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出版者:中国青年出版社

作者:[英] 理查德·威廉姆斯

出品人:

页数:339

译者:邓晓娥

出版时间:2006-1

价格:128.00元

装帧:平装

isbn号码:9787500666332

丛书系列:

图书标签:

• 动画
• 原动画基础教程——动画人的生存手册
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• 视觉表达
• 运动规律
• 分镜设计

《动画原理与实践》 本书是一本深入剖析动画制作核心要素的专业教程。它并非专注于某个特定软件或风格，而是着重于揭示那些贯穿古今、成就优秀动画作品的通用法则与技巧。无论您是怀揣动画梦想的初学者，还是希望精进技艺的资深从业者，都能从本书中汲取宝贵的养分。 第一部分：动画的语言——理解运动的本质 在正式进入具体制作之前，我们将首先回归动画最根本的魅力所在：如何让静止的画面“活”起来。 生命的律动：动画九大基本定律的深度解析 挤压与伸展（Squash and Stretch）： 不仅仅是让球体变形，更是赋予物体重量感、弹性和材质表现力的关键。我们将详细探讨如何在不同物体、不同情境下运用这一法则，使其看起来更具生命力，而非生硬的拉伸或压缩。例如，一个柔软的面包掉落时的形变，与一个坚硬的金属球碰撞时的形变，它们在“挤压与伸展”的运用上有着怎样的区别？我们将通过大量图例和案例进行说明。 预备动作（Anticipation）： 动作的“预兆”为何如此重要？它如何引导观众的视线，增加动作的可信度和戏剧张力？我们将分析从投掷、跳跃到角色复杂情绪表达的预备动作设计，讲解如何通过微妙的姿态变化来预示即将发生的动作。 构图（Staging）： 如何通过画面的安排，清晰地传达信息，引导观众注意力，并营造氛围？我们将讨论构图的基本原则，如平衡、对称、三分法等，并深入研究如何在动态画面中运用构图来增强叙事效果。 跟随动作与重叠动作（Follow Through and Overlapping Action）： 为什么运动中的物体很少在同一时刻停止？如何通过这些细节让运动看起来更自然、更流畅？本书将详细阐述如何模拟现实世界中物体惯性与空气阻力带来的影响，使角色的动作更具层次感和真实感。 缓入与缓出（Slow In and Slow Out）： “慢开始，慢结束”是让动作看起来平滑、自然的关键。我们将深入探讨加速和减速的曲线原理，并演示如何在关键帧动画中巧妙运用，避免僵硬的线性运动。 弧线（Arcs）： 自然界中的运动大多遵循弧线轨迹。我们将讲解如何识别和运用弧线来增强动作的流畅性和生命力，从角色手臂的摆动到物体的抛物线运动。 次要动作（Secondary Action）： 主体动作之外，那些辅助性的、增强表现力的细节。如何用次要动作丰富角色的表演，使其更生动、更具个性？例如，角色说话时细微的面部表情，或是行走时轻微的手臂摆动。 时间（Timing）： 动作的速度与节奏，是决定动画表现力的核心。我们将探讨如何通过调整关键帧之间的间隔来控制动作的速度，以及如何利用不同的时间组合来传达情绪和意图。 夸张（Exaggeration）： 如何在不失真实感的前提下，适度地夸大动作和表情，以增强动画的表现力和感染力？我们将讨论不同风格下夸张的度，以及如何运用夸张来突出角色的个性和情绪。 透视与空间：构建真实的动画世界 我们将深入研究透视的基本原理，包括一点、两点、三点透视的应用，以及如何在动画场景中构建具有空间感的画面。 讨论镜头语言与空间的关系，如何通过不同的景别、视角和运镜来引导观众的感知，增强故事的表现力。 光影的魔法：塑造体积与氛围 学习光线的方向、强度和颜色如何影响物体的体积感、材质感和情绪表达。 探讨如何通过明暗对比、高光和阴影来营造不同的场景氛围，从明亮的童话世界到阴森的恐怖场景。 第二部分：角色表演的艺术——赋予生命的故事讲述者 动画的灵魂在于角色。本部分将聚焦于如何创造有血有肉、令人难忘的角色。 解剖学与动态：绘制有生命力的形体 虽然不直接教授绘画技巧，但我们将强调理解人体（或生物体）骨骼、肌肉结构对描绘真实、有力量感动作的重要性。 学习如何将解剖学知识转化为流畅的动态线条，让角色在运动中展现出自然的形体变化。 情绪的表达：面部表情与肢体语言的化学反应 深入解析构成复杂情绪的各种微小表情变化，学习如何通过眉毛、眼睛、嘴巴等部位的细微调整来传递喜怒哀乐。 将面部表情与肢体语言相结合，讲解如何让角色的整体表演连贯、自然，并富有感染力。 个性的塑造：从设计到表演的统一 探讨如何从角色的外形设计、动作习惯、声音语调等多个维度，塑造出独一无二的角色个性。 学习如何让角色的表演与其性格特质相符，使其言行举止都具有内在逻辑。 表演的节奏与停顿：无声的叙事力量 强调动作中的节奏感，以及恰当的停顿如何增强情感的冲击力，让观众有时间去体会角色的内心世界。 第三部分：场景与构思的智慧——构建引人入胜的动画世界 一个精彩的故事离不开一个精心构建的视觉环境。 场景设计原理：功能与美学的融合 探讨如何设计既符合故事逻辑，又具有视觉吸引力的场景。 学习如何通过场景的细节来暗示故事背景、角色关系和时代氛围。 叙事性构图：用画面讲故事 将动画基本定律与镜头语言相结合，讲解如何通过构图来引导观众的视线，突出故事重点，并制造戏剧性。 分析不同类型的镜头（广角、特写、中景等）在叙事中的作用。 色彩的心理学：唤醒观众的情感共鸣 深入探讨不同颜色所代表的心理含义和情感联想，以及如何运用色彩搭配来营造特定的场景氛围和角色情绪。 第四部分：动态的流程与优化——从草图到成片的实践之路 理解了动画的原理，如何将其有效地转化为实际作品？ 故事板（Storyboard）的重要性：从概念到视觉的桥梁 讲解如何通过故事板来规划动画的流程、镜头和动作，提前发现问题并进行调整。 关键帧动画（Keyframe Animation）的核心流程 从关键帧的绘制，到中间帧的生成，以及如何进行补帧（In-betweening）。 介绍不同类型的补帧方法，以及如何根据动作特性选择合适的补帧策略。 动画的节奏控制与优化 如何通过调整动画的时间（Timing）和帧率（Frame Rate）来达到最佳的视觉效果。 学习如何进行动画的精修（Polishing），让画面更流畅、更具表现力。 分镜脚本与制作流程的初步认知 简要介绍动画制作的整体流程，包括前期策划、中期制作和后期合成，以及如何在不同阶段有效地沟通与协作。 本书的特色： 强调“为什么”： 区别于仅仅罗列技巧，本书更注重解释每一个动画法则背后的原理和逻辑，帮助读者理解“为什么”这样做，从而能够触类旁通，灵活运用。 理论与实践的结合： 在深入讲解理论知识的同时，辅以大量的案例分析和图示，帮助读者将抽象的概念具象化。 普适性： 本书教授的动画原理和技巧，广泛适用于2D动画、3D动画、定格动画等多种动画形式。 启发性： 鼓励读者进行独立思考和实践，培养发现问题、解决问题的能力，最终形成自己独特的动画语言。 本书将引领您踏上一段探索动画世界精髓的旅程，让您深刻理解让画面“动起来”的秘密，并掌握创造令人难忘的动画作品所需的关键技能。

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只是在Carmack （a CG Artist)的个人主页上看到这本书的推荐。 FYI. 今天看到网上有人推荐这本书《The Animator's Survival Kit》(可能有台湾译本) DreamWorks的动画师以及Disney的资深动画师都大力推荐。据说这本书绝对是动画师必备手册，奥斯卡奖得主一生的经验之谈。而...

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两个字——专业。三个字——很专业。四个字——非常专业。我就郁闷，为什么现在大学的动画系学院不用这本书做教材呢？别的教材完全和这本书没得比。说它是同类教材最好，一点都不为过  

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只是在Carmack （a CG Artist)的个人主页上看到这本书的推荐。 FYI. 今天看到网上有人推荐这本书《The Animator's Survival Kit》(可能有台湾译本) DreamWorks的动画师以及Disney的资深动画师都大力推荐。据说这本书绝对是动画师必备手册，奥斯卡奖得主一生的经验之谈。而...

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这本书的内容简直让我惊艳！作为一个对动画一直充满好奇，但又不知从何入门的读者，我曾尝试过无数的在线教程和零散的视频，但总感觉摸不着头脑，知识点碎片化严重，学起来断断续续，效率极低。直到我遇到了《原动画基础教程》，我才发现自己之前的努力有多么“无效”。这本书就像一位经验丰富的老者，循循善诱地将复杂的动画原理拆解成易于理解的部分。它没有上来就抛出晦涩难懂的专业术语，而是从最基本的光影、透视、骨骼结构开始讲起，用非常直观的图示和生动的语言，解释了为什么角色在行走时会有身体的起伏，为什么物体在运动时会有惯性和阻力。我最喜欢的是书中关于“时序”和“缓动”的讲解，这一点对我来说是巨大的突破！以前我总觉得动画的流畅度是个玄学，而这本书让我茅塞顿开，原来这背后有着严谨的科学依据和一套成熟的方法论。作者通过大量的实例，展示了如何通过调整关键帧之间的间隔和曲线，来营造出物体运动的快慢轻重，让原本生硬的动作变得栩栩如生。这本书的优点不仅仅在于理论的清晰，更在于实践的指导性。它提供的练习方法和思考题，能够让我立刻将学到的知识应用到自己的练习中，并且在练习中不断发现问题，加深理解。我感觉自己不再是那个对动画一窍不通的门外汉，而是真正踏入了动画创作的殿堂，准备好迈出第一步了。

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我一直觉得，动画制作就像一项精密的工程，每一个环节都需要严谨的逻辑和巧妙的设计。《原动画基础教程》恰恰提供了这样一套严谨的框架。我一直对动画中的“节奏感”和“力度”感到非常困惑，总觉得自己的动画看起来有些干瘪，缺乏那种让人眼前一亮的感觉。而这本书，则系统地阐述了如何通过对“时间”和“空间”的精准把控，来创造出引人入胜的动画效果。它并非一股脑地灌输知识，而是通过大量的案例分析，展示了不同运动模式下，如何利用“缓入缓出”、“对称与不对称”、“动态透视”等原则，来塑造出物体运动的真实感和表现力。我特别欣赏书中对“角色弧光”的讲解，它不仅仅是关于角色的外观，更是关于角色的内在变化和成长。作者引导我思考，如何通过角色的动作和表情，来展现他们情绪的起伏、心理的转变，从而让角色更加立体和令人信服。这本书就像一本“动画动作设计圣经”，它不仅仅教我如何让物体“动起来”，更教我如何让角色“活过来”，如何通过动画来讲述一个有血有肉的故事。我感觉自己不再是被动地学习，而是在主动地构建和创造，我的动画作品也因此变得越来越有生命力。

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我对《原动画基础教程》的感受，可以用“相见恨晚”来形容。作为一名有多年绘画基础，但对动画原理一直模糊不清的爱好者，我总是感觉自己在创作的时候，画面虽然看起来还不错，但总缺少一种“灵魂”，缺乏那种流动的生命力。这本书，就像一把钥匙，为我打开了通往真正动画世界的大门。它并没有简单地罗列那些常见的动画术语，而是深入挖掘了每一个概念背后的“为什么”。比如，在讲解“预备动作”时，它不是简单地告诉你“要加预备动作”，而是详细分析了为什么预备动作能够增强动作的冲击力，如何通过预备动作来预示即将发生的动作，以及不同类型的预备动作所能产生的不同视觉效果。这种深入骨髓的讲解，让我彻底理解了这些原则的意义，而不是死记硬背。我尤其喜欢书中关于“线条的运用”与“动画流畅性”之间关系的阐述。作者用大量的图示和生动的比喻，解释了如何通过线条的粗细、方向、速度以及它们之间的连贯性，来营造出物体运动的速度感、重量感和质感。这让我意识到，原来我一直以来忽略了线条在动画中的巨大能量。这本书就像一位经验丰富的动画大师，不仅仅教我如何画出动感的线条，更教我如何用线条来“说故事”，来传递情感。

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说实话，刚拿到这本书的时候，我并没有抱太大的期望。市面上关于“基础教程”的书籍太多了，很多都流于表面，要么是堆砌概念，要么就是照搬软件操作，完全忽略了动画的核心——“动起来”的艺术和科学。但《原动画基础教程》彻底颠覆了我的认知。它没有把重点放在某个具体的软件上，而是深入浅出地讲解了动画最本质的原理，那些即使脱离了软件，在任何形式的动画制作中都适用的通用法则。我特别欣赏书中关于“角色表演”和“情绪传达”的章节。作者并没有像一些教程那样，只是简单地教你如何画出眨眼或者微笑，而是通过分析不同情绪下的人物肢体语言和面部表情的细微变化，来引导读者思考如何让角色“活”起来，如何通过动画来赋予角色灵魂。这一点对我来说是巨大的启发，因为我一直认为，好的动画不仅仅是技术上的流畅，更重要的是它能够触动人心，引起观众的情感共鸣。书中关于“如何设计吸引人的动作”的讲解，也让我受益匪浅。它并不是简单地告诉你“这样做”，而是引导你从角色的性格、动机出发，去设计最符合逻辑和表现力的动作。这让我意识到，动画创作是一个需要深度思考和创意输出的过程，而不仅仅是机械的重复。这本书就像一位经验丰富的导演，不仅仅教我如何拍电影，更教我如何讲故事，如何通过影像的语言来表达情感和思想。

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这本书的内容，简直就是我一直以来寻找的“魔法咒语”，让原本遥不可及的动画世界变得触手可及。我不是科班出身，也没有接受过任何专业的培训，但内心对动画的热爱从未熄灭。我曾无数次地幻想，如果我能亲手创造出那些让我着迷的角色和故事，那该是多么幸福的事情。然而，现实总是骨感的，面对着浩瀚的动画理论和复杂的技术，我常常感到无从下手，就像置身于一片迷雾之中。幸运的是，《原动画基础教程》如同灯塔，为我指引了方向。它以一种极其友好的姿态，将动画最核心的“十二法则”以及更广泛的运动原理，以一种非常易懂的方式呈现出来。我最深刻的体会是，这本书不仅仅是在“教”我东西，更是在“启发”我思考。它不会直接告诉你答案，而是通过一个个精妙的例子和循序渐进的练习，引导我主动去探索和发现。比如，在讲解“重叠动作与反作用力”时，它不是简单地给出公式，而是通过分析一个人物抛掷物品的动作，让你理解重力、动量以及身体各个部位之间的相互作用是如何影响最终的运动轨迹的。这种“授人以鱼不如授人以渔”的教学方式，让我学到的不仅仅是知识，更是一种独立思考和解决问题的能力。我感觉自己不再是那个被动接受信息的学生，而是正在成为一个主动的探索者，一个未来的动画创作者。

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膜拜。让我重新理解了时间和空间

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应该说以前有《动画时间的掌握》现在又这本《原动画基础教程》，而这本尽管价格很昂贵，但是书的质量和内容，以及作者积淀下来的宝贵经验，绝对还是应该动画人人手一册

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没有什么激情的开始，于是结束

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绝对的好书!!!我现在就霸着图书馆这本无限续借了= =

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Animation is all about the timing and spacing.放在任何多媒体领域都是相通的。