具体描述
《中国山水画景物构成》从景物构成的角度对山水画史作专题性研究。尝试以现代知识结构阐释山水画景物构成的形式语言和思维方法。借鉴图像学的研究方法，把图像分析和古代画论的阐释相结合，归纳出山水画史中出现的人间仙境，可居可游之境，玄远超逸之境三种主要的理想景观构成模式。对山水画景物的选择取舍、位置经营、空间结构、构成规律和与此相应的观念和理论作了深入探讨。并对理想景观构成模式的文化原型；原始聚落意象；神话仙山意象；风水意象作了探讨，认为围合一隔离--隐居的景观意象是山水画景物构成的历史源头。并对景物构成与风水理论和园林艺术作了分析和比较。并解读了景物构成的美学意蕴，提出了建设当代生态艺术（包括山水画）的美学标准和精神指向。
作者简介
王贵胜，1954年出生，河北省丰南市人，中国美术家协会会员，现任北京师范大学艺术与传媒学院美术书法系副教授，1982年毕业于湖南师范大学美术系，获学士学位。1993年毕业于湖北美术学院中国画系，获硕士学位并留校任教。2002年毕业于清华大学美术学院艺术史论系，获博士学位。研究方向为中国美术史和山水画创作。其中国画、水彩画作品入选国内外重大美术展览20余次，多次获奖。60余幅作品被收入各种大型画集，并在各专业刊物上发表。在《美术观察》《美苑》《装饰》《世界美术》《美术研究》《文艺研究》等刊物作过专题介绍和发表学术论文10余篇。出版有个人画集《王贵胜国画作品优选》。
目录信息
1.1 山水画研究的现状及选题来源
1.2 选题研究的途径和方法
1.3 选题研究的价值和意义
第二章 山水画景物构成的历史源流
2.1 原始艺术至两汉艺术中的山水图像
2.1.1 从自然崇拜到自然审美
2.1.2 天人合一的文明趋向
2.1.3 两汉壁画中的山水图像
2.2 魏晋至隋唐时期山水画景物构成的
典型图式
2.2.1 山水画独立的契机
2.2.2 天上人间的融构
2.2.3 青绿金碧和水墨淋漓
2.3 五代两宋时期山水画景物构成的特征
2.3.1 南北山水画派
2.3.2 可居可游之境的理想模式
2.4 元明清时期山水画景物构成的嬗变
2.4.1 玄远超逸之境
2.4.2 文人山水画从成熟到式微
第三章 山水画景物构成的内容和观念
3.1 中国的景观资源
3.1.1 自然景观
3.1.2 人文景观
3.2 景物构成与意象、意境
3.2.1 意象与“召唤结构
3.2.2 兴象、喻象、抽象的图像特征
3.2.3 意境的形而上意蕴
3.3 有关景物构成的论述
3.3.1 经营位置、意在笔先
3.3.2 画面布势与“书势”
3.3.3 画面取势与取质
3.3.4 景物构成之“病”与“避忌
第四章 山水画景物构成的形式和图像
4.1 山水画的透视
4.1.1 散点透视的观念和法则
4.1.2 山水画透视的成因
4.2 山水画构图的主要类型
4.2.1 融构式
4.2.2 全景式
……
第五章 山水画理想景观模式的原型及文化形态
第六章 山水画景物构成的美学意蕴
结论
参考文献
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本书的封面设计就充满了古典韵味，淡雅的墨色晕染，勾勒出缥缈的山峦，几笔飞白又似云雾缭绕，仿佛一幅未完成的画卷，瞬间将人拉入那个意境深远的东方美学世界。翻开书页，我首先被那些精美的插图所吸引，每一幅都堪称艺术品。它们不是简单的堆砌，而是经过精心构思，将山、水、树、石、云、雾等元素巧妙地组织在一起，形成富有生命力和叙事感的画面。书的开篇就深入浅出地讲解了山水画中最基本的构成要素，比如“山”的形态变化，从峻峭的危峰到连绵的丘陵，作者都做了细致的描摹，并结合历史上的经典画作进行解析，让我们看到不同时代、不同流派的画家是如何理解和表现山的“骨骼”与“血肉”。接着，我对“水”的描绘方式产生了浓厚的兴趣，书里详述了如何表现水的流动感、静谧感，以及它在画面中所起到的连接和烘托作用，无论是奔腾的瀑布，还是潺潺的溪流，亦或是平静的湖面，都仿佛跃然纸上。尤其让我印象深刻的是，作者对于“石”的刻画，不同质地的岩石，呈现出的肌理和质感，是如何通过笔墨的浓淡干湿变化来呈现的，这一点对于初学者来说，无疑是至关重要的启蒙。
评分对于我这样一个在绘画领域摸索多年的爱好者来说，《中国山水画景物构成》这本书，简直就是指路明灯。它提供了一个系统性的框架，让我能够以一种全新的视角来审视和理解中国山水画。作者在讲解“景物构成”时，非常注重“整体性”和“协调性”。他强调，画面中的每一个景物，无论大小，都应该服务于整体的构图和画面的意境。我特别喜欢关于“山”的讲解，作者不仅分析了山的形态，更重要的是分析了山在画面中的“角色”定位，它可能是雄伟的主体，也可能是烘托前景的背景。他还深入讲解了如何通过“皴法”来表现山石的质感，比如粗犷的斧劈皴适合表现坚硬的山岩，而细腻的雨点皴则适合表现柔和的土石。在“水”的描绘上，作者也给出了非常具体的指导，从如何表现水的动态（如瀑布的飞流直下、溪水的蜿蜒曲折）到如何表现水的静态（如湖面的平静如镜），都进行了详细的阐释。我还从书中学习到了如何利用“树木”的疏密和形态来调节画面的节奏感，以及如何利用“留白”来营造画面的空灵之美。这本书让我明白，山水画的构成，是一门关于“减法”的艺术，如何在有限的画面空间中，通过精妙的构图和笔墨，表现出无限的意境。
评分在阅读《中国山水画景物构成》的过程中，我仿佛置身于一个充满意境的东方世界。这本书的魅力，在于它将抽象的艺术原理，转化为具体可感的画面构成。作者在讲解“景物构成”时，非常注重“虚实相生”的哲学理念。他认为，画面中的“实”景，需要“虚”景来衬托，才能产生无限的意境。我尤其欣赏他对“留白”的讲解，他认为留白是中国山水画的精髓，是给观者留下无限的想象空间，是让画面“呼吸”的关键。他分析了留白在不同作品中的多种运用，有的如烟似雾，有的如澄澈的天空，各有千秋，却都达到了画龙点睛的效果。同样，他对“云”和“雾”的讲解，也让我体会到了“虚”的魅力。这些飘渺的元素，在山水画中却能起到至关重要的作用，它们可以拉开空间距离，烘托山体的巍峨，也可以营造出神秘、宁静的氛围。我还从书中学习到了如何利用“笔墨”的浓淡干湿变化，来表现景物的层次感和空间感，以及如何通过“构图”的巧妙安排，引导观者的视线，让他们在画面中“漫步”。这本书让我明白，中国山水画的构成，是一门关于“留白”的艺术，是在有限的空间中，通过对景物的精妙组合，创造出无限的意境。
评分拿到《中国山水画景物构成》这本书，我最先是被它所呈现出的古朴典雅的封面所吸引。随后的阅读体验，更是超出了我的预期。作者在书中，并没有止步于对山水画的技法进行简单罗列，而是将其上升到了艺术哲学的高度。他对“景物构成”的理解，是建立在中国传统哲学思想之上的，比如“天人合一”、“道法自然”等理念，都贯穿其中。我特别赞赏作者对于“意境”的探讨，他认为山水画的最高境界，便是通过景物的安排，营造出一种属于画家的独特情怀和对世界的感悟。他以“山”为例，分析了不同的画家如何通过对山的表现，传递出不同的精神气质，有的如帝王般巍峨，有的如隐士般清高。同样，对于“水”的描绘，也不仅仅是表现其形态，更是在传达一种生命的力量，或柔情，或激昂。书中关于“云”和“雾”的讲解，更是将这种意境的营造推向极致。作者认为，云雾是中国山水画的灵魂，它们能化解山峦的锐气，增加画面的神秘感，并与山体形成虚实对比，创造出无限的空间感。他还深入探讨了如何利用“笔墨”的浓淡干湿变化，来表现景物的层次感和空间感，以及如何通过“构图”的巧妙安排，引导观者的视线，让他们在画面中“漫步”。
评分这本书，我花了整整一周的时间才细细品味完，感觉像是经历了一场精神的洗礼。《中国山水画景物构成》不仅仅是一本技术指南，更是一部关于东方审美哲学的论文集。作者在书中并没有直接教你“怎么画”，而是通过对“构成”的深入剖析，让你理解“为何这样构成”。我特别着迷于他对于“透视”的讲解，它不同于西方绘画的固定透视点，而是运用了“散点透视”和“高远、平远、深远”等东方特有的空间表现手法。我读到关于如何通过景物的叠压、疏密、远近来展现山峦的层次感和空间的深度，真的是豁然开朗。书中的案例分析非常到位，作者会选取不同朝代的经典山水画，如范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》等，从景物构成的角度进行解构，让我们看到这些传世名作为何如此经典。例如，范宽笔下的山，那种雄浑厚重，作者就将其归结于对山体“骨骼”的强调和“皴法”的运用，而郭熙的山，则更注重“气韵”和“意境”。书里关于“点景人物”的分析也让我耳目一新，这些渺小的人物，在壮丽的山河中，恰恰起到了衬托山水之大美，以及寄托人与自然和谐共处的主题。
评分这本《中国山水画景物构成》在我手中，仿佛变成了一本厚重的史书，又像是一本充满智慧的哲思录。作者在书中，不仅仅是在教授绘画技法，更是在引领读者去感受中国传统文化中对自然的敬畏和热爱。我特别喜欢他对“山”的讲解，他将山视为自然界中最具生命力的元素，并从多个角度进行分析。他探讨了如何通过不同的“皴法”来表现山体的纹理和质感，以及如何通过“山形”的变化来传达不同的情感，比如峻峭的山峰代表着力量和坚毅，而连绵的丘陵则象征着宁静和祥和。同样，他对“水”的描绘，也充满了诗意。他认为水是中国山水画的魂魄，能够赋予画面以灵动和生命力。他详细介绍了如何表现水的形态，如奔腾的瀑布、蜿蜒的河流、平静的湖面，并强调了水在画面中的连接和衬托作用。书中关于“树”的讲解也让我受益匪浅，作者分析了不同树种的形态和象征意义，以及如何将它们巧妙地融入山林之中，增强画面的层次感和意境。这本书让我明白了，中国山水画的构成，不仅仅是对自然景物的客观描绘，更是画家对自然世界的主观感悟和精神寄托。
评分作为一个对中国传统文化充满好奇的海外读者，我这次有机会拜读了《中国山水画景物构成》这本书，简直是打开了一扇通往东方艺术殿堂的大门。这本书的语言虽然基于中文，但凭借其清晰的逻辑和丰富的插图，即使是初学者也能循序渐进地理解。我尤其欣赏作者对于“景物”的定义，并非仅仅局限于自然景致，而是涵盖了中国文人心目中理想的生存环境。书中对“树”的描绘，让我看到了其象征意义，如松柏的坚韧，竹子的清雅，梅花的傲骨，它们被赋予了人格化的特质，在画面中扮演着不仅仅是点缀的角色。我学到了如何用不同的笔触去表现不同树种的形态和质感，如何让它们在山林间自然生长，相互依偎。此外，关于“云”和“雾”的运用，作者的讲解更是让我叹为观止。这些虚无缥缈的元素，在山水画中却能起到至关重要的作用，它们可以拉开空间距离，烘托山体的巍峨，也可以营造出神秘、宁静的氛围。我惊叹于作者如何用寥寥数笔，就勾勒出千变万化的云海，仿佛置身其中，感受到清风拂面。书中关于“房屋”和“人物”在山水画中的点缀作用，也给我带来了新的视角，它们不是画面的主体，而是烘托自然之美，寄托人文情怀的妙笔。
评分我一直以为，山水画不过是将山、水、树、石等自然景物堆砌在一起，但读了《中国山水画景物构成》之后，我才发现自己是多么的浅薄。这本书，简直就是一部关于山水画“骨骼”的解剖学，又是一部关于“灵魂”的注入指南。作者在讲解景物构成时，非常注重“形”与“神”的结合。他会从最基本的笔墨语言入手，讲解如何用不同的线条、墨色来勾勒山石的轮廓，如何表现其体积感和质感。我最喜欢的是关于“皴法”的章节，作者细致地介绍了披麻皴、斧劈皴、雨点皴等各种皴法的特点和适用场景，并配以大量的图例，让我们能够直观地理解这些复杂的技法。他强调，皴法不仅仅是表现山石的纹理，更是画家情感的抒发和对自然世界的独特理解。更让我受益匪浅的是，作者对于“留白”的讲解，他认为留白是中国山水画的精髓所在，是“未画之画”，是给观者留下的无限想象空间。他举例分析了留白在不同作品中的多种功能，如营造空灵、虚静的氛围，突出画面的主体，以及引导观者的视线等。这本书让我明白，山水画的构成，是一门关于平衡、节奏、虚实、疏密、浓淡的综合艺术，它需要画家具备深厚的功力，更需要对自然和人生有深刻的体悟。
评分当我第一次翻开《中国山水画景物构成》这本书时，我就被它深厚的学术底蕴和精美的插图所吸引。作者在书中，不仅仅是在讲解山水画的技法，更是在传承一种东方艺术的思维方式。我对其中关于“远近”的处理印象尤为深刻。作者深入浅出地介绍了中国山水画中独特的“三远法”，即高远、平远、深远，以及如何在画面中通过景物的疏密、大小、色彩的变化来营造出空间的深度感。他用大量古典画作作为范例，详细剖析了这些画作是如何巧妙地运用这些构图原理，将广阔的山河浓缩于方寸之间。此外，关于“云”和“雾”的运用，作者的讲解更是让我大开眼界。他认为，云雾是中国山水画的“呼吸”，它们能够化解山峦的棱角，增加画面的灵动性，并能引导观者的视线，营造出一种飘渺、虚幻的意境。书中对“水”的多种表现形式，也进行了细致的分析，无论是奔腾的瀑布、潺潺的溪流，还是宁静的湖泊，都通过作者的笔墨，展现出不同的生命力和美感。这本书让我深刻地认识到，中国山水画的构成，是一门关于“整体”的艺术，是各个景物元素相互呼应、彼此渗透，共同构成一幅富有生命力的精神图景。
评分我一直对中国山水画情有独钟，总觉得那是一种与天地对话的艺术。这本书，《中国山水画景物构成》，恰恰满足了我对这种深邃理解的渴望。它不仅仅是一本讲解技法的书，更像是一次对中国传统审美精神的深度探访。作者在讲解景物构成的过程中，并非孤立地分析每一个元素，而是将其置于整个画面的宏观语境中去探讨。比如，他会详细分析山体在画面中的位置和走向，如何与天空、水面形成呼应，如何引导观者的视线。我特别喜欢其中关于“气韵生动”的章节，作者结合大量的范例，阐述了如何通过景物的安排，营造出画面的生命力。他用非常形象的比喻，比如“山之耸立如脊梁”，“水之流淌如血脉”，让我一下子就明白了这些抽象的概念。还有关于“留白”的运用，作者将其视为画面的灵魂，讲解了留白不仅仅是空白，而是充满无限想象的空间，是让画面“呼吸”的关键。他分析了不同大师作品中的留白处理，有的如烟似雾，有的如澄澈的天空，各有千秋，却都达到了画龙点睛的效果。这本书让我意识到，山水画的构成，绝非简单的图形组合，而是包含了哲理、诗意和对自然万物的深刻感悟。
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