怎樣畫梅蘭竹菊

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出版者:藝術圖書
作者:錢行健
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1989年06月23日
价格:NT$ 180
装帧:
isbn号码:9789576720079
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 中国画
  • 梅兰竹菊
  • 写意画
  • 工笔画
  • 技法
  • 教程
  • 艺术
  • 花鸟画
  • 国画
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具体描述

內容簡介  本書從生長形成的特點,枝葉花瓣的形狀結構作分析,講述中國畫的用筆、用墨、數色、構圖布局,由基本訓練到立意創作,深入淺出,循序漸進,分別運用白描、水墨、沒骨設色等技法,圖例精緻,講述明晰。可貴的是結合傳統畫法,寫生心得和個人創作經驗,精煉而切合適狦,將畫法要旨形象具體予以傳授。畫學津梁,可嘉惠後學,也可借書畫家研究參考。  本書是專為國畫愛好者編寫的。採用圖解形式編排,既有畫法步驟又有作品示範,方便初學者臨摹,亦適宜短期圖畫班或興趣小組作為教材或課外參考。

好的,为您提供一本名为《唐宋名家书法赏析与临摹指南》的图书简介,内容详尽,不涉及您提及的《怎樣畫梅蘭竹菊》中的任何元素: --- 唐宋名家书法赏析与临摹指南 开启通往中国古典艺术精神殿堂的钥匙 卷首语:墨痕中的千年回响 在中国浩瀚的文化长河中,书法艺术以其独特的线条美学和深邃的精神内涵,矗立于世界艺术之林。它不仅是文字的书写,更是个人性情、学识、修养的外化,是“无声的音乐,有形的舞蹈”。本书《唐宋名家书法赏析与临摹指南》,旨在带领读者穿越时空,深入领略唐代雍容雄浑与宋代尚意尚态的艺术高峰,为当代学习者和鉴赏者提供一套系统、深入且实用的学习路径。 我们聚焦于中国书法史上最具代表性的两位巨匠——唐代的颜真卿与宋代的苏轼。他们的成就,代表了中国书法艺术在不同历史阶段所达到的极致。 第一编:盛唐气象——颜真卿楷书的雄浑与法度 唐代是书法艺术的黄金时代,其特征是“法度森严而气象万千”。颜真卿(709年—785年),作为“颜体”的开创者,其书法以“雄浑、端庄、博大”著称,被后世誉为“楷书之极”。 第一章 颜体的时代背景与精神内核 本章首先梳理了安史之乱前后唐代书风的演变,探究颜真卿书法的形成土壤。颜公身历国事,其书法中的“气节”与“忠义”精神,是理解其笔墨力量的关键。我们将分析唐人重法度的理念,如何在他笔下转化为一种超越规范的生命力。 第二章 颜体结构的核心奥秘 颜体结构之美在于其“中宫紧密,四面开张”的特点。 点画的力度与质感: 重点剖析“横如千里阵云,竖如万岁枯藤”的具体视觉效果。讲解起笔的“藏锋入木”与收笔的“回锋蓄势”在不同笔画中的运用变化,特别是“蚕头燕尾”的精确控制。 空间布局的博大: 深入解析颜楷中字的扁平化趋势与字形的“蚕形”结构。讲解如何通过控制墨色的浓淡干湿,来塑造笔画间的内在张力,实现“形大而神不散”的境界。 经典碑帖精研: 本章精选《多宝塔碑》、《勤礼碑》、《告身碑》进行个案分析。对比不同时期的颜体差异,如《多宝塔碑》的俊朗秀劲与《告身碑》的浑厚内敛,指出学习的侧重点和递进关系。 第三章 临摹技法实操指导(颜体) 提供具体的笔法示范与练习路径。包括:墨条的选取、笔锋的控制、提按的节奏感训练。强调“心摹手追”的理念,即在书写时,必须理解颜真卿在创作时的心境和对结构的处理逻辑。提供针对性的易错点纠正,如笔画重心不稳、结构松散等常见问题。 第二编:尚意之风——苏轼书法的平淡与自然 进入宋代,书法审美转向“尚意”。士人阶层将个人的学养、性情与审美趣味前所未有地融入书写之中。苏轼(1037年—1101年),作为“宋四家”之首,其书法是“文人书风”的集大成者,追求的是一种“不激不厉,而风规自远”的平淡天真之趣。 第一章 从“唐法”到“宋意”:苏轼书风的变革 本章探讨苏轼早年对唐楷(特别是颜真卿)的学习,以及他如何突破窠臼,形成自己“我行我素”的书写风格。分析宋代“尚意”思潮对文人书法的哲学指导意义,即“以书写性情,不以书写法度”。 第二章 苏轼“意到笔不到”的笔墨诀窍 苏轼的书法常被形容为“肥而不冗,拙而不俗”。其笔法看似随意,实则蕴含深厚的内在控制力。 圆笔与侧锋的运用: 解析苏轼如何大量使用侧锋,营造出圆润厚重的笔触感,以及“涨墨”技法在增加拙厚感中的作用。 结体的欹侧与呼应: 讲解苏体结字中的“欹侧取妍”,即字形不再追求绝对的端正,而是通过内部笔画的相互牵掣与呼应,形成动态的平衡。特别是其长横的“蚕腰”处理,极具个人特色。 墨色的层次感: 探讨苏轼用墨的特点,如何通过控制水分,使墨色在同一字内产生浓淡变化,增强作品的韵味和层次。 第三章 经典墨迹深度剖析与临习 苏轼的书法以墨迹传世为主,这要求学习者必须具备更高的“读帖”能力。本章精选《寒食帖》、《祭黄州文赋》、《黄州寒食帖跋》等代表作。 《寒食帖》的“至悲至乐”: 详细拆解此帖中情绪的跌宕起伏是如何通过笔画的疾徐、结体的欹侧直接体现的,这是理解“意”的关键范本。 行草的笔势连贯性训练: 苏轼的行书是其意趣的集中体现。本章提供从楷书向行书过渡的专项训练,强调“笔断意连”的内在逻辑,训练读者如何将点画的内在精神贯穿于字与字之间。 第三编:综合实践与鉴赏提升 综合对比:唐颜与宋苏的审美取向 本章通过图表和案例,清晰对比颜真卿的“法度严谨”与苏轼的“自然洒脱”在结体、笔法、墨色上的根本差异。帮助学习者明确自身倾向,避免在学习过程中混淆两家的审美标准。 鉴赏力的培养:从“看字”到“读人” 书法鉴赏的终极目标是理解书写者的精神世界。本章指导读者如何通过观察笔意的起承转合,去体会颜公的坚定不移与苏子瞻的旷达超脱。提供一套系统的鉴赏口诀,帮助读者从纯粹的技法层面提升至文化艺术修养层面。 结语:守正创新,熔铸己法 本书并非旨在培养僵化的模仿者,而是希望引导学习者在精通二家法度的基础上,领悟“不似之似”的真谛,最终熔铸出属于自己的书写风貌。学古人者,贵在取其神,而非形。 --- 本书特色: 1. 深度结合碑帖与墨迹: 兼顾了楷书的法度训练与行书的意趣表达。 2. 结构化学习路径: 从时代背景到笔画细节,再到整体章法,层层递进。 3. 实操性强: 提供大量针对性的临摹技法和易错点解析,适合有一定基础,渴望深入提升的学习者。 4. 学术性与普及性的完美结合: 内容严谨,语言流畅,雅俗共赏。

作者简介

目录信息

1.怎樣畫梅花 2.怎樣畫蘭花 3.怎樣畫竹 4.怎樣畫菊花
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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最让我感到惊喜的是,我发现书中似乎收录了一些非常罕见的“拓片”或“摹本”的对比分析图。这些图示清晰地展示了同一位大师在不同年龄段或不同心境下,对同一主题的诠释演变过程。这种纵向和横向的对比研究,对于学习者来说是构建自己艺术谱系理解的绝佳材料。通过观察这种“进化史”,我们不仅能学习到具体的笔触,更能理解“风格”是如何在长期实践中磨砺和定型的。我特别期待能深入研究那些关于“气韵生动”的视觉化解释,看看作者是如何将一个形而上的概念,通过墨线和结构变化,转化为可观察、可模仿的具体视觉语言。这本书的深度和广度,远超出了我最初的预期,它似乎准备将读者引向一条更为精深、需要长期投入的艺术探索之路。

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说实话,我本来对这类题材的书籍抱持着一种审慎的态度,毕竟市场上同类的“速成”或“简化版”教程实在太多了。但这本书的装帧和用纸质感就透露出一种与众不同、追求极致的匠心。我瞥了一眼插图部分,那些关于“结构分解与重构”的图示做得极其细致,不同于那种简单的步骤图解,它似乎是在用一种解剖学的视角去研究这些植物的内在骨骼和生长逻辑。特别是关于“水分控制”的讨论,这绝对是水墨画中最玄妙也最难掌握的环节之一,如果作者能用清晰的语言和图例说明在不同湿度下,墨如何在宣纸上“洇开”并形成预期效果,那简直是价值连城的信息。我希望能从中找到对抗洇墨失控的实战策略,而不是空泛的理论陈述。这本书给我的第一印象是,它不只是教你“怎么画”,更是在引导你理解“为什么这样画才是对的”。

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这本新书真是让人眼前一亮,虽然我还没有完全细读,但从目录和一些章节的导读来看,它似乎聚焦于中国传统书画中一个非常重要的主题——花卉的写意与工笔结合的技法探讨。我特别留意到其中关于“笔墨情趣”的章节介绍,那种将个人情感融入笔触的东方美学,在当代画册中是越来越难得的了。作者似乎花了大量篇幅去解析历代名家的用墨浓淡变化,尤其提到如何通过墨色的层次感来表现物象的生命力和精神气质,这一点非常吸引我。我一直觉得,很多现代国画教材过于注重“形似”,而忽略了“神韵”的培养,这本书如果能真正把这种写意的精髓传达出来,那将是极大的收获。书中提到的“如何用枯笔表现老枝的苍劲”那段描述,听起来就充满了禅意,仿佛能闻到宣纸上淡淡的墨香和岁月的沉淀感。我期待着能从中找到提升自己线条控制力和气韵连贯性的关键。

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这本书的叙事风格非常独特,它似乎摒弃了那种高高在上的说教口吻,而是采用了更接近于“对话”的语境。我在其中看到几段关于画家心境的描写,探讨了在创作过程中如何保持一种“定力”,如何应对技术瓶颈时的内心挣扎。这种对艺术创作中“心理层面”的关注,在当下的教程中是极为罕见的。很多书籍只教你手如何动,却忽略了心如何静。例如,书中提到“画竹须先忘竹”,这种强调主观能动性和精神契合度的论述,让我感到一股清流。我希望能从中汲取一些关于如何调整心态、培养长期创作耐力的智慧。它似乎在告诉我,技法是工具,而最终决定作品高度的,是创作者的修为和对物象的理解深度。

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我认识的一位老画家朋友向我推荐了这本书,他用了一个非常古老的词来形容它的价值——“法度森严”。这让我对其中的理论深度产生了极大的兴趣。我翻阅到其中一小节,似乎在探讨不同流派在表现同一主题时,在结构布局上的细微差别,例如宋代院体的严谨与元代文人画的散淡之间的张力与融合。这表明作者对中国艺术史有着扎实的功底,而不是简单地把技法堆砌起来。我尤其好奇书中对“章法”的阐述,即如何安排画面的疏密关系,如何利用“空白”来引导观者的视线,使画面达到呼吸感。很多新手画画时,常常把画面塞得满满当当,缺乏呼吸感,如果这本书能系统性地提供一套应对布局难题的思维框架,那它就超越了一本普通的技法书的范畴,更像是一部高级的创作指南。

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