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出版者:大地

作者:慕羽

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年06月21日

价格:NT$ 350

装帧:

isbn号码:9789867480064

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《星尘往事：好莱坞的黄金时代与幕后浮沉》 内容简介： 本书深入剖析了二十世纪中叶，那个被誉为“好莱坞黄金时代”的独特历史时期。它并非聚焦于舞台上的歌舞升平，而是将镜头对准了银幕背后那些推动、塑造乃至颠覆了整个电影工业的幕后人物、错综复杂的权力网络以及那些被时间尘封的传奇故事。 我们将一起穿越到米高梅、派拉蒙、华纳兄弟等大型制片厂的鼎盛时期，细致考察“制片人制度”如何将电影创作变成一种高度工业化的流水线作业。书中详尽描述了那些手握生杀大权的制片巨头们，如大卫·奥·塞尔兹尼克、塞缪尔·戈德温，以及一手打造了梦工厂神话的华纳兄弟，他们如何在预算、选角、剧本修改乃至明星形象塑造上拥有绝对的权威。 本书特别关注那些在幕后默默耕耘却对电影美学产生深远影响的“无冕之王”： 一、导演的挣扎与崛起： 我们不会简单地罗列经典作品，而是探讨那些具有强烈个人风格的导演，如阿尔弗雷德·希区柯克（在他尚未完全脱离制片厂控制时期的创作取舍）、比利·怀尔德（在好莱坞审查制度下如何巧妙地用黑色幽默进行讽刺），以及约翰·福特（如何在西部片的宏大叙事中融入对美国精神的深刻反思）。书中将分析他们如何周旋于制片厂高层的商业要求和他们自身的艺术追求之间，每一次妥协与抗争，都塑造了流传后世的经典镜头。 二、光影魔术师的秘密： 本书用大量篇幅介绍了好莱坞的摄影师和艺术指导。例如，特拉维斯·科尔宾对光影的运用如何定义了“电影胶片感”的视觉标准；而塞德里克·吉本斯在米高梅的辉煌时期，如何设计出那些奢华至极的布景，让观众相信他们正置身于一个全然不同的世界。这些设计不仅仅是背景，它们是叙事的一部分，是角色情感的延伸。 三、明星的塑造与束缚： 好莱坞的魅力很大程度上来源于其对“巨星”的制造能力。书中揭示了“明星代言人”制度的运作模式。以玛丽莲·梦露、詹姆斯·迪恩等为例，分析了制片厂如何精心管理他们的公众形象、私人生活，甚至限制他们的自由选择。这些光环的背后，隐藏着对个人意志的严格控制。书中有对早期明星如葛丽泰·嘉宝和马龙·白兰度在面对“偶像”身份时的内心剖析，探讨了他们如何试图夺回对自己形象的定义权。 四、审查制度与黑色电影的诞生： 二十世纪三十年代至五十年代初，好莱坞受到“海斯法典”（Hays Code）的严格约束。本书详细梳理了这一道德审查体系的内容及其对剧情和对话的限制。更引人入胜的是，我们探究了“黑色电影”（Film Noir）是如何在这些条条框框的夹缝中诞生的——导演们如何通过低角度拍摄、晦暗的光线、模棱两可的角色动机，来表达对战后社会焦虑和道德沦丧的无声控诉。这是一种体制下的反抗艺术。 五、时代的转折点：电视的冲击与派拉蒙案： 本书的后半部分聚焦于五十年代中期好莱坞面临的巨大挑战。电视的普及严重侵蚀了电影的上座率。我们详细分析了具有里程碑意义的“派拉蒙反垄断案”如何最终解体了制片厂对院线的垄断，使电影产业结构发生根本性变化。同时，我们也探讨了新技术（如宽银幕、3D）的出现，以及独立制片思潮的萌芽，预示着一个更加分散、更具个体声音的电影时代的来临。 《星尘往事》是一部历史性的文献，它通过对权力结构、艺术哲学和商业运作的细致梳理，描绘了一幅宏大而又充满细节的画卷。它揭示了，我们今天所欣赏的许多电影成就，都建立在那个充满矛盾、才华横溢而又无比残酷的黄金时代的基础之上。阅读本书，如同走进了一座充满秘密档案的电影博物馆，那里每一张老照片的背面，都记录着一个未曾讲述的故事。

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这本书的视角非常独特，它将焦点从舞台前沿，深深地挖掘到了那个娱乐业繁荣背后的社会肌理之中。它探讨了移民文化如何塑造了美国流行音乐的底色，以及经济周期如何直接影响了剧院的上座率和剧目的选择倾向。我本以为会看到关于当代技术如何革新舞台布景（比如机械化旋转舞台或高科技投影）的讨论，但这本书的年代感极强，它沉浸在对二十世纪中叶那种纯粹、手工打造的戏剧奇迹的缅怀之中。书中对“剧院老板”这一角色的刻画尤其令人印象深刻，他们不是单纯的商人，而是某种文化掮客，游走在艺术家的野心和投资人的贪婪之间。作者对于这种张力的捕捉，入木三分，让你感到一种历史的厚重感。尽管我期待的是对最新技术应用的前瞻性分析，但这种对历史根源的追溯，反而提供了一种更扎实的基础理解，明白今日的辉煌是如何建立在那些不为人知的权衡与妥协之上的。

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我必须承认，这本书的文笔功力是毋庸置疑的，它呈现出一种近乎炫技的语言密度和词汇丰富度。作者似乎沉醉于使用那些被现代写作遗忘的、华丽而精确的形容词。如果把阅读过程比作一场视觉盛宴，那么这本书绝对是最高规格的晚宴，摆满了各种精美的、即便不完全明白其含义也令人赞叹的“菜肴”。我的初衷是希望这本书能为我提供一套清晰的、可操作的“百老汇成功要素清单”，比如关于市场营销的策略，或者如何应对工会谈判的艺术。但这本书完全没有这方面的实用主义倾向。相反，它更像是一位上了年纪的艺术评论家，坐在他的私人书房里，对着一堆泛黄的剧本手稿，回忆并抒发对“美”这一概念的个人理解。其中关于“灯光设计如何塑造角色的心理轨迹”的那几章，写得尤为精妙，那简直就是一首献给“光与影的二重奏”的赞歌，充满了诗意，却也让人感到遥远，因为它缺乏直接的案例支撑。

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读完后，我感到一种知识上的“饱胀感”，但这种饱胀更多来自于对特定时代氛围的全面沉浸，而非对某一主题的系统性学习。作者的叙事结构像是一张巨大的蜘蛛网，每一个细节都相互连接，但如果你只想抓住其中一根线索（比如，关于某个具体剧目的创作背景），你可能会发现自己被周围的复杂纹理所困扰。我最初希望这本书能像一本“教科书”那样，提供清晰的定义和明确的范式，让我能更好地理解不同音乐流派（如爵士、摇摆乐、蓝调）是如何被整合进戏剧叙事中的。这本书确实涉及了音乐流派，但它是以一种散点透视的方式，将音乐融入对人物命运的描述中，而不是进行音乐学的分析。它更像是一部传记式的史诗，充满了对“逝去时代”的深情回望，其语言的饱和度极高，读起来需要极高的专注力，但回报是，你仿佛真的被带回到了那个没有互联网，只有聚光灯和口红的年代。

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这部作品简直是打开了一扇通往旧日好莱坞光影世界的奇妙大门，虽然我期待的是对特定舞台艺术的深入剖析，但这本书提供的体验感却是一种全然不同的、令人沉醉的怀旧之旅。作者的笔触细腻得像老电影胶片上的每一帧画面，将那个时代特有的浮华、激情与一丝不易察觉的落寞勾勒得淋漓尽致。它没有直接聚焦于聚光灯下的歌舞升平，而是将焦点放在了那些支撑起整个黄金时代的幕后人物，那些在布景设计间穿梭的工匠，那些在黎明前排练的舞者，以及那些在剧院的红丝绒帷幕后默默饮泣的明星。阅读过程中，我仿佛能闻到空气中弥漫的香水、烟草和老木头的复杂气味。书里对服装材质的描述，那种厚重的丝绒、闪耀的亮片，简直让人忍不住想伸手去触摸。特别是书中对几位标志性导演的侧面描写，他们的怪癖、他们的才华横溢以及他们对待艺术近乎偏执的追求，都让我对那个时代的艺术生态有了更深层次的理解。它成功地营造了一种氛围，一种关于“梦想在此诞生，也在此幻灭”的史诗感，虽然我本来想了解的是《歌剧魅影》的结构性分析，但这种宏大叙事下的个体挣扎，也同样具有震撼人心的力量。

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这本书的叙事节奏带着一种慵懒而迷人的古典韵味，它不像现代那些讲求效率和快节奏的非虚构作品，反而更像是一部慢炖的文学老汤，需要你耐下性子，细细品味其中的每一味佐料。我原本寄希望于找到一些关于音乐剧编剧技巧的“干货”——比如如何巧妙地处理“说唱”与“咏叹”的平衡，或者如何构建一个能让观众在三小时内情绪起伏的完美结构。然而，这部作品更多的是一种哲思层面的探讨。它用非常散文化的语言，探讨了“表演”的本质，关于“永恒”与“瞬间”的辩题。作者似乎在问，那些在舞台上燃烧的生命，其意义究竟是短暂的荣耀，还是对人性中某种美好情感的永久铭刻？书中引用了许多我从未听闻过的老派评论家的话，他们的论点晦涩却充满智慧，时常需要我反复阅读才能领会其妙处。这种文学性的重量感，虽然不是我最初寻找的专业指南，却提供了一种难得的精神滋养，让我在纷繁的信息流中，找到了一块可以沉思的静土。

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