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出版者:中国美术学院出版社

作者:李萍

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2000-4-1

价格:9.80元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787810198332

丛书系列:

图书标签:

• 儿童画
• 国画
• 绘画
• 美术
• 启蒙
• 技法
• 临摹
• 教程
• 少儿
• 艺术

好的，这是一本《大师手绘：写意花鸟入门与精进》的图书简介： --- 大师手绘：写意花鸟入门与精进 —— 探寻中国画的笔墨韵味与生命哲学 【图书定位与核心价值】 《大师手绘：写意花鸟入门与精进》并非针对初学儿童的启蒙教材，而是一部面向有一定绘画基础，渴望深入理解和掌握中国写意花鸟画精髓的成人学习者、爱好者及专业美术工作者的深度实践指南。本书旨在系统梳理中国写意花鸟画的历史脉络、核心技法、审美取向，并通过当代写意大家们的经典案例拆解，帮助读者真正领悟“以形写神”的艺术真谛。 本书的价值在于“由技入道”。我们不着眼于简单的形象描摹，而是将重点放在如何通过笔墨的干湿浓淡、疾徐顿挫来表达物象的精神气质与自然界的生命律动，培养读者高远的艺术眼光和深厚的文化底蕴。 【内容结构与深度解析】 本书共分为五大部分，层层递进，构建了一个完整的写意花鸟学习体系： 第一部：写意精神的溯源与审美建构（理论基石） 本部分着重于建立读者对写意花鸟画的宏观认知，避免技术层面的浅尝辄止。 1. 写意精神的哲学基础： 探讨中国画“天人合一”的宇宙观，阐释“写意”与“写形”的本质区别。分析儒释道思想对花鸟画中“气韵生动”要求的形塑作用。 2. 历史流派的精要提炼： 区别于通史式的罗列，本章聚焦于宋代院体写实到元代文人画写意的关键转折点。重点分析徐熙、赵昌的工笔写意倾向，以及文同、苏轼、黄庭坚对竹石画的理论贡献，着重剖析八大山人、吴昌硕、齐白石在不同历史阶段对“写意”内涵的拓展与深化。 3. 笔墨语言的系统解码： 深入讲解“五笔七墨”在写意语境下的具体应用。详细区分焦、浓、重、淡、清的墨法层次，以及中锋、侧锋、卧笔在表现不同质感（如翎毛、枝干、花瓣）时的细微差别和心理暗示。 第二部：基础功的扎实训练——“笔”与“墨”的内化（技法锤炼） 此部分是连接理论与实践的桥梁，强调传统功力训练的不可替代性。 1. “一笔定型”的训练法则： 摒弃繁琐的起稿步骤，直接进入用笔的精准训练。针对性地设计了描绘枝干的“S”形线、点叶的“介”字点、画叶的“介”字法等基础训练模块，要求学习者在短时间内抓住物象的结构和动势。 2. 墨色的层次与晕染： 重点练习“涨墨法”与“破墨法”。通过对宣纸吸水性的理解，指导读者如何控制水分，实现墨色的自然过渡与“浑厚”感的营造，避免墨色干枯或一味水墨。 3. “点、皴、染”的组合应用： 学习如何将基础的笔法组合起来，形成结构性的支撑。例如，如何用侧锋中入枯笔画出老枝的苍劲，如何用饱满的浓墨点出含苞待放的花蕾。 第三部：常见题材的精深表现（物象的个体精神） 本部分通过对花鸟画中最核心的几类题材的深入解析，指导读者如何赋予笔下的物象以独立的“个性”。 1. 梅兰竹菊的四君子精神： 细致讲解不同季节、不同姿态下的梅花画法（如冰肌玉骨的瘦硬枝与浓艳的花头）。竹子的画法中，侧重于表现竹节的硬朗与竹叶的飘逸，强调叶子的“意”大于“形”。菊花的画法则涵盖了写意大写菊的豪迈与工写结合的小写意菊花的雅致。 2. 禽鸟动态与神态捕捉： 针对性地讲解了雄鸡、麻雀、喜鹊、以及水禽（如白鹭、鸳鸯）的特点。重点不在于画出羽毛的纤毫毕现，而在于通过翅膀的张合、头部的转侧，展现其瞬间的生命状态，特别是眼睛的处理，必须“点睛”以传神。 3. 蔬果写意的超越性表达： 突破传统蔬果题材的局限，将瓜果视为自然万物的一部分。例如，画成熟的南瓜时，需展现其饱满的生命力与泥土的芬芳；画一串葡萄时，通过墨色的浓淡变化，表现晶莹的质感和堆叠的重量感。 第四部：布局谋篇与意境的营造（整体的艺术构建） 写意画的成败往往在于构图，本章引导读者从“画单件”到“作整幅”的思维飞跃。 1. 计白当黑的艺术法则： 系统阐述留白在写意画中的功能——它不仅是空白，更是空气、空间、水汽和无限的想象空间。指导读者如何通过疏密、虚实的变化，引导观者的视线流向。 2. “势”与“韵”的平衡： 讲解如何通过枝干的延伸、花朵的呼应，构建画面的“势”（动感与结构力量）。而“韵”则来自于笔墨的含蓄与意境的深远。通过多幅大师名作的分析，教授读者如何在一个有限的画面中创造无限的意境。 3. 题跋的相得益彰： 探讨题款、印章在画面构成中的位置和作用。讲解如何通过精准而富有文学性的文字，补充和提升画面的意境，实现“画中有诗，诗中有画”。 第五部：实践与提升——创作范例的深度拆解 本书的最后一部分，提供了多幅完整、高水平的写意花鸟画创作步骤，采用图文并茂的形式，进行“慢动作”演示。 1. 范例一：雄鸡报晓（浓墨与重彩的结合）： 详细展示如何用浓墨勾勒鸡冠和眼睛，结合赭石、藤黄表现羽毛的层次，以及如何通过侧锋扫出雄鸡昂扬的姿态。 2. 范例二：清塘夏荷（水法的控制与大写意）： 侧重于对“水”的理解，展示如何利用大笔触快速完成荷叶的铺陈，以及如何用淡墨晕染出荷花在水汽中的朦胧美感。 3. 范例三：寒梅傲雪（枯笔与飞白的运用）： 强调在干燥笔触下如何保持画面的生命力，展示如何通过飞白来表现老干的沧桑感和坚韧的内蕴。 【适合读者】 具备一定素描或基础国画功底，希望从“描摹”跨越到“表达”的进阶学习者。 致力于研究中国传统写意精神与笔墨技法的艺术爱好者。 对吴昌硕、齐白石等写意大师的风格有浓厚兴趣，希望吸收其笔墨精髓的美术工作者。 《大师手绘：写意花鸟入门与精进》，旨在为您推开一扇通往中国传统写意艺术高峰的门径，让您的笔墨不再只是技巧的堆砌，而是生命哲思的流淌。

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作为一名美术教育工作者，我阅览过市面上大量的少儿美术教材，大部分都偏向于西方的写实或想象力引导。《儿童国画教室》这本书的出现，无疑填补了纯正、系统化的中国画入门教材的空白。我尤其欣赏它在基础训练中对“骨法用笔”的现代化解读。传统的“十八描”对于初学者来说门槛太高，这本书巧妙地将这些复杂的描法分解、提炼成了几个可操作的核心“笔法口诀”，例如“‘S’形走势画枝干，‘之’字收尾点新芽”。这种方式既保留了国画的技法核心，又大大降低了学习的挫败感。更值得称赞的是，它对“花鸟画”和“山水画”的入门是分阶段进行的。山水画部分，它没有一上来就教复杂的皴法，而是从“点苔”和“远山近水”的块面构成入手，让孩子先掌握空间感和层次感。而在花鸟部分，它则重点训练了“写意”的精髓，例如，画一朵梅花时，它会强调“心”的表达，而非仅仅是形体的模仿。这种由浅入深、循序渐进的结构设计，确保了孩子在建立扎实基本功的同时，不会过早地被复杂的章法所困扰。这本书的字体排版清晰，图文比例得当，老师在课堂上讲解时，学生很容易就能找到对应的示范，极大地提高了教学效率。

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这本书的装帧和纸张质量也让人非常满意，这对于国画学习来说是至关重要的体验。纸张的吸墨性处理得恰到好处，既不会像宣纸那样对新手墨色控制要求过高导致一团糟，也不会像铜版纸那样完全吸收墨水，完全失去了国画特有的“洇”的效果。每次孩子练习的时候，那种笔尖触及纸面的触感，以及墨色缓缓晕开的视觉反馈，都是一种莫大的鼓励。我观察到，这本书的课程设计中，对“工具的认识”非常重视，它详细介绍了毛笔的结构、不同动物毛的特性以及它们如何影响线条的弹性，这一点在其他少儿教材中是很少见的。我们家之前买了一堆看起来很漂亮的毛笔，但因为不懂如何保养和使用，很多都浪费了。《儿童国画教室》教会了我们如何“养笔”和“用笔”，让孩子明白工具的珍贵性。我们现在已经学会了如何清理和收纳毛笔，这无形中培养了孩子爱惜物品的好习惯。每学完一个单元，书里都会安排一个小小的“作品展示角”，鼓励孩子把自己的练习作品贴上去，形成一个自己的“小画廊”。这种正向反馈机制，使得学习过程充满了仪式感和持续的动力，让国画学习成了一场长期且愉快的旅程。

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说实话，我给孩子买这本书之前还是有点犹豫的，因为我总觉得国画是“大人的艺术”，充满了各种说不清道不明的规矩，担心孩子学了会觉得压力大。《儿童国画教室》完全打消了我的顾虑。这本书的风格是那种非常温暖、亲切的邻家大姐姐在跟你聊天分享秘密的感觉。它没有使用那些生硬的术语，而是用了很多充满童趣的比喻。比如，讲到画竹子的“节”，它会比喻成“竹子身体里的关节”，鼓励孩子在画竹节时想象它们在用力向上生长。我们家孩子最喜欢的部分是关于“色彩运用”的那一章。国画的色彩不像油画那么饱和浓烈，它更讲究色彩的叠加和渗透。这本书里展示了如何用淡墨和花青混合出“雨后初晴”的朦胧感，以及如何通过赭石和藤黄的过渡来表现夕阳下山峦的暖意。我们一起尝试了画一幅荷塘小景，孩子以前画荷叶总是画成一个平面的圆，但看了书中的示范后，他开始尝试用侧锋画出荷叶的卷边和迎风的弧度，那一刻，我仿佛看到了孩子眼中对世界观察的细致入微。这本书最大的成功之处在于，它没有把国画变成一个严肃的学科，而是一个充满探索乐趣的领域，真正激发了孩子内在的创造力。

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这本《儿童国画教室》的出现，简直是为我们家那个对色彩和线条充满好奇的小家伙打开了一扇全新的窗户。我女儿今年七岁，平时画画总是局限于蜡笔和水彩，线条涂抹得很随意，对于我们常说的“意境”完全摸不着头脑。自从有了这本书，情况有了明显的改观。首先，它不像我以前买的其他美术启蒙书那样，一上来就堆砌复杂的理论或者要求孩子模仿名家的作品。这本书的编排非常巧妙，它从最基础的笔触训练开始，比如如何握笔，如何调墨，每一个步骤都配有清晰的图示，有时候甚至能看到作者手部动作的特写，这一点对于初学者来说太重要了。我记得第一课教的是“点”，看似简单，但书里详细解释了“饱蘸”、“中锋”、“侧锋”在“点”上的不同效果，比如点的浓淡变化如何表现出花朵的朝气或萎靡。女儿一开始还觉得枯燥，但当她试着用不同的点画出了一串葡萄，并发现这些点组合起来竟然有了立体的光影感时，那种成就感是无与伦比的。这本书的真正价值在于它没有把国画变成高不可攀的艺术，而是把它还原成一种有趣的、可操作的游戏。它引导孩子去观察自然，体会“气韵生动”并非空谈，而是体现在每一个细微的笔墨变化之中。我们已经按照书上的步骤尝试了几幅简单的竹叶和小鸟，虽然稚嫩，但已经有了些许国画特有的韵味，远比她以前的“随便涂鸦”要耐看得多。

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我是一个对传统文化有着深厚感情的人，但每次想教导我那常年沉迷于电子游戏的孙子接触一些传统艺术时，都会感到力不从心，《儿童国画教室》这本书的出现，无疑是帮我解决了一个大难题。这本书的选材和叙事风格非常贴合现代儿童的认知习惯。它没有采用那种陈旧的、说教式的口吻，而是把国画的元素比作一个个生动的“小精灵”。比如，在讲到“墨分五色”时，它不是简单地告诉你浓、淡、干、湿，而是用“小墨块在纸上旅行的样子”来描述，让墨色的变化充满了想象空间。最让我惊喜的是它对“留白”的处理。我们传统观念里总觉得画画就是要填满，但这本教材却花了大量的篇幅来解释“留白”不是空白，而是“呼吸的空间”和“意境的载体”。我孙子一开始很不习惯，觉得画纸上空着一块很浪费，但当他试着用留白来表现远处的云雾或水面的反光时，他忽然明白了那种“此时无声胜有声”的哲学意味。而且，书中的范画选择非常考究，既有传统韵味的传承，又有着适合儿童理解的简化和提炼，色彩的运用也恰到好处，没有过多使用过于鲜艳的颜色去干扰国画本应追求的雅致。可以说，这本书在潜移默化中，提升了孩子的审美层次，让他们在学习绘画技巧的同时，也吸收了中国传统文化的精髓。

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