故宫藏金属胎珐琅器 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:紫禁城出版社

作者:陈丽华

出品人:

页数:45

译者:

出版时间:2002-12

价格:10.00元

装帧:

isbn号码:9787800474194

丛书系列:故宫知识丛书

图书标签:

• 珐琅
• 金石
• 物质文化
• 故宫博物院
• 珐琅
• 金属胎
• 珐琅器
• 工艺
• 文物
• 艺术
• 清宫
• 收藏
• 中国工艺

故宫博物院珍藏：清代官窑瓷器精品赏析 一、引言：皇权与审美的交融 本书聚焦于故宫博物院所珍藏的清代官窑瓷器，旨在深入剖析这一时期制瓷业的巅峰成就及其背后的历史文化意涵。清代，作为中国封建社会的最后一个王朝，其宫廷制瓷达到了前所未有的高度，不仅在技术上集历代之大成，更在艺术风格上展现出强烈的时代特征。这些瓷器不仅仅是日用器皿或陈设艺术品，更是皇权至上理念的物质载体，是清代审美趣味、社会风尚与中外文化交流的直观体现。 本书将以严谨的学术态度和细腻的鉴赏视角，带领读者走近这些凝结着匠人智慧与帝王品味的珍品，领略其釉色之变幻、纹饰之精妙、造型之典雅。 二、清代官窑制度的嬗变与发展 清代的制瓷中心，毫无疑问是以景德镇御窑为核心。本书首先将梳理清代御窑制度的建立、发展与衰落，重点阐述康熙、雍正、乾隆三朝的鼎盛时期，以及晚清时期的艰难维系。 2.1 康熙朝：复兴与奠基 康熙十八年（1679年）景德镇御窑恢复生产后，制瓷业迅速走上复兴之路。本章将重点介绍康熙朝在釉料、胎土、造型和装饰艺术上取得的关键突破。 青花瓷的成熟与发展： 探讨康熙青花“士大夫气”的形成，特别是“康熙五彩青花”的流行，以及钴料提纯技术对烧成效果的决定性影响。分析其与明代永乐、宣德青花的异同。 彩瓷的创新： 详细解析“硬彩”（即广彩的雏形）和“五彩”的工艺进步，以及对柔和釉色的追求，如对康熙朝特有的“淡雅青花”的剖析。 釉彩技术的突破： 重点研究初期在郎窑红、祭红、仿古釉（如仿哥窑、仿汝窑）方面的探索与成就，这些成就为后来的雍正、乾隆朝的釉彩发展奠定了坚实的基础。 2.2 雍正朝：典雅的极致 雍正一朝（1723-1735年）被誉为中国制瓷史上的一个黄金时代。其风格趋向内敛、秀美、精巧，深受雍正皇帝本人的艺术品味影响。 珐琅彩（洋彩）的鼎盛： 虽然本书不详述金属胎珐琅器，但对“珐琅彩瓷”的出现与发展有必要进行深度探讨。重点解析其源自欧洲的装饰技法如何与中国传统画法完美结合，成为官窑中的“御用珍品”。分析其色彩的细腻层次感和笔触的文人画风格。 仿古与创新并举： 雍正朝对历代名窑的仿制达到了出神入化的地步，特别是对官窑、哥窑、定窑的追摹，其釉质与器型之精美，常使后人难以分辨真伪。 粉彩的成熟与应用： 粉彩工艺在雍正朝得以完善，其“粉雾”效果的实现，使得装饰图案的过渡更为自然柔和，极大地丰富了彩瓷的艺术表现力。 2.3 乾隆朝：集大成与繁缛的巅峰 乾隆朝（1736-1795年）的制瓷规模空前宏大，技术达到了空前的成熟度，但也伴随着风格趋向繁复的趋势。 “十色五彩”的追求： 乾隆官窑在装饰手法上力求“尽善尽美”，大量采用集多种彩绘技法于一身的“汇彩”装饰，如青花、粉彩、描金等技法同时运用。 器型与纹饰的广博性： 分析乾隆朝瓷器在器型上汲取了中西各种元素，并大量出现仿造西洋风格的器物（如壁炉架、瓶式）。纹饰上则以龙凤、山水花卉为主，注重画面的饱满与对称。 “乾隆款识”的规范化： 详细考证乾隆时期官窑款识的书写特征，以及官窑制度在乾隆后期出现的若干管理松懈的苗头。 三、彩瓷艺术的技艺解析 本书的重点之一在于对清代官窑彩瓷工艺的深入剖析，将其分为几大类进行技术层面的探讨： 3.1 青花瓷 钴料的演变： 梳理清代不同时期青花料的产地与特性，如何影响了“黑花”与“淡雅”两种不同风格的形成。 “一笔画”与“分水法”： 分析青花分水技法在康熙至乾隆时期的应用，这种技法如何实现色彩的浓淡变化，增强画面的立体感。 3.2 釉彩的革命——粉彩与广彩 粉彩的“三矾九炼”： 详细解说粉彩釉料中引入“铅白”后，实现色彩的柔和与堆彩效果的关键技术步骤。 彩绘的绘画性： 探讨官窑彩瓷中，画工如何借鉴清代院体画和文人画的笔法，使瓷器上的图案具有极高的艺术水准。重点分析如“墨彩描金”等复合技法的运用。 3.3 仿古釉与祭祀用瓷 仿古釉的极致： 针对清代对宋代五大名窑釉色的成功摹制，分析其在烧制温度、气氛控制和釉料配方上所做的艰苦努力。特别是对祭祀用瓷（如祭红、祭蓝）的稳定烧制技术的再现。 四、造型、款识与艺术风格的时代烙印 4.1 造型艺术的演变 清代官窑的造型继承了明代端庄大气的风格，但在雍正、乾隆时期，出现了更为灵巧、细致的趋势。本书将通过实例对比，展示从康熙的雄浑到乾隆的繁缛的造型变化。重点关注器型对当时宫廷陈设、宴饮礼仪的适应性。 4.2 官窑款识的规制与变化 款识是断代和定级别的关键要素。本章将系统梳理清代官窑（康熙、雍正、乾隆三朝为主）楷书款、篆书款的字体风格、落款位置及图案组合的演变规律，并辅以清晰的图版进行对比分析，为专业研究和鉴赏提供可靠依据。 五、结语：清瓷的文化价值 故宫博物院所藏的清代官窑瓷器，是研究清代社会史、工艺史、美术史乃至中外贸易史的珍贵实物资料。本书通过对工艺细节的深入挖掘和艺术风格的梳理，力求展现这一时期中国制瓷业的辉煌与复杂性，也反映了当时皇室对生活美学和艺术品位的极致追求。这些瓷器穿越历史的尘烟，至今依然散发着令人惊叹的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的价值远远超出了其标价。它在全面梳理故宫金属胎珐琅艺术脉络的同时，更侧重于展示工艺背后的“人”——那些无名或有名的工匠们。书中收录了几篇关于清代珐琅作坊管理的论述，虽然篇幅不长，但却为我们理解清代宫廷手工业的运作模式提供了极具价值的旁证。它揭示了国家力量如何支持和推动一项复杂工艺的巅峰发展，以及这种集体制的努力如何最终成就了不朽的艺术品。这本书的图录部分，每一件展品的文字说明都极为精炼且信息密度极大，通常在一两百字内就涵盖了朝代、工艺、纹饰寓意及馆藏编号等关键信息，效率极高。对于想要快速建立起一个系统认知框架的读者来说，这种高效的知识传达方式非常友好。这是一本值得反复阅读、常读常新的艺术史著作，它的出现极大地提升了国内相关领域研究的门槛和视野。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感受是，它不仅仅是一本关于“物”的书，更是一部关于“时间”和“技艺传承”的史诗。阅读时，我常常被那些历经数百年仍光彩夺目的器物所震撼，它们是历史洪流中幸存的见证者。作者在描述器物受损与修复的章节中，那种对历史痕迹的尊重和对匠人精神的敬畏，感染力极强。他们没有试图掩盖器物上岁月的沧桑，而是将其视为历史的一部分，这种态度本身就体现了一种高尚的学术情怀。特别是对一些早期中西合璧风格的珐琅器物的辨析，作者运用了扎实的文献考据和材料科学分析，清晰地勾勒出文化交融的轨迹，打破了一些固有的、过于简化的认知。这本书的版面设计非常大气，留白得当，使得每一件作品都有足够的空间呼吸，不会让人产生视觉疲劳。它像一位沉稳、博学的导师，带着你一步步走进故宫深处的珍宝库，耐心讲解着每一件展品的“前世今生”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我只是抱着试试看的心态购入的，毕竟关于故宫藏品的书市面上汗牛充栋。然而，这本书的表现力，尤其是其学术严谨性，彻底颠覆了我的预期。它不仅仅展示了“美”，更重要的是解释了“为什么美”以及“如何达到这种美”。我作为一个非专业人士，最担心的就是那些过于晦涩难懂的术语。但这本书的作者显然深谙沟通之道，在介绍复杂的金属冶炼和釉料配制过程时，使用了大量形象的比喻和清晰的流程图，使得即便是初学者也能抓住关键的技术脉络。比如，书中对“画珐琅”中如何处理铜胎的表面活性，以确保釉料附着均匀的描述，细致到令人发指。此外，这本书的装帧设计也极其考究，厚实的纸张和精细的装订保证了其作为传世之作的品质。我尤其注意到书末附录的“历代珐琅工匠名录索引”，这个细节对于希望进一步进行深入研究的学者来说，简直是无价之宝。它为我们打开了一扇通往幕后英雄世界的窗户。

评分☆☆☆☆☆

这本关于故宫馆藏金属胎珐琅器的书籍，实在是一部让人叹为观止的艺术宝典。我原本以为自己对中国古代工艺美术多少有些了解，但翻开这本书，才发现自己对珐琅器的认识是何等肤浅。书中的选材极为精到，不仅仅是简单罗列图片和尺寸，而是深入挖掘了每一件器物的历史背景、制作工艺的演变以及其背后所蕴含的文化象征意义。例如，书中对清代康熙、雍正、乾隆三朝的掐丝珐琅和錾胎珐琅的对比分析，简直是教科书级别的讲解。从铜胎的合金配比到釉料烧制的温度控制，再到最后的花纹绘制和鎏金处理，每一个环节的细节都被描述得淋漓尽致，让人仿佛能亲手触摸到那冰冷的金属与温润的珐琅釉彩。尤其是关于宫廷造办处的档案资料引用，更是增添了历史的厚重感，使得这些原本静止的艺术品“活”了起来，讲述着它们曾经陪伴的帝王将相的故事。这本书的印刷质量也值得称赞，色彩还原度极高，那些细腻的花鸟走兽、山水楼阁，在高清的图版上展现出令人难以置信的立体感和光泽度。对于任何一位喜爱中国古代器物、对工艺美术有深厚兴趣的收藏家或研究者来说，这都是案头必备的珍贵参考资料。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末的时间沉浸在这册煌煌巨著之中，最大的感受就是震撼与沉思。这本书的叙事角度非常独特，它没有局限于传统的断代史叙事，而是采取了“主题式”的梳理方法，比如专门开辟了“神兽瑞禽篇”、“文房清玩篇”和“宫廷陈设篇”，这种分类方式极大地便利了读者从不同功能和审美需求去理解珐琅艺术的丰富性。我特别欣赏其中关于“色彩的哲学”那一章，作者巧妙地将西方传入的珐琅技术与中国本土的五行、阴阳观念相结合，解释了为何某些特定时期，特定的蓝色或红色会成为主流色调。这种跨学科的解读，远超出了单纯的艺术鉴赏范畴，触及到了中国古代宇宙观和审美心理学的核心。而且，书中的配图并非仅仅是器物本身，还穿插了大量描绘当时宫廷生活、工匠劳作的版画和档案照片，构建了一个完整的历史场景。阅读过程并非枯燥的知识灌输，而更像是一场穿越时空的对话，让我深刻体会到工匠们在极端技术约束下所爆发出的无限创造力。这本书的深度和广度，绝对超越了一般意义上的文物图录。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆