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出版者:中国电影出版社

作者:袁玉琴 主编

出品人:

页数:311

译者:

出版时间:2005-1

价格:30.00元

装帧:平装

isbn号码:9787106023836

丛书系列:随园影视论丛

图书标签:

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《光影织梦：探索影像叙事的奥秘》 本书并非一本枯燥的理论堆砌，而是邀请您踏上一场穿越时空的光影之旅，深入探寻电影、电视等视觉叙事艺术的灵魂所在。我们将一同审视那些触动心灵的画面，解析那些令人回味无穷的故事，感受技术创新如何为艺术表达注入新的生命力。 从视觉语言到情感共鸣： 我们将从最基础的视觉元素入手，剖析镜头语言的魅力。景别、角度、运动、构图……这些看似冰冷的术语，却是导演手中最生动的画笔，它们如何勾勒人物内心的起伏？如何营造紧张的氛围，或是传递静谧的诗意？我们将通过对经典片段的细致解读，揭示这些视觉技巧如何在潜移默化中影响观众的情感，引人入胜，潸然泪下。 叙事结构的智慧： 故事是影像的骨架，而叙事结构则是搭建骨架的智慧。我们将探讨线性叙事、非线性叙事、碎片化叙事等多种叙事模式，分析它们各自的优势与表现力。一个巧妙的开端如何吊足胃口？一个出人意料的转折如何颠覆观众的认知？层层递进的冲突如何将故事推向高潮？本书将带您领略不同叙事结构为作品带来的独特韵味，以及创作者如何通过结构的设计，构建起一座座引人入胜的故事迷宫。 人物塑造的艺术： 荧幕上的角色，或鲜活如初，或深刻难忘。我们将深入探讨如何通过角色的行为、对话、表情以及环境的烘托，塑造出立体丰满的艺术形象。从英雄的崛起，到小人物的挣扎，再到反派的复杂性，我们将解析角色弧光的形成，分析不同类型的角色如何引发观众的同情、共鸣，甚至是憎恶。您将发现，优秀的人物塑造，是连接观众与故事最直接的桥梁。 技术革新与艺术边界的拓展： 影像艺术的发展，离不开技术的每一次飞跃。从黑白默片到彩色有声，从胶片时代到数字浪潮，再到如今虚拟现实的兴起，技术始终在不断挑战与重塑着艺术的边界。本书将追溯这些技术变革的重要节点，探讨它们如何影响了影像的呈现方式，如何拓展了叙事的可能性。 CGI的魔力如何让不可能成为可能？ 空间音效的沉浸感如何进一步增强观众的体验？我们将看到，技术并非冰冷的机器，而是赋能艺术家，共同创造奇迹的伙伴。 不同艺术形式的对话与融合： 电影与电视，作为影像艺术的两大载体，拥有相似的基因，却又各自展现出独特的风貌。本书将对这两种艺术形式进行深入的比较与分析，探讨它们的表现手法、叙事节奏、观众群体等方面的差异与联系。同时，我们也关注更广泛的影像艺术领域，如动画、纪录片、短视频等，审视它们如何借鉴与创新，丰富着我们对影像世界的认知。 文化语境下的影像解读： 影像不仅仅是娱乐，更是时代精神的折射，是文化基因的传承。我们将走进不同的文化语境，审视不同国家和地区的影像作品如何反映当地的社会现实、历史记忆与价值观念。从好莱坞的商业大片，到欧洲的艺术电影，再到亚洲的细腻情感，您将看到影像艺术如何成为跨越文化鸿沟的沟通语言，如何引发全球范围内的思考与讨论。 实践与反思： 理论的学习，最终是为了更好地理解与创作。本书鼓励读者在观看影像作品时，带着审视的眼光，主动去发现导演的意图，去品味画面的细节，去分析故事的结构。我们将提供一些启发性的思考角度，引导您从一个被动的观赏者，转变为一个主动的解读者，甚至是一位未来的影像创作者。 《光影织梦：探索影像叙事的奥秘》，期待与您一同潜入影像的海洋，发掘那些隐藏在光影之下的深刻内涵，感受艺术的力量，共同编织属于我们自己的光影梦想。

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我必须承认，最初翻开这本书时，我对“概论”这个词汇抱持着一丝警惕，生怕又是一本枯燥乏味、只罗列名词的教科书。然而，这本书最让人惊喜的地方，在于它极其精妙的平衡感。它没有沉溺于纯粹的学院派思辨，也没有为了迎合大众而牺牲深度的专业性。书中对媒介本体论的探讨，尤其精彩，它没有将电影仅仅视为一种“艺术”，而是把它放进了更宏大的传播学和社会学框架下进行审视。阅读过程中，我几次停下来，望着窗外行人匆匆的景象，脑海中立刻浮现出书中关于“凝视”与“被凝视”的理论，仿佛周遭的一切瞬间都被加上了一层分析滤镜。这种将理论与现实生活无缝对接的能力，是很多同类书籍所欠缺的。此外，作者对于不同时代电影美学流派的梳理，脉络清晰得像是清晰的家谱图，从早期表现主义的扭曲光影，到新浪潮的即兴与手持摄影，再到后现代的拼贴与解构，每一个流派的兴衰转折，都配上了对时代背景的深刻洞察，让人读完后，看任何一部老电影都会有一种“原来如此”的豁然开朗感。

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这本书的文本张力非常强劲，字里行间洋溢着一种对影像世界纯粹的热爱和敬畏。我特别欣赏作者那种近乎于哲学家般的提问方式，它总是在关键节点上抛出一个难以回答的终极问题，迫使读者走出舒适区，重新审视自己对“什么是好的电影”的定义。比如在讨论声音设计的那一章，它没有仅仅停留在音效和对白的层面，而是深入探讨了“静默”在叙事中的巨大力量，对比了伯格曼电影中那种令人窒息的寂静与好莱坞大片中无处不在的配乐，这种对比阅读体验是极其震撼的。书中的论述风格，时而严谨如法庭辩论，逻辑链条无懈可击；时而又像一位资深影评人，夹叙夹议，充满了个人化的激情与洞见。这种风格的切换，让阅读过程如同坐过山车般刺激，不会让人感到单调乏味。它教会了我，艺术欣赏不是被动接受，而是一种主动的、充满怀疑精神的探索过程，每一次观看都是一次全新的对话。

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这部书的封面设计，说实话，一开始吸引我的并不是那种学院派的规整，反而是一种略带跳脱的现代感。拿到手里沉甸甸的，油墨的香味混着纸张的质地，立刻让人感觉这是一本用心制作的读物。我特别喜欢它内页的排版，留白处理得恰到好处，不会让人感到压迫，尤其是那些关键概念的引用部分，常常用一种非常优雅的字体单独拎出来，像是散落在知识海洋里的珍珠。书中对叙事结构和镜头语言的探讨，简直是把那些原本晦涩难懂的理论，通过一系列生动有趣的案例拆解得淋漓尽致。比如讲到蒙太奇手法时，作者没有堆砌那些老掉牙的理论定义，而是直接引用了某部经典影片中一个不到三十秒的片段，然后像手术刀一样精准地剖析了每一个镜头的时长、角度和剪辑点的选择，最终得出的结论让人茅塞顿开，原来光影和时间的切割，竟然能产生如此强烈的心理暗示。那种阅读的体验，与其说是在啃理论，不如说是在跟随一位经验老到的导演进行一次私密的创作分享会，充满了启发性和实践指导意义。对于一个渴望深入理解影像魔力的入门者来说，这本书提供的不是一套死板的公式，而是一张通往影像思维殿堂的精美地图。

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对于一个习惯了快速消费信息的读者而言，这本书的阅读门槛确实存在，但这绝不是负面评价，而是对内容深度的侧面印证。它要求你慢下来，甚至需要准备笔记本记录一些关键的术语和概念的相互关系。我发现，有些章节涉及到的符号学分析，需要反复咀嚼才能真正领会其精髓。书中对“场面调度”的阐释尤为细致，它不仅仅是指导演员站位，更是关于空间、时间、情绪和权力关系的一种整体调度。作者通过分析具体场景中人物肢体语言与环境光线的互动，揭示了潜藏在表象之下的社会结构性矛盾，这种由微观到宏观的推演能力，令人叹服。我感觉自己像是被邀请进入了一个精密的钟表内部，看到了齿轮是如何咬合、如何驱动整个影像机器运转的。这本书的价值，不在于它能让你立刻拍出一部大片，而在于它能重塑你的观看方式，让你从一个被动的观众，蜕变成一个主动的“阅读者”，去解码那些潜藏在光影背后的深层信息。

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这本书的编辑团队显然对艺术史有着深厚的理解，这一点从它引用的视觉参考资料中就能窥见一斑。它并不是一本孤立讨论电影的书籍，而是巧妙地将电影艺术置于更广阔的视觉文化图景中。作者时不时会跳脱出现代电影的语境，引用文艺复兴时期的透视法，或是抽象表现主义绘画中的空间处理，来佐证某个特定的影像理论，这种跨学科的融会贯通，极大地拓宽了读者的视野。阅读过程中，我不断地在脑海中构建着不同媒介之间的联系，比如在讨论动画电影中的“运动轨迹”时，作者竟然关联到了早期物理学家的实验记录，这种发散性的思维引导，远超出一本普通教材的范畴。全书的行文流畅自然，虽然学术性很强，但作者似乎非常擅长用拟人化的手法来描述抽象的理论，使得复杂的概念变得触手可及。读完后，我最大的收获是，艺术创作的本质是共通的，无论是用画笔、雕塑还是光影，我们都在试图捕捉和定义稍纵即逝的“存在感”，而这本书，提供了一套极具力量的工具箱，去完成这项宏大的任务。

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基础课程

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我同意魏晓波

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考研参考书目

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拼拼凑凑又一本。

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同学们，以后买书，只要看到“概论”俩字，千万别买，一定是傻逼书，没有例外。