入，在几个小时内维持角色的状态，并随时准备应对突发情况。我们将讨论演员如何在高度专注的状态下，完成每一次情感的爆发和每一次细节的呈现。 演员的自我修养与职业道德： 演员的职业生涯充满了挑战与不确定性。除了精湛的演技，良好的职业道德、团队合作精神以及持续的学习和反思，同样至关重要。我们将探讨演员在台前幕后的付出，以及他们如何在高压环境下保持专业素养。 第四章：舞台的魔法——营造时空幻境 舞台，是表演艺术的发生地，是连接现实与虚幻的界面。舞台设计、灯光、服装、道具、音乐、音效，这些元素如同幕后的魔法师，共同营造出戏剧所需的特定时空环境，深化主题，烘托情感，提升观众的沉浸感。 舞台设计的诗学： 一个精心设计的舞台，本身就可以讲述故事。它是人物活动的场所，是情感宣泄的背景，更是导演艺术理念的直观体现。我们将探讨不同风格的舞台设计，从写实的场景还原，到象征性的空间构建，以及它们如何影响观众的观看体验。 灯光的叙事与情感： 灯光，是舞台上的“无形之手”。它能够勾勒人物轮廓，塑造空间层次，改变场景的氛围，甚至暗示时间的流逝和人物的情绪变化。我们将分析灯光设计师如何运用光影的明暗、色彩的变化，为戏剧注入情感的深度和视觉的冲击力。 服装与道具的意义： 服装不仅仅是角色的“外衣”，更是其身份、性格、时代背景的象征。道具则在戏剧中扮演着至关重要的角色，它们可能引发剧情，承载情感，或者象征某种概念。我们将探讨服装设计师和道具师如何在细节中赋予角色和场景以生命。 音乐与音效的共鸣： 音乐和音效是舞台的“灵魂之声”。它们能够瞬间调动观众的情绪，渲染戏剧的氛围，引导观众的注意力。从激昂的旋律到细微的环境音，它们与表演相辅相成，共同构建出一个完整的听觉世界。 第五章：观众的呼吸——在共享空间中体验 表演艺术的完成，离不开观众的参与。观众并非被动的接受者，而是构成戏剧体验不可或缺的一部分。在剧场这个特殊的共享空间里，观众与表演者一同呼吸，一同感受，一同完成艺术的传递。 剧场的集体经验： 剧场是一个独特的集体空间。成百上千的观众汇聚一堂，共同分享同一份情感，同一段故事。这种集体观看的体验，具有超越个人观影的感染力和力量。我们将探讨剧场空间如何促成这种集体共鸣。 观众的期待与解读： 观众带着各自的经验、期待和文化背景走进剧场。他们如何解读眼前的景象，如何与角色产生情感连接，都构成了表演艺术的完整体验。我们将分析观众在观看过程中的心理活动，以及他们如何通过自身的想象力，参与到戏剧的创造中。 观众反馈与批评： 观众的掌声、笑声、沉默，甚至是他们的批评，都是对表演艺术的直接反馈。这些反馈不仅影响着剧场工作者的创作，也推动着整个表演艺术生态的健康发展。我们将探讨观众反馈的多样性，以及它在艺术评价体系中的意义。 表演艺术的未来与观众： 随着科技的发展和观众需求的多元化，表演艺术也在不断探索新的表达方式和互动模式。未来的剧场将如何演变？观众在其中又将扮演怎样的角色？我们将对表演艺术的未来进行展望，并强调观众在其中不可替代的地位。 结语 《剧场之魂》的旅程，至此告一段落。我们穿越了剧本的文字，触摸了导演的构思，感受了演员的呼吸，领略了舞台的魔法，并最终回望了观众的目光。表演艺术，是人类情感与智慧的结晶，是关于我们自身最深刻的探索。 剧场，是一个不断生长、不断演变的存在。它既承载着古老的传统，又迸发着当代的活力。希望本书能够为您打开一扇新的视角，让您在未来的每一次观剧体验中，都能更深切地感受到那份直击灵魂的震撼，那份跨越时空的共鸣，以及那份属于“剧场之魂”的永恒魅力。 愿您在剧场中，找到属于自己的触动与启迪。

评分☆☆☆☆☆

20世纪80年代，台湾新电影运动萌芽，演艺圈充满浮夸的繁荣。彼时胡因梦已是当红明星，演完《海滩的一天》后，却陷入了艺术自我的困顿和现世自我的挣扎。 演艺明星被民众贴上”卖淫“、”自大“、”虚荣“、”无情“、”伪善“等标签，传媒热衷制造“床戏”、“脱戏”、“脱星”...

评分☆☆☆☆☆

《喜剧之王》中，周星驰的经典台词，“其实，我是一名演员。” 其实，我们都是演员，只是很多时候，我们没有这种角色意识。当然我读这本书并不是为了成为演员。 深夜里，在纵览完四册《整理的艺术》后，我还睡不着，于是，抓起这本书来读。身为一个知识管理研究者，我对一切的...  

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

《喜剧之王》中，周星驰的经典台词，“其实，我是一名演员。” 其实，我们都是演员，只是很多时候，我们没有这种角色意识。当然我读这本书并不是为了成为演员。 深夜里，在纵览完四册《整理的艺术》后，我还睡不着，于是，抓起这本书来读。身为一个知识管理研究者，我对一切的...  

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《喜剧之王》中，周星驰的经典台词，“其实，我是一名演员。” 其实，我们都是演员，只是很多时候，我们没有这种角色意识。当然我读这本书并不是为了成为演员。 深夜里，在纵览完四册《整理的艺术》后，我还睡不着，于是，抓起这本书来读。身为一个知识管理研究者，我对一切的...  

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节划分非常大胆，它没有按照传统的“表演技巧”、“舞台调度”这样规整的板块来组织内容，反而更像是一部编年史，记载了某个特定艺术团体在不同历史时期的生存状态和创作哲学。这种叙事方式，让阅读体验充满了探索的乐趣，你永远不知道下一页会跳跃到哪个年代，或是哪位大师的口述访谈。其中有几篇内容，是对那些已经谢幕的老艺术家的口述历史的整理，文字中充满了画面感和现场感，那种老一辈艺术家在战火纷飞或物资匮乏的年代里，依然坚持要“把戏演好”的信念，读起来让人热泪盈眶。它不仅仅是在谈论技巧，更是在探讨艺术家的“气节”和“责任”。我尤其对其中一段关于“服装道具的非叙事性功能”的论述印象深刻，作者分析了某些特定布料在舞台灯光下的光泽变化，如何潜移默化地影响观众对人物命运的判断，这种对细节的偏执，展现了作者极高的敏感度。这本书成功地将厚重的历史感和鲜活的现场感结合得天衣无缝，让人感觉自己仿佛是这个艺术流派的隐秘见证者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格，简直就像一位经验丰富的老教授，他坐在你面前，用一种略带沙哑却充满激情的嗓音，娓娓道来他数十年沉浸在舞台幕布后的所见所闻。它的叙事节奏是极其舒缓且富有层次感的，绝不急于抛出结论，而是像剥洋葱一样，一层一层地揭示表演艺术背后的复杂肌理。举个例子，书中有一段描述演员如何处理一个极度矛盾的角色内心戏时，作者引用了大量文学典故和心理学理论进行佐证，每一个论点都建立在前一个扎实的基础上，逻辑链条严密到让人无法反驳。我发现，它在探讨“真实感”这个永恒难题时，并没有给出标准答案，反而是呈现了各种流派如何围绕这个问题进行拉锯和妥协，这对于我这种喜欢刨根问底的读者来说，简直是福音。它迫使你停下来，合上书本，去思考自己过往看戏的经验，去重新审视那些曾经让你感动或出戏的瞬间，究竟是哪个环节出了“问题”——当然，这里的“问题”是中性的，代表着可以被探讨的变量。这本书，与其说是一本书，不如说是一个思维的健身房，让你在阅读中不断地进行高强度的思考训练。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构布局，坦白说，初看之下有点让人摸不着头脑，它仿佛故意避免了那种清晰的导览图，而是更像一本私人化的工作日志，充满了各种手写的批注、圈画和不同墨水的标记。这种非线性的组织方式，反而激发了我主动去建构知识体系的欲望。它强迫你放下“被喂养”的阅读习惯，转而像一个侦探一样，在不同的篇章之间建立联系。其中关于“非语言交流的能量场构建”的讨论，尤其让我眼前一亮，作者提出了一个观点：演员在舞台上散发出的能量，并非仅仅是情绪的投射，更是一种经过训练的、对空间占有率的策略性运用。这种对空间几何学的理解，颠覆了我过去对表演的认知。阅读过程中，我发现自己经常会拿起手机，去搜索书中提到的那些晦涩的西方理论术语或是某个不知名的导演的生平，这本书像是一个巨大的引力源，不断地向外辐射出更多的学习路径。它不提供轻松的答案，它提供的是一个更广阔、更具挑战性的思考场域，让你心甘情愿地沉溺其中，不断追问“为什么”和“如何才能”。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末才勉强读完这本书的前三分之一，并不是因为它难懂，而是因为它带来的信息密度实在太大了，我需要频繁地停下来做笔记，否则那些精彩的见解就会像细沙一样从指缝间溜走。这本书的独特之处在于，它似乎完全避开了学院派那种生硬的术语堆砌，而是用一种极其接地气，甚至带有民间智慧色彩的语言来阐释那些深奥的理论。比如，书中用“戏是演给自己看的，但观众是用来磨刀的”这样一句看似玩笑的话，精准地概括了演员的自我驱动力与外部反馈之间的微妙平衡。我尤其欣赏它对“即兴”环节的处理，作者并没有把它浪漫化成灵光乍现，而是详细拆解了即兴背后的准备工作——那些看似无序的瞬间，其实是建立在无数次精确排练和对角色动机的彻底理解之上的。读到这里，我忽然明白了为什么有些演员在台上能散发出那种令人窒息的能量，那不是运气，那是日积月累对“可能性”的掌控。这本书就像是一把精密的解剖刀，把舞台上的魔术一一拆解开来，让你看到隐藏在光鲜外表之下的，是无数次枯燥却必要的打磨与坚持。

评分☆☆☆☆☆

这部书的封面设计，嗯，怎么说呢，透露着一种难以言喻的怀旧气息，让我立刻联想到了八十年代末、九十年代初那些厚重的艺术类书籍。纸张的质感偏向粗粝，不像现在流行的那种光滑细腻的铜版纸，反而带有一种朴素的、仿佛能触摸到历史沉淀的真实感。光是翻阅它的时候，那种沙沙的声响，就足以把人带入一个需要慢下来品味的阅读空间。内页的排版，也延续了这种复古的风格，字体选择上似乎偏爱那种略带棱角的衬线体，在大段的文字流中，偶尔点缀着一些手绘风格的插图——那些线条粗犷，但神韵抓得极准的素描，描绘的似乎是舞台上瞬间凝固的肢体语言。我特别留意了其中一章，关于灯光运用对情绪渲染的探讨，作者的笔触像是在进行一场精密的化学实验，每一个色温的细微变化，如何与演员面部肌肉的微表情产生共振，被分析得丝丝入扣，简直就像是拿到了一份舞台制作的内部秘籍。读完后，我感觉自己对“光”这个元素，在戏剧语境下的理解，被彻底重塑了，不再是单纯的照明工具，而是一种有生命的叙事载体。这本书的厚度本身就是一种宣言，告诉你，这不是一本速食的指南，而是一场需要投入时间的朝圣之旅。

评分☆☆☆☆☆

20130730牛逼的作者和牛逼的譯者，視表演為藝術，為信仰，以虔誠之心尊重表演和觀眾，演員方可得到尊重。在明星多過演員的喧囂時代，至今仍擲地有聲，不可多得的好書。

评分☆☆☆☆☆

20130730牛逼的作者和牛逼的譯者，視表演為藝術，為信仰，以虔誠之心尊重表演和觀眾，演員方可得到尊重。在明星多過演員的喧囂時代，至今仍擲地有聲，不可多得的好書。

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20130730牛逼的作者和牛逼的譯者，視表演為藝術，為信仰，以虔誠之心尊重表演和觀眾，演員方可得到尊重。在明星多過演員的喧囂時代，至今仍擲地有聲，不可多得的好書。

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20130730牛逼的作者和牛逼的譯者，視表演為藝術，為信仰，以虔誠之心尊重表演和觀眾，演員方可得到尊重。在明星多過演員的喧囂時代，至今仍擲地有聲，不可多得的好書。

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20130730牛逼的作者和牛逼的譯者，視表演為藝術，為信仰，以虔誠之心尊重表演和觀眾，演員方可得到尊重。在明星多過演員的喧囂時代，至今仍擲地有聲，不可多得的好書。