京剧曲谱集成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海文艺

作者:上海文艺出版社　编

出品人:

页数:318

译者:

出版时间:1992-10

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787532108534

丛书系列:

图书标签:

• 京剧
• 戏曲
• 曲谱
• 传统艺术
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• 艺术
• 戏曲文化
• 京剧艺术

好的，为您撰写一份关于不包含《京剧曲谱集成》的图书简介。 --- 书名：戏曲人生：清代中后期徽班进京与京剧早期发展研究 作者： 王云飞 出版社： 华夏文化出版社 出版时间： 2023年10月 页码： 680页 定价： 128.00元 --- 内容简介 《戏曲人生：清代中后期徽班进京与京剧早期发展研究》是一部深度聚焦于京剧艺术在乾隆末年至道光年间形成与成熟阶段的历史文化专著。本书旨在系统梳理并剖析“徽班进京”这一历史性事件的深远影响，细致考察徽调、汉调等地方声腔如何相互激荡、融合，最终孕育出京剧这一成熟剧种的全过程。 本书的核心视角并非停留在对传统曲目或谱式的罗列与整理，而是着重于剧目形态的演变、声腔体系的构建、行当制度的初创，以及舞台表演艺术的革新。我们力图通过对大量一手史料，如地方志、戏班档案、文人笔记、早期报刊记载等文献的细致钩沉与交叉印证，还原京剧诞生之初那段充满活力与变革的“土壤”。 第一部分：徽班涌动的时代背景 本书开篇首先对清代中后期（约1790年至1850年间）的社会文化环境进行了细致的描摹。这一时期，随着商品经济的发展和城市化进程的加速，以北京为中心的政治与文化生活对娱乐形式的需求日益旺盛。 我们详细分析了以“四大徽班”为代表的南方戏班群体，是如何带着他们成熟的表演技艺和丰富的剧目资源，在京城站稳脚跟的过程。重点讨论了徽州地域文化对徽调艺术风格的塑造，以及他们在宫廷庆典、民间宴饮等不同场合中的生存策略与艺术适应性。不同于关注具体的“曲谱”本身，本部分更侧重于“人”——那些行走在历史前沿的戏班主、角儿、操琴师们，他们如何应对复杂的京城生态，成为推动艺术变革的决定性力量。 第二部分：声腔融合的“大熔炉”效应 京剧的形成，关键在于不同声腔的化学反应。本书用大量篇幅探讨了徽调、汉调（昆腔、弋腔等）在京城舞台上的共存、竞争与融合。 我们深入比较了徽调的“腔调”特点与汉调的“科班”优势，阐述了老生行当的奠基人如何从吸收昆腔的韵味和汉调的韵白入手，逐步形成京剧特有的“板式结构”和“声腔交融”模式。本书着重分析的是声腔在“活态”演出中的变化，即在旦角、丑角为争取舞台空间的过程中，唱腔如何被改造以适应新的审美需求。 例如，我们探讨了“西皮”、“二黄”板式的确立，并非是单纯的曲谱抄录，而是伴随着剧目内容由“演戏”向“演人”转化的过程。书中并未收录任何现存的、已定型的曲谱，而是通过对早期剧评中对“唱法”的描述，反推其声腔的演变轨迹。 第三部分：行当制度与舞台语汇的创建 京剧区别于其他剧种的重要标志，在于其成熟的“四工”或“五行”行当体制。本书认为，行当的建立是艺术专业化的结果，是审美需求从角色脸谱化向人物复杂化过渡的关键一步。 本章详细考察了老生、小生、花旦、青衣、老旦等行当的早期分化与相互渗透。我们关注的是“扮演什么样的人”的哲学思考，而非具体的“扮相”描摹。通过分析早期剧目中角色命运的变化，论证了行当的区分如何规范了舞台上的表演动作和声腔处理。例如，青衣的“端庄”与花旦的“活泼”，其背后的声腔处理差异，体现了早期编剧对人物性格的精妙拿捏。 第四部分：剧本与演出形态的早期探索 京剧的早期剧目，往往是民间故事与历史演义的民间化、通俗化改编。本书对这一时期的“戏本”进行了社会学层面的考察。 我们探讨了早期剧作家（或称“编剧”）在没有成熟曲谱规范的情况下，如何将口语化的对白与既有的声腔进行“嫁接”。这里的“剧本”更多指的是演出提纲和口头传承的文本，而非后世的规范化剧本。因此，本书关注的是：在缺乏印刷曲谱的年代，艺术是如何通过师徒口传心授来保持其生命力的，以及不同剧团间对同一剧目（如《借扇》、《打严嵩》）的演绎差异，揭示了艺术的动态性。 结语：京剧艺术的“未完成态” 《戏曲人生》的价值在于，它提供了一个观察京剧“孕育期”的独特视角。我们聚焦于艺术形式的生成逻辑和历史动力，而非对其已成型成果的整理与保存。 本书旨在为研究者提供一个更具历史纵深的分析框架，理解京剧是如何从地方声腔的“杂烩”中脱胎而出，成为一门具有高度规范性和成熟美学的综合性舞台艺术。它不是一本提供演唱参考或曲谱查询的工具书，而是一部关于艺术变革、文化融合与群体智慧结晶的历史叙事。 --- 本书特色： 1. 史料驱动： 深度挖掘未被充分利用的清代中后期档案、地方志及游记中关于戏班活动的记载。 2. 侧重动态： 避开对定型曲谱的分析，专注于声腔和表演的“演变过程”与“融合机制”。 3. 文化地理学视角： 将戏曲的发展置于清代北京的城市文化和社会变迁中考察。 适合读者： 戏曲史研究者、音乐人类学家、清代社会文化史学者，以及对京剧艺术的起源与早期形态抱有浓厚兴趣的普通读者。

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这部鸿篇巨制，装帧精美，纸张考究，一看就知道是下足了血本的力作。初捧在手，那份沉甸甸的分量，就预示着内容的厚度与广博。我尤其欣赏它对于传统文化的尊重与传承，从排版布局到字体选择，都透露出一种古典的韵味，让人在翻阅的瞬间，仿佛穿越回了那个梨园盛行的年代。书中那些精致的插图和详尽的注释，无疑是为我们这些业余爱好者和专业研究者搭建了一座坚实的桥梁，它不仅仅是知识的堆砌，更像是一部艺术品的陈列。我希望能从中汲取到更多关于舞台艺术的精髓，那些失传已久的唱念做打的秘诀，也许都能在字里行间找到蛛丝马迹。我已经迫不及待地想要沉浸其中，细细品味那些墨香中蕴含的百年风华。这部书的出版，对于弘扬国粹，无疑是做了一件功德无量的大事，值得所有热爱戏曲的朋友们珍藏。

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说实话，这本书的阅读体验是相当有挑战性的，它要求读者具备一定的基础知识储备，否则可能会在一些专业术语和复杂的结构图示面前感到吃力。但正是这种“门槛”，筛选出了真正热爱并愿意投入时间去钻研的知音。我最欣赏的是它在保持学术严谨性的同时，也试图用更现代的视角去解读传统，比如它对于舞台调度和灯光设计的某些现代解读，虽然不一定完全符合传统观念，但却提供了新的思考维度。我尝试着将书中的某些段落与我观看的某几部经典录像进行对照研究，发现了很多过去忽略的细节。例如，某个亮相动作背后的寓意，在书中得到了非常精确的图解说明。对于我这种追求细节的“细节控”来说，这种深度和精度简直是无价之宝，它极大地提升了我对舞台艺术的鉴赏层次。

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这部著作的价值，在于它搭建了一个庞大的知识网络，但更重要的是它提供了一种系统化的思维方式。我发现这本书的编排逻辑并非简单的线性叙述，而是呈现出一种放射状的结构，一个核心主题可以引申出多个旁支，相互印证，形成一个坚不可摧的理论体系。这对我日常的创作构思非常有启发性，它教会我如何去解构一个复杂的艺术现象，并从多个角度进行重建和理解。我特别留意了其中对于“板式变化”的详尽论述，那部分内容之详尽，连我那位教了三十年戏的老师都连连称赞其梳理之精当。如果说京剧是一座巍峨的山峰，那么这本书就像是为攀登者提供了一份详尽且经过实地考察的地图，指明了所有可行的路径和潜在的危险地带。它不仅是资料汇编，更是一套行之有效的学习方法论。

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天呐，这本书的体量简直是令人震惊的，我原本以为它会更像一本工具书，聚焦于某些流派的技巧解析，没想到它更像是一部百科全书式的梳理。我对其中关于不同时期、不同地域的戏曲流变做了重点关注，尤其是那些关于剧目产生背景的考证部分，写得尤为扎实可靠，引经据典，条理清晰，绝非泛泛而谈。这对我理解京剧的艺术发展脉络极有帮助，让我能跳脱出单纯的听觉体验，从更宏观的历史维度去审视这项艺术的生命力。我记得其中有一章节对某位名家的早期生平有所涉猎，那部分的叙述笔触细腻，情感真挚，读来令人动容。总而言之，它提供了一个极其全面且深邃的视角，远超我最初的预期，让人感觉这是一部可以伴随我多年、不断研读的案头宝典。

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坦率地说，我对这套书的期待值本来是比较高的，毕竟从书名来看，它似乎涵盖了京剧艺术的方方面面。在阅读过程中，我确实找到了许多惊艳的、前所未见的珍贵史料和详尽的图谱说明，这些内容的价值是毋庸置疑的，它们为我们研究京剧艺术的演变提供了坚实的物证。然而，我个人也产生了一些小小的遗憾，可能是因为篇幅过于宏大，某些特定流派的腔调细节处理上，感觉探讨得略显保守，不如在历史沿革部分那般大胆和深入。例如，对于某个特定时期戏班的组织结构和收入分配的探讨，我期待能有更多鲜活的、来自一手资料的描述，而不仅仅是宏观的概括。不过话又说回来，能在有限的篇幅内达到目前的广度和深度，实属不易，瑕不掩瑜。总的来说，它仍然是当代戏曲研究领域中一座难以逾越的里程碑式的存在。

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