跟我学吉他——跟我学系列（修订版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南文艺出版社

作者:丁力耘

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-1-1

价格:31

装帧:

isbn号码:9787754042890

丛书系列:

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• 吉他
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《指尖上的古典：巴洛克时期吉他演奏技法精解》 书籍简介 内容概述： 本书是一部深度聚焦于巴洛克时期（约1600年至1750年）吉他（特指当时的五弦或六弦巴洛克吉他）演奏理论与实践的专业学术著作。它旨在为研究早期吉他历史、古典音乐演奏实践者以及渴望深入理解文艺复兴晚期向巴洛克过渡时期音乐风格的吉他学习者，提供一份详尽而权威的指南。全书结构严谨，内容涵盖了从乐器形制演变、指板定弦、拨弦工具的选择，到具体的演奏技巧、和声运用、以及该时期核心曲目的风格解析等多个维度。 本书并非零基础的入门教材，而是建立在对基础吉他技巧有所了解的基础上，侧重于“风格化演奏”的深度挖掘。我们摒弃了现代吉他演奏中的许多惯例，而是回归历史文献与当时音乐家的手稿，重构巴洛克吉他演奏的“声音图景”与“演奏逻辑”。 核心章节与内容详述： 第一部分：巴洛克吉他的历史与形制溯源 本部分首先追溯了文艺复兴时期维胡埃拉琴（Vihuela）与鲁特琴（Lute）向巴洛克吉他的演变过程。重点分析了乐器制造工艺的变革，包括琴体结构的加强、音孔的设计（如玫瑰花饰的演变）、以及琴弦材质（羊肠弦）对音色产生的影响。 定弦体系的解析： 详细介绍了巴洛克吉他最常见的五组双弦定弦法（Standard Tuning），以及在不同地区和不同时期（如西班牙、意大利、法国）存在的变体定弦法。我们通过分析西班牙作曲家加斯帕尔·桑斯（Gaspar Sanz）的记谱，演示了这些定弦法如何影响和声的构建。 拨弦工具的选择与制作： 探讨了巴洛克时期使用的指甲（Fingernails）演奏法与使用拨片（Plectrum/Púa）演奏法的差异。书中附有详细图示，指导读者如何根据历史记载，尝试制作和使用不同厚度与材质的拨片，以还原历史上的音色。 第二部分：巴洛克吉他演奏技巧的复原与精炼 这是本书的核心技术部分，严格依照当时出版的教材（如科雷利、普雷、德·维塞）的教导方式进行阐述。 右手拨弦技术的深度剖析（Rasgueado与Punteado的辩证）： 拨奏法（Rasgueado）： 详细解析了西班牙传统拨弦的“扫弦”技巧，包括不同角度、力度和速度下，如何通过手指的自然松弛与协同运动，产生复杂而富有节奏感的和弦群。书中通过大量的图解和录音对照（配套在线资源），区分了文艺复兴风格的“清晰扫奏”与巴洛克风格的“韵律化扫奏”。 指弹法（Punteado/Tirando）： 重点研究了在意大利和法国体系中更为流行的清晰指弹法。我们探讨了拇指（P）和其余三指（i, m, a）在独奏旋律线（Canto）和低音声部（Bajo）中的分工，强调了保持旋律声部的持续性和清晰度的重要性。 左手技巧与指板运用： 把位与换把： 由于巴洛克吉他品位较少且弦距不同，换把的策略与现代吉他截然不同。本书指导读者如何有效利用空弦与低把位快速移动，避免不必要的换把噪音。 装饰音与揉弦（Vibrato）： 详细分析了巴洛克音乐中装饰音（如Trillo, Mordent, Appoggiatura）的演奏规范，它们并非可有可无的点缀，而是乐句的构成要素。同时，探讨了当时是否存在现代意义上的“揉弦”，以及如何通过拨弦力度变化来模拟颤音效果。 第三部分：和声、对位与风格演绎 本部分将演奏技巧融入到音乐理解之中，指导学习者如何“思考”巴洛克音乐。 分解和弦与低音线（Basso Continuo）： 阐述了吉他如何在室内乐合奏中扮演“持续低音”的角色，以及如何对数字低音进行即兴化的和声填充。书中分析了如何平衡低音声部与高音旋律声部的动态关系。 对位思维在吉他上的体现： 重点研究了如罗伯特·德·维塞（Robert de Visée）作品中复杂的双声部或三声部写作。读者将学习如何通过右手拨弦技巧的细微差别，使两条独立的旋律线在同一乐器上清晰地展现出来，实现“内部对位”。 风格化的处理： 针对不同地域的风格差异进行了对比分析。例如，西班牙音乐中对节奏驱动力和切分音的偏爱，与法国宫廷音乐中对精致、歌唱性旋律和清晰装饰音的追求，在吉他演奏中的具体表现。 本书特色： 1. 史料严谨性： 所有技术阐述均溯源至17世纪至18世纪初期的原始教学法手稿，避免了基于现代吉他思维的误读。 2. 实践导向： 包含大量针对特定历史技巧的练习范例，并配有对位和声练习，确保技术提升与音乐理解同步。 3. 跨学科视野： 结合了早期键盘乐器和鲁特琴演奏的经验，为吉他演奏者提供更广阔的早期音乐演奏语汇。 适合读者： 具备中级以上水平的古典吉他学习者。 早期音乐（Early Music）演奏者及研究人员。 巴洛克音乐史、乐器学专业的学生与教师。 阅读本书，您将能够重新发现巴洛克吉他作为一件严肃的、富有个性的独奏与合奏乐器的真正面貌。

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这部乐器入门书籍的结构组织得非常清晰，从最基础的乐理知识讲起，逐步深入到和弦指法和节奏型练习。作者似乎深谙初学者的心理，讲解方式总是那么耐心且循序渐进，不会让人一上来就被复杂的信息量淹没。我记得书里有一章节专门讲解了如何正确握持拨片和调整坐姿，这些细节在很多教程中常常被一带而过，但这本书却花了大篇幅去描绘，这对于建立正确的肌肉记忆至关重要。特别是对于我这种零基础的“小白”来说，这种手把手的指导简直是福音。书中配有大量的图示，线条清晰，即便是复杂的和弦按法也能一目了然。最让我感到惊喜的是，它并没有急于求成地灌输复杂的曲目，而是花了很多时间在基础音阶的练习上，这为后期的快速提升打下了坚实的基础。那种“地基要打牢”的教学理念，让我感觉作者是一位真正负责任的老师，而不是一个只想快速推销花哨技巧的商人。读完这部分内容，我甚至开始对乐理本身产生了浓厚的兴趣，不再觉得它是枯燥的理论，而更像是音乐的“语法”。

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我之前尝试过几本网络上推荐的吉他教程，但总觉得它们过于注重“速成”，很多技巧都要求你先学会弹奏一首所谓的“热门歌曲”，结果就是手指按得生疼，弹出来的声音却一塌糊涂，完全失去了音乐的美感。而这本教材给我的感觉完全不同，它仿佛在跟我进行一场平等的对话，而不是高高在上的说教。它的理论讲解部分，虽然深入，但绝不晦涩，它会用日常生活中能理解的比喻来解释复杂的节奏型和音程关系，比如将一个复杂的扫弦模式比喻成“水滴落入池塘的涟漪”，一下子就抓住了感觉。更重要的是，它教会了我“如何学习”，而不是仅仅教我“弹什么”。在每章的末尾，作者都会设置一个“自我检测”环节，让我能够立刻回顾和巩固所学，这种及时的反馈机制，比盲目地跟着碟片练习要高效得多。这让我明白，真正的进步是建立在对原理的深刻理解之上的，而非简单的机械模仿。

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这本书的另一个亮点在于它对“风格多样性”的初步介绍。很多入门教材往往局限于某种特定的风格，比如清一色的民谣扫弦或者过于偏向古典指弹。但这本书在基础巩固之后，非常巧妙地融入了不同音乐类型的基础元素。例如，它会用一个章节的篇幅来解析布鲁斯音阶的特点和基础推弦的技巧，紧接着又会介绍一些乡村音乐中常用的“切音”手法。虽然这些内容还停留在初级阶段，但它像是一扇扇小小的窗户，让我得以窥见吉他音乐世界的广阔，激发了我探索更多音乐风格的欲望。这种“兼收并蓄”的编排方式，使得学习过程充满了新鲜感，有效避免了因为长期重复性练习而产生的倦怠感。阅读过程中，我能明显感觉到作者希望我们成为一个更全面的音乐人，而非仅仅是一个“会弹几个和弦”的乐器操作者。

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这本书的排版和装帧质量相当不错，拿到手就能感觉到那种厚重感和用心。封面设计虽然朴实，却带着一种古典的韵味，很耐看。内页的纸张选择也非常考究，哑光处理有效地避免了在强光下阅读时出现的反光问题，这对长时间练习者来说是一个巨大的加分项。我特别欣赏它在曲谱标注上的细致程度。除了标准的五线谱和六线谱之外，它还特别为初学者标注了每个音符的唱名和位置，甚至连一些指位的力度变化都有用特殊的符号进行了提示。这种全方位的注释系统，极大地降低了理解门槛。翻阅起来，书页的装订非常牢固，即便我经常把它摊平在琴架上，也没有出现书脊松动的情况，这对于经常翻阅的工具书来说，耐用性是非常重要的考量因素。整体来看，这是一本制作精良、从读者体验出发的实用教材，光是看着它摆在书架上，都能感受到一种沉静的力量。

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从使用者的角度来看，这本书的“可操作性”是顶级的。它不是那种买了之后就束之高阁的“摆设品”。我发现自己会经常在练习间隙，翻到后面的某个章节，去对照一下某个特定技巧的发力点或者某个和弦的指位微调。作者在讲解“如何保持手指的灵活性”时，提供了一系列非常实用的拉伸和放松练习，这些内容完全超越了传统乐谱书的范畴，更像是一本结合了运动科学的指南。而且，书中有好几处留白和批注空间，这鼓励读者把自己在练习中遇到的问题、灵感或者自己改编的和弦写在旁边，形成一本真正属于自己的学习笔记。这种互动式的设计，让这本书不仅仅是知识的载体，更成为了一个陪伴我成长的学习伙伴。它真正做到了“工具书”的价值最大化，让每一次翻开它，都感觉是在与一位经验丰富的导师进行交流。

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