车来通工笔画鹤作品集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

作者:车来通

出品人:

页数:16

译者:

出版时间:2004-7

价格:24.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787530525340

丛书系列:

图书标签:

• 工笔画
• 国画
• 绘画技法
• 书法
• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 鹤
• 车来通
• 作品集

丹青遗韵：中国传统绘画中的飞禽意象 本书简介 本书并非专注于单一画家的创作汇编，而是深入探讨了中国传统绘画中一个经久不衰且极富象征意义的主题——“飞禽”，特别是以鹤为代表的灵动生灵。我们试图在更广阔的艺术史和文化语境下，勾勒出这些形象是如何从自然物象演化为精神符号，并最终成为艺术家笔下寄托情怀的载体。 第一章：天地之间的灵性之羽——飞禽主题的文化溯源 本章将追溯中国古代文人画中描绘飞禽的最初源头。我们不会局限于工笔还是写意的技法探讨，而是着眼于其文化根基。 1.1 从岩画到青铜器：早期图腾与动物崇拜 中国先民对鸟类的敬畏之心由来已久。本节考察了史前岩画中对鸟类的描绘，以及商周青铜器上抽象化的禽鸟纹饰。这些形象往往与祭祀、权力、以及自然伟力相关联，奠定了鸟类在中国艺术中神圣化的基调。 1.2 魏晋风骨与六朝的动植物写生 进入魏晋南北朝，随着玄学思想的兴起和士人阶层的成熟，绘画开始从单纯的记事转向个体情感的抒发。本章将重点分析谢赫“六法”中对“气韵生动”的强调，如何影响了对鸟类动态的捕捉。我们会探讨此时期花鸟画的雏形，以及那些被赋予了哲学意蕴的静物与动体的组合。 1.3 唐宋变法：从写实到意境的过渡 唐代，花鸟画正式成为独立的画科，并涌现出如边鸾、黄筌等大家。本节细致剖析了唐代写实主义的巅峰，以及宋代学院派如何将对物象的观察推向极致。重点分析了这一时期对“写生”概念的界定，以及宋徽宗“瘦金体”与其花鸟画中对细节刻画的内在关联。我们侧重于展示画家如何通过精准的结构来表达季节的更迭与生命的律动，而非探讨某位工笔画家的个人风格。 第二章：鹤的哲学：长寿、仙踪与君子品格的符号构建 飞禽题材众多，但鹤以其超凡的姿态和深厚的文化内涵，占据了独特的地位。本章聚焦于“鹤”这一特定意象的符号学分析。 2.1 仙道信仰与道教的渗透 中国文化中，鹤被视为“仙禽”。本章梳理了道教典籍中关于仙人乘鹤的记载，以及这些叙事如何影响了绘画的创作主题。我们将考察唐宋以来“仙山琼阁”主题中，鹤的出现是如何为画面增添“超尘脱俗”的氛围。 2.2 儒家精神：对“君子”品格的投射 除了仙家背景，鹤也被赋予了儒家的道德属性——高洁、长寿、谦逊。本节探讨了古人如何通过对鹤的“独立栖立”、“引吭高歌”等动作的描绘，来影射士大夫的清高自守，尤其是在贬谪或困顿之时，鹤的形象成为一种精神慰藉。 2.3 诗歌与绘画的互文：口头语境下的鹤形象 绘画中的飞禽形象并非孤立存在，它们深受同期诗歌的影响。本章将引入唐诗宋词中描绘飞禽的经典篇目，分析诗人如何通过文字构建的意境，反过来指导了画家的构图与设色，形成一种文化上的“互文性”。 第三章：技法之光：不同时代对飞禽形态的造型语言探索 本章将跳脱出具体画家的特定画法，从更宏观的技法发展史角度，审视中国画在表现飞禽时的造型语言演变。 3.1 线描的胜利：勾勒中的骨法用笔 探讨中国画“骨法用笔”在表现鸟类羽毛、骨骼结构时的应用。我们关注不同时期对线条的运用差异，例如早期勾勒的遒劲有力，与中晚期文人画家追求的“以墨代笔”在表现飞禽动态上的区别。此处分析的是线条作为结构支撑的普遍性技法，而非特指某人对线条的精妙掌握。 3.2 墨色的层次：干湿浓淡的韵味营造 不同于彩色的晕染，墨色在中国画中是塑造体积感和氛围感的关键。本节深入分析了画家如何运用焦墨、涨墨、淡墨等技巧来区分飞禽的身体层次、光影变化以及环境的湿润度。例如，如何用淡墨晕染出晨雾中飞鸟的朦胧感，或用焦墨勾勒出劲松上栖鸟的坚硬羽翼。 3.3 色彩的象征性运用：朱砂、石青与自然本真的平衡 本章最后一部分将讨论设色技法的演变，特别是重彩（如朱砂、石青）与水墨的结合。我们探究在不追求绝对写实的前提下，古代画家如何通过色彩的象征性加入，强化了飞禽的主题寓意——例如用红色调突出吉祥喜庆，用冷色调烘托清幽环境。 结语：永恒的飞翔 本书旨在为读者提供一个理解中国传统绘画中飞禽形象的文化深度和艺术广度。这些画作不仅仅是技艺的展示，更是古代士人对生命、自由、道德以及永恒的哲学思考的艺术投射。通过对主题、符号和技法的梳理，我们得以领略这一主题穿越千年的不朽魅力。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面选用了哑光纸张，触感温润，中央那只展翅欲飞的仙鹤图案，用的是特种油墨印刷，在不同的光线下会泛出微微的金色光泽，显得既典雅又不失现代感。内页的纸张厚实，纸质洁白细腻，完全没有廉价印刷品那种刺眼的白，保护眼睛的同时也完美地呈现了画作本身的色彩层次。特别是那些特写镜头，笔触的精细度简直令人叹为观止，连羽毛的每一根绒毛都能清晰可见，这对于研究传统工笔画技法的人来说，简直是宝贵的参考资料。我仔细研究了扉页上的文字，了解到作者在创作过程中对不同时代、不同流派鹤的形态和精神寓意都有深入的理解和考证，这绝非简单的摹仿，而是融入了深厚文化底蕴的再创作。装订方面，采用了平装与锁线结合的方式，翻开时几乎能完全摊平，这对于细致入微地欣赏画作的每一个角落都提供了极大的便利，可以说是对读者体验考虑得非常周到的一本画册。

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从一个纯粹的艺术鉴赏者的角度来看，这本书在色彩控制上达到了近乎苛刻的完美。工笔画的难点在于色彩的叠加与过渡，稍有不慎就会显得呆板或污浊。但在这本画集中，几乎每一幅作品都呈现出一种“润物细无声”的质感。尤其是那些表现清晨薄雾中鹤的场景，作者使用了非常微妙的淡青色和几近透明的赭石色进行多层晕染，使得画面空气感十足，让人感觉画中的水气仿佛能穿透纸面弥漫出来。我特别留意了其中一张近景作品，画家用了极细的排线来表现水面波纹的反射光，这种处理方式，即便在高清的数码照片上都难以捕捉其微妙之处，只有实物印刷才能真正体会到那种细腻的光影变化。这不仅仅是技术上的胜利，更体现了画家对自然光线和物体质感之间微妙关系的深刻洞察力，非常值得细细品味，会让人对“笔墨当随时代”这句话有了更具体的理解。

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我购买这本书的初衷是希望能找到一些可以临摹的范本，但真正接触到后，我发现它更像是一本激发灵感的“视觉词典”。其中对鹤类动态捕捉的准确性，简直令人咋舌。比如，画家如何用精准的结构线勾勒出鹤在起飞瞬间，翅膀刚要发力的紧绷感，以及收翅滑翔时那种悠然自得的松弛感，两者之间的转换处理得极其自然。更值得称赞的是，作者在背景处理上的克制，他们深知工笔画的重点在于主体，因此背景的景物，无论是竹叶、水草还是岩石，都处理得极简而精准，绝不喧宾夺主，而是作为一种烘托气氛的辅助元素存在。这种“画龙点睛”的留白艺术，在当代许多追求饱和度和信息量的作品中已经不多见了。这本书让我重新审视了“少即是多”的东方美学原则，对于任何希望提升画面意境和笔触控制力的学习者，都是一本不可多得的良师益友。

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这本书的编排逻辑非常具有故事性，它不是简单地按时间顺序或题材分类，而是像一部精心谱写的交响乐。开篇几幅气势磅礴的群鹤图，奠定了整部作品集高远宏大的基调，仿佛是对观众发出的一个强有力的宣告。随后，视角逐渐收拢，开始聚焦于单只仙鹤在不同心境下的描绘——有沉思的、有梳理羽毛的、有饮水的。这种由大到小、由宏观到微观的叙事节奏，让读者的情绪也跟着画家的笔触跌宕起伏。最妙的是，在画册接近尾声的地方，穿插了几页关于“画草稿”和“用笔工具”的介绍，虽然篇幅很短，但这种近乎“幕后揭示”的诚意，极大地拉近了读者与创作者的距离，让人感受到这位艺术家在创作过程中所付出的耐心与对艺术的敬畏之心。对于普通爱好者来说，这种叙事结构远比枯燥的理论介绍要吸引人得多。

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我原本以为这只是一本普通的、收录了许多漂亮画作的合集，但深入阅读后发现，它更像是一部关于“鹤”的视觉人类学报告。作者并非仅仅描绘鹤的外形，而是通过一系列精心设计的场景，探讨了鹤在东方文化语境下所承载的“长寿”、“高洁”、“出尘”的象征意义。比如其中一组作品，将鹤置于云海与松涛之间，笔法上明显偏向宋代的院体画风，线条极为严谨，透露出一种庄重的仪式感；而另一组则明显借鉴了明清写意的水墨技法，虽然仍是工笔的底子，但墨色的晕染和留白的处理，却多了几分洒脱与灵动，仿佛能听到风过松林的沙沙声。这种跨越历史风格的融合与创新，使得整本画集在保持高度艺术性的同时，也展现了一种开阔的视野。对于想学习传统工笔技法但又不想被定式束缚的年轻画家而言，这本书提供了一种极具启发性的路径：如何在遵循古法的基础上，注入属于自己的时代精神。

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