张专,女,1966年11月1日生于湖南,就读于北京广播学院文艺系,毕业后留校任教,参与撰写《中国广播文艺学》,发表论文数篇,现为北京广播学院文艺系副教授,中国高校电影学会会员。
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从知识的广度来看,这本书无疑是一部雄心勃勃的尝试,它试图勾勒出一部全球性的电影史,而非仅仅局限于欧美主流叙事。我对其中涉及的亚洲早期电影运动,特别是东南亚地区那段被西方影史长期忽视的探索阶段的介绍,感到非常惊喜。作者似乎投入了大量精力去挖掘那些分散在不同档案中的资料,试图还原那些已然消逝的银幕记忆。这种拓宽视野的努力值得称赞,它打破了将电影艺术史视为以好莱坞为中心的固有偏见。然而,也正因为这种广度,导致在某些非西方电影传统的深层美学内核挖掘上,稍显浮光掠影,更侧重于“有哪些”而非“为什么是这样”。总的来说,它提供了一个极具启发性的全球地图,指引读者去探索那些尚未被主流视野完全覆盖的艺术绿洲。
评分这本书的语言风格极其典雅,充满了文学性的隐喻和富有节奏感的句子结构,读起来简直是一种享受,仿佛在品鉴一部精心打磨的散文集,而非一本电影教科书。作者在描述某个特定镜头的感受时,所用的词汇和排比句式,使得原本冰冷的影像分析顿时充满了生命的温度和感官的冲击力。例如,他描述某位导演如何通过景深调度来暗示人物的心理疏离感,那段文字读完后,即使你没有立刻去看原片,脑海中也能浮现出那种光影交织出的疏离空间。然而,这种过度的文学化也带来了一个小小的反作用——在需要清晰界定技术术语和理论概念的地方,有时会因为过多的修饰而显得有些含糊不清,需要读者反复推敲才能抓住其精确的学术意图。对于初学者来说,这可能会略显晦涩,但对于资深影迷而言,无疑是一种高层次的精神共鸣。
评分我对这本书的结构安排感到有些困惑,虽然它试图建立一种跨越国界的比较性分析框架,但在某些关键时期的论述深度上显得有些失衡。比如,书中对于二战后欧洲的“作者论”思潮,虽然提到了戈达尔和特吕弗的颠覆性,但对意大利新现实主义的社会根基及其对后世纪录片美学的影响,着墨略显单薄。我个人期待看到更细致的,关于战后社会创伤如何催生出那种粗粝、非专业化摄影风格的深入剖析。相反,对于好莱坞黄金时代的某些流水线工业流程的描述,虽然详实,却缺乏足够的批判性反思,显得过于顺从于既有的宏大叙事。这本书更像是一本精美的艺术画册的文字注解,而非一部扎实的批判史学著作,它擅长描绘“美”,却不总能深入挖掘“力”的来源和作用。对于追求严谨学术性的读者来说,这种对社会经济背景的抽离感,可能会成为理解某些艺术选择的障碍。
评分这部电影史的叙事手法真是令人耳目一新,它巧妙地避开了那种枯燥的年代罗列和人名堆砌,而是将焦点放在了不同文化思潮如何渗透并重塑影像语言的脉络上。作者对于早期默片时代,尤其是表现主义和未来主义对光影、构图的革命性探索,描绘得入木三分。我尤其欣赏他如何将格里菲斯式的宏大叙事与德国表现主义的内心挣扎进行对比,这不仅仅是技术层面的比较,更是对两种截然不同世界观在银幕上碰撞的深刻洞察。阅读过程中,我仿佛能亲身感受到那些早期胶片在放映机下跳跃时所蕴含的巨大能量和未被驯服的野性。他对梅里爱的奇思妙想,以及巴勃琴科如何将摄影机视为一种哲学的工具,这些论述都为我理解电影的“本体性”提供了全新的视角。这种超越流派划分,直抵艺术精神核心的分析,极大地拓宽了我对电影史的认知边界,让人不禁想立刻重温那些被“现代化”叙事所掩盖的真正经典。
评分这本书最让我欣赏的地方,在于它如何巧妙地将电影艺术的演进与技术革新进行了有机捆绑,而非简单地将其视为两条平行线索。它没有沉溺于对某种特定摄影机或剪辑技术的炫技式赞美,而是探讨了“宽银幕”如何迫使叙事结构做出调整,以及“彩色胶片”的出现如何改变了导演对自然光的理解。尤其是关于声音从辅助元素跃升为叙事主导力量的分析,非常到位。作者清晰地展示了声音层次的设计如何从早期的简单对白,发展到后来的环境音场建构,这不仅仅是录音技术的进步,更是对观众沉浸感的精确控制。这种将“硬科学”与“软艺术”结合分析的视角,让我对电影媒介本身的复杂性有了更立体的认识,它不再是一个单一的艺术门类,而是一个多学科交叉的复杂系统工程。
评分女人写的书。。。
评分大篇幅抄袭乌利希·格雷戈尔的《世界电影史(1960年以来)》,甚至连字都不改。90年代就这么明目张胆了。牛逼!
评分通俗易懂
评分配合着看吧,本书就是概述.
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