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出版者:西南师范大学出版社

作者:杨道圣

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2003-3

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787562128519

丛书系列:

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《服装美学》 内容简介： 《服装美学》是一部深度探索服装艺术与人类文化、社会心理之间错综复杂联系的著作。本书并非仅仅罗列时尚潮流的更迭，而是试图解构服装作为一种视觉语言的本质，揭示其承载的丰富信息与深层含义。全书以审慎的学术态度，结合历史学、社会学、心理学、艺术史及哲学等多学科视角，力图构建一个关于服装美学的完整理论框架。 第一部分：服装的物质基础与感官体验 本书的开篇，我们首先将目光投向服装最直观的层面——物质性。从天然纤维的触感、肌理，到人造材料的垂坠、光泽，服装的质地直接影响着穿着者的身体感知，也构成了他人对服装的第一印象。我们深入剖析不同面料的物理特性，如棉的亲肤透气，丝的华贵垂顺，麻的粗犷自然，以及现代合成纤维带来的创新可能。这些物质属性不仅仅是技术层面的考量，它们承载着特定的文化记忆与社会象征。例如，羊毛在许多文化中与温暖、朴实、贵族气质相关联，而丝绸则自古以来就是东方神秘与奢华的代表。 更进一步，本书将探讨服装的色彩。色彩是视觉中最具表现力的元素，它直接作用于我们的情感，引发联想。我们将追溯不同文化中色彩的象征意义，例如白色在西方文化中常代表纯洁与神圣，而在东方某些传统中则与丧葬相关；红色在中国象征喜庆与活力，在西方则可能关联热情、危险或权力。本书将分析色彩心理学在服装设计中的应用，探讨饱和度、明度、色相对比如何影响服装的整体风格和穿着者的心境。我们还将考察色彩在特定历史时期、社会阶层或职业群体中的特定应用，比如皇室的紫色，僧侣的棕色，以及不同时代流行的色彩趋势。 触感、视觉之外，服装的轮廓与形态同样是构成其美学意义的关键。本书将详细解析服装的剪裁、廓形、结构设计如何塑造身体的形象，以及这些形态如何与时代审美观念相互作用。从早期束身勾勒的精致，到自由奔放的宽松，再到现代建筑感、解构主义的探索，服装的形态变迁反映了社会对身体、性别、身份认知的演变。我们将分析肩部设计、腰线处理、裙摆长度、裤装剪裁等具体细节如何赋予服装不同的性格和意义。例如，垫肩的出现如何象征着力量与自信，而垂坠的丝绸长裙则可能传递出优雅与柔美。 第二部分：服装的文化语境与社会象征 一旦超越了服装的物质层面，我们就必须将其置于广阔的文化语境中去理解。本书将深入考察服装在不同社会、不同历史时期的象征功能。服装不仅仅是遮蔽身体的工具，更是社会身份、阶层地位、职业属性、性别认同、宗教信仰甚至政治立场的清晰标识。 我们将回顾历史上等级森严的服饰制度，如欧洲中世纪贵族的华丽服饰与平民的朴素衣着，它们如何通过材质、颜色、款式、配饰等明确区分社会阶层。在一些传统社会中，特定纹饰、图案更是与家族、部落、职业紧密相连，构成一套无声的沟通系统。例如，某些民族的刺绣图案可能记录着家族的历史，或代表着其在部落中的地位。 本书还将重点关注服装与性别表达的关系。从历史上女性服饰的束缚与装饰，到男性服饰的实用与权力象征，再到现代性别界限的模糊与挑战，服装一直是性别观念的载体与协商场域。我们将分析裙装、裤装、高跟鞋、西装等服饰元素如何被赋予性别意义，以及这些意义如何在不同文化中发生变异。同时，我们也关注性别流动性与非二元性别在服装表达上的新探索，以及这些探索如何挑战传统的性别二元划分。 宗教与灵性同样在服装美学中扮演着重要角色。从僧侣的法衣到特定宗教节庆的服饰，服装承载着信仰的庄重与神圣。我们将探讨宗教服饰的象征意义，如十字架、头巾、特定的颜色和款式如何代表着对神灵的敬畏与虔诚。这些服饰不仅是信仰的标志，更是仪式活动中不可或缺的一部分，其设计往往蕴含着深刻的神学与哲学内涵。 第三部分：服装的心理维度与身份建构 服装与人类心理的联系同样是本书探讨的重点。穿着行为本身就蕴含着丰富的心理动机，从对美的追求，到对社会接纳的渴望，再到个体身份的自我确认。 我们将探讨“衣着心理学”，分析服装如何影响个体的自信心、情绪状态，以及他人对我们的评价。一件精心挑选的服装，能够瞬间提升一个人的精神面貌，使其在社交场合更加游刃有余。反之，不合适的着装则可能导致尴尬与不安。本书将借鉴社会心理学研究，探讨“着装效应”——即外在形象如何反过来影响内在认知和行为模式。 更重要的是，服装在身份建构中扮演着至关重要的角色。在现代社会，个人不再被固定的社会角色所束缚，而是更加强调个体的独特性与自主选择。服装成为个体表达自我、塑造身份的重要媒介。年轻人通过追逐潮流来寻找归属感，而成熟的个体则可能通过经典、简约的风格来彰显品味与成熟。本书将分析亚文化群体如何通过特定的着装风格来构建社群认同，以及个人如何在多元化的时尚选择中，通过服装来探索和确立自己的身份。 从外在的模仿到内在的认同，服装的穿着过程本身就是一种身份的实践。当我们选择某种风格的服装，实际上是在向世界宣告“我是谁”或“我想成为谁”。本书将深入剖析这一过程，从社会角色的扮演到个人价值的呈现，揭示服装作为一种“第二皮肤”，如何帮助我们与世界进行对话。 第四部分：时尚的演进与服装美学的未来 本书的最后部分，我们将目光转向服装美学的动态演变，即“时尚”的概念。时尚并非无根之水，而是由社会、经济、技术、文化等多种力量共同塑造的复杂现象。 我们将回顾历史上主要的时尚变革时期，分析其背后的驱动因素。例如，工业革命如何带来大规模生产，进而改变了服装的普及性；两次世界大战如何深刻影响了女性服饰的解放与发展；后现代主义思潮如何挑战传统的审美规范，催生了多元化的时尚风格。 本书还将探讨当代时尚的特征，如快时尚的崛起与可持续时尚的呼唤，全球化背景下的文化融合与文化挪用，以及科技发展（如智能服装、3D打印技术）为服装美学带来的新机遇与新挑战。 最后，我们将对服装美学的未来进行展望。在信息爆炸、文化多元的时代，服装的意义将更加复杂和多层次。个体将拥有更大的自由度来组合和表达，服装的界限也将更加模糊。本书将探讨在这样一个充满变数和可能性的未来，服装美学将如何继续演进，以及它如何继续作为一种强大的视觉语言，在塑造人类个体与社会的过程中发挥其不可替代的作用。 《服装美学》旨在为读者提供一个理解服装的全新视角，鼓励读者在日常的穿着选择中，不仅关注其功能性与潮流性，更能体会其背后的文化底蕴、社会价值与深层心理意义，从而更加深刻地理解服装艺术与人类文明的血肉联系。

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这本书简直是为我量身定做的，我一个刚入门的设计新人，对服装的理解还停留在“好看”的层面，这本书完全打开了我的新世界大门。它不像那些枯燥的理论教材，而是用非常生动有趣的笔触，把服装设计中那些抽象的美学原理，比如和谐、韵律、平衡这些概念，掰开了揉碎了讲。我印象最深的是关于色彩搭配的那一章，作者通过大量经典案例的分析，比如某位大师的作品，是如何巧妙地运用冷暖对比和明度变化来营造视觉焦点和情绪氛围的，让我这个以前只会“红配绿”的“色盲”都仿佛被打通了任督二脉。更难得的是，书里并没有停留在对既有经典的模仿上，而是引导读者去思考“为什么是这样美”，这种探究本质的思维方式，对我接下来的设计实践有着决定性的指导意义。读完之后，我再看任何一件衣服，都会不自觉地去分析它的结构、比例和材质之间的关系，不再是走马观花，而是真正进入了“读图”的境界。这本书的价值，在于它构建了一个完整的视觉认知体系，让我对“美”有了一种更系统、更深入的理解。

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这本书的学术严谨性和批判性是我之前阅读的很多同类书籍所不具备的。它不是一味地歌颂某种单一的“美”，而是呈现了美学标准是如何流变、如何被权力建构和解构的过程。书中对西方主流审美体系进行了深入的反思，探讨了“异域风情”和“刻板印象”在时尚语境下的复杂关系，这种批判性的视角让我受益匪浅。我特别喜欢作者在讨论“中性美”和“反时尚”现象时所展现出的洞察力，她没有简单地贴标签，而是将其置于当代消费主义和身份认同的宏大背景下去审视，非常具有启发性。对于那些已经有一定基础，渴望从“匠人”提升到“思想者”层次的设计师或理论研究者来说，这本书提供的分析框架是极具价值的。它促使我重新审视自己对“美”的定义，不再轻易接受既定的标准，而是去追寻更具时代意义和个体原创性的表达。这种思维上的挑战和拓展，才是顶尖学术著作的价值所在。

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说实话，我买这本书之前其实有点忐忑，因为“美学”这个词听起来太高深了，担心读起来会晦涩难懂，充满了只有科班生才看得懂的术语。然而，这本书的行文风格非常亲民、非常具有引导性。作者似乎非常懂得如何与一个初学者对话，她总是先抛出一个日常生活中的例子，比如为什么我们觉得某个比例看起来更舒服，然后才引入专业的几何学或光学原理来解释它。这本书的排版和配图也值得称赞，那些精心挑选的插画和照片，不仅清晰地展示了理论要点，本身的艺术水准也非常高，真正做到了图文并茂，让复杂的概念变得直观易懂。我个人认为，这本书最成功的地方在于它成功地架起了一座“理论”与“实践”之间的桥梁。读完后，我立刻尝试用书中学到的“黄金分割”原理去调整我衣柜里的一些基础款的搭配，效果立竿见影，那种自信和愉悦感，是单纯追逐潮流无法给予的。它教会我的不是如何去穿，而是如何去“看”和“构建”美。

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我是一个对材质和工艺有近乎偏执的追求的从业者，我原本以为这本书会偏重于符号学或视觉传达，没想到它对“触感美学”和“材质的内在语言”也有如此深入的探讨。书中用细腻的笔触描述了不同纤维在光线下反射出的微小差异，羊绒的沉稳与真丝的灵动如何在视觉上造成心理感受的差异。作者甚至花了好几页篇幅讨论了“褶皱”本身的美学意义——它如何记录了身体的动作和时间的流逝，这种对细节的极致关注，让我这位“材料控”大呼过瘾。这本书不是简单地告诉你“丝绸很高级”，而是告诉你“为什么丝绸的垂坠感会产生与光影互动的美感，这种美感在特定结构下如何被放大”。它拓宽了我对“美”的感知维度，让我意识到美学不仅仅是眼睛看到的，更是身体可以感知和共鸣的。读完这本书，我拿到一块新的面料时，首先想到的不再是它能做什么款式，而是它本身想要表达什么样的“气质”和“故事”。这本书是真正将感官体验提升到哲学层面的佳作。

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我对时尚史和文化背景的研究比较多，所以一直想找一本能把服装设计与社会思潮、艺术流派结合起来讲的书，这本书在这方面做得极其出色。它没有仅仅罗列哪个年代流行什么廓形，而是深入剖析了诸如工业革命、女权运动乃至后现代主义思潮是如何具体反映在面料选择、剪裁手法和配饰设计上的。举例来说，书中分析了20世纪初期的“新艺术运动”对服装线条的解放，那种流畅的、有机的曲线美是如何挣脱维多利亚时代束缚的，讲得既有深度又不失趣味性，让人读起来像在听一场精彩的文化讲座。我尤其欣赏作者那种跨学科的视野，她能将建筑学的空间感、雕塑学的形体感，巧妙地嫁接到对服装三维结构的探讨中去。这本书对提升审美层次非常有帮助，它让我明白，服装从来不是孤立存在的，它是时代精神、社会结构和个体表达的综合载体。对于想在服装领域深耕，尤其是对设计背后的“为什么”感兴趣的专业人士来说，这本绝对是案头必备的参考书。

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拼凑多，自己的东西少哦

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