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出版者:上海音乐出版社

作者:熊道儿

出品人:

页数:71

译者:

出版时间:2006-5

价格:33.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806678459

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音乐的殿堂，指尖的舞蹈：钢琴演奏艺术的深度探索 自古以来，钢琴以其丰富的音色、宽广的音域和强大的表现力，征服了无数音乐爱好者的心。从巴赫严谨的赋格到肖邦热情洋溢的夜曲，从德彪西的印象派色彩到当代作曲家大胆的创新，钢琴音乐的宝库浩瀚无垠，令人神往。然而，要真正驾驭这件乐器，将内心的音乐情感转化为触动人心的旋律，绝非一蹴而就。这需要系统性的训练，精心的钻研，以及对每一个音符背后蕴含的意义的深刻理解。 本书，并非一部单纯的曲集，而是一场精心策划的音乐之旅，旨在为所有热爱钢琴、渴望提升演奏技艺的您，提供一把开启音乐殿堂的钥匙。我们相信，真正的钢琴艺术，是技巧与情感的完美融合，是理性与感性的和谐统一。因此，本书的内容编排，围绕着这一核心理念展开，力求在扎实技巧训练的基础上，引导演奏者深入挖掘音乐的内涵，赋予旋律以生命。 第一篇：基石的筑就——扎实的技巧训练 任何宏伟的建筑，都离不开坚实的地基。在钢琴演奏领域，坚实的地基便是那一套套经过无数音乐家检验、代代相传的经典技巧练习。这些练习，看似枯燥，实则蕴含着指尖运动的奥秘，是构建流畅、精准、有力的演奏的基础。 手指的独立与灵活性： 手指的独立性是钢琴演奏的基石。本书的开篇，将聚焦于一系列旨在训练手指独立性的练习。通过各种音阶、琶音、音程的交替练习，以及手指的交叉、跳跃等训练，我们将逐步增强每一根手指的控制力，使其能够以最大的灵活性和准确性响应您的指令。这包括： 音阶的魔力： 从最基础的 C 大调到各种大小调的平行、相继音阶，再到复杂的调式音阶，我们将系统地训练您的手指在各种调性中的流畅运行。不仅仅是速度，更重要的是音色的均匀、节奏的稳定以及手指触键的力度控制。我们将探讨如何通过不同的触键方式（如手指尖、指肚）来表现不同的音色变化，如何运用呼吸与身体的协调来带动手指的律动。 琶音的丝滑： 琶音是连接和弦的纽带，也是展现手指延展性和流动性的绝佳方式。本书将包含各种类型的琶音练习，从基本的七和弦琶音到复杂的转位琶音，再到跨越多个八度的琶音练习。我们将强调如何在快速的琶音进行中保持音色的清晰度，如何在长音阶的流动中找到自然的呼吸点，以及如何通过重音的巧妙运用，突出琶音中的旋律线条。 音程的精准： 二度、三度、四度……各种音程的清晰奏响，是理解和声、塑造旋律的关键。本书将提供大量的音程练习，重点在于训练手指在不同音程间的准确跳跃和连接。我们将探讨如何通过视奏、听觉和肌肉记忆的结合，来提高音程演奏的准确性，并为演奏复杂的和弦进行打下基础。 手腕与手臂的协调： 手指的灵活性固然重要，但若没有手腕与手臂的有力支撑和协调联动，演奏将显得僵硬而缺乏力量。本书将深入探讨手腕和手臂在钢琴演奏中的作用，并通过一系列专门的练习，来培养演奏者对这两部分的感知和控制能力。 放松与爆发： 我们将学习如何运用手腕的弹性来产生柔和的触键，以及如何通过手臂的下沉和手腕的爆发力来奏出强劲的音响。这并非简单的“用力”，而是通过肌肉的放松与收紧的协调，达到事半功倍的效果。 律动的传递： 手臂的摆动、手腕的旋转，都能够将音乐的律动传递到指尖，使演奏更具生命力。我们将练习如何在不同的节奏型中，运用手臂和手腕的自然摆动，来表现音乐的起伏和呼吸。 触键的艺术： 钢琴的音色变化，很大程度上取决于触键的方式。从轻柔的呢喃到激昂的呐喊，从圆润的歌唱到尖锐的颗粒，每一种音色都离不开精准的触键。本书将带领您探索触键的丰富可能性： 不同力度的探索： 从pp到ff，我们将通过细致的练习，来控制和表现各种力度变化。这不仅仅是“轻”与“重”，而是力度渐变（crescendo/diminuendo）的流畅过渡，以及不同力度下音色的细微差别。 不同触感的体验： 敲击（staccato）、连奏（legato）、断奏（tenuto）……这些不同的触感，是塑造音乐表情的重要手段。我们将通过模仿和对比，来体会不同触感带来的音响效果，并学习如何在乐谱的指导下，灵活运用它们。 音色的雕琢： 借由不同的触键，我们可以模仿管弦乐的音色，展现声乐的抒情，甚至创造出独具个性的音响。我们将探讨如何通过触键的细微调整，来模拟不同的乐器，或赋予钢琴本身以更丰富的色彩。 第二篇：情感的释放——音乐表现力的提升 技巧是演奏的骨架，而情感则是音乐的灵魂。一本优秀的钢琴教材，绝不能仅仅停留在技巧的层面，更要引导演奏者深入理解音乐的内涵，用情感去赋予旋律以生命。 理解乐谱的语言： 乐谱不仅仅是一串串音符和符号，更是作曲家情感的载体，是他们留给后人的音乐宝藏。本书将教授您如何“阅读”乐谱，理解其中蕴含的音乐信息。 和声的色彩： 和声是音乐的基石，不同的和弦组合能够营造出不同的情绪氛围。我们将深入剖析和声的功能，学习如何通过演奏准确的和弦，来表现音乐的色彩和情感。 旋律的线条： 旋律是音乐的生命线，如何将旋律演奏得流畅、动听，是每一个钢琴演奏者追求的目标。我们将学习如何捕捉旋律的起伏，如何运用力度和节奏的变化，来突出旋律的歌唱性。 节奏的脉搏： 节奏是音乐的脉搏，是音乐生命力的源泉。我们将学习如何准确把握各种节奏型，如何在变化多端的节奏中找到自然的律动，如何通过节奏的变化来表现音乐的张力和情绪。 注入情感的温度： 技巧的娴熟，是为了更好地表达情感。本书将通过一系列的引导和示范，帮助您将内心的情感注入到音乐之中。 情绪的识别与转化： 我们将学习如何识别不同音乐作品的情绪基调，例如是喜悦、忧伤、宁静还是激昂。然后，我们将探讨如何通过具体的演奏技巧，将这些情绪转化为实际的音响。 呼吸与节奏的自由： 音乐的呼吸感，是其生命力的重要体现。我们将学习如何在演奏中运用自然的呼吸，如何通过节奏的微小调整，来赋予音乐以呼吸的起伏和情感的张力。 想象力的拓展： 音乐能够激发我们的想象力，带我们进入不同的场景和故事。本书将鼓励您在演奏时进行联想，将音乐与画面、故事联系起来，从而更生动地表达音乐的情感。 风格的多样性： 钢琴音乐风格多样，从巴洛克时期的严谨到浪漫时期的奔放，从古典时期的典雅到近现代的探索。本书将逐步引导您领略不同风格的魅力。 历史的沉淀： 我们将简要介绍不同时期的音乐风格特点，以及各时期代表性作曲家的音乐语汇，帮助您更好地理解和演绎不同风格的作品。 风格的把握： 通过对经典作品片段的分析和演绎，我们将学习如何把握不同风格作品的特点，如何在演奏中体现其独特的韵味。 第三篇：挑战的超越——高级技巧与艺术的融合 当基本技巧得到巩固，音乐表现力得到提升后，我们将进入一个更深层次的探索——将技巧与艺术进行更完美的融合，挑战更复杂、更具表现力的作品。 双手的配合与独立： 随着演奏的深入，双手独立与配合的要求会越来越高。本书将提供更复杂的双手练习，以及专门训练双手独立性的技巧。 对位法的奥秘： 在一些复调作品中，双手需要独立演奏不同的旋律线条，同时又保持整体的和谐。我们将学习如何清晰地处理对位，使每一条旋律线都清晰可辨，但又不失整体的统一。 节奏的交织： 有时，双手需要演奏完全不同的节奏型，这需要极高的节奏感和协调性。我们将通过有针对性的练习，来训练双手在节奏上的独立与配合。 踏板的运用： 踏板是钢琴的“第三只手”，它能够极大地丰富钢琴的音响效果，但同时也是一把双刃剑，使用不当会毁掉音乐。本书将深入探讨踏板的各种运用技巧。 延音踏板（Sustain Pedal）： 如何运用延音踏板来连接音符，拓展音响，制造共鸣，以及如何在复杂的和声进行中准确换踏板，避免混浊。 弱音踏板（Una Corda Pedal）与延音踏板（Sostenuto Pedal）： 学习如何利用这些踏板创造出独特的音色变化，例如柔和的低语，或是特定音的延长。 音乐的分析与诠释： 最终，钢琴演奏是一种诠释。本书将引导您学会如何分析音乐作品，形成自己独立的演奏思路。 结构与逻辑： 理解作品的结构，把握其逻辑发展，能够帮助您在演奏中更加清晰地呈现音乐的脉络。 情感的深度挖掘： 结合对作品的深入理解，挖掘作曲家潜藏的情感，并用自己的艺术感受去再现它。 结语 音乐的世界，是一片永无止境的海洋。每一首乐曲，每一个音符，都蕴含着无限的可能。本书所提供的，并非终点，而是一个起点，一段旅程。我们希望通过这些精心编排的内容，点燃您对钢琴艺术的热情，激发您探索音乐的无限魅力。请记住，每一次的练习，都是一次与音乐的对话；每一次的演奏，都是一次情感的表达。愿您在这段音乐之旅中，找到属于自己的声音，奏响属于您自己的华美乐章。

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我最近在尝试自己为一些民歌或电影配乐改编钢琴曲，对和声学和配器法有了更迫切的需求，因此入手了《现代钢琴编配与即兴创作指南》。这本书的实用性简直是立竿见影。它不像传统的和声学书籍那样侧重于古典时期的规则，而是非常前沿地介绍了爵士和声中的延伸音、色彩和弦（如9、11、13和弦）的实际运用。书中提供了大量的“和声进行模板”，我可以直接套用到我改编的旋律上，瞬间就能让原本朴素的旋律听起来丰富、现代起来。更棒的是，它关于“即兴创作”的部分，提供了非常系统的“和弦框架与旋律填充”的方法论。它教你如何分解和弦，如何使用音阶和琶音来构建连贯的即兴旋律线，这些技巧对于我这种理论基础尚可，但实战经验不足的学习者来说，是无价之宝。这本书让我真正体会到了，钢琴不仅仅是演奏工具，更是一个可以自由创造声景的平台。

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我对音乐史和理论知识的渴求一直很高，而《十九世纪浪漫主义音乐思潮与钢琴作品的交融》这本书，完美地满足了我对深度探究的欲望。这本书的学术性非常强，但叙述方式却非常引人入胜，它成功地将宏大的历史背景与具体的音乐作品联系起来，让你明白为什么李斯特会创作出那样热情洋溢的作品，又为什么勃拉姆斯会选择更内敛的表达方式。书中对于“主观性”和“民族乐派”在钢琴音乐中的体现，有非常精彩的论述。例如，它详细分析了德彪西作品中如何运用“印象派”的光影效果，以及这种效果是如何通过和声语言和踏板技术实现的。阅读这本书的过程中，我感觉自己仿佛在进行一场穿越时空的对话，每一次听钢琴曲都有了新的理解维度。它强迫我去思考：作曲家在那个时代的心境如何？他想通过这些音符向听众传达什么深层次的哲学思考？这本书的参考文献和注释系统也非常严谨，为我后续的深入研究指明了方向。

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我最近正在努力攻克肖邦的练习曲，对比了好几本资料，终于觉得这本《肖邦练习曲的演奏艺术剖析》在解决实际演奏问题上最为到位。这本书最吸引我的地方在于它对“技术瓶颈”的逐个击破策略。它不只是简单地告诉你“这里要快”或者“这里要强”，而是深入挖掘了每首练习曲背后的物理学和人体工程学原理。比如，在学习Op.10 No.12“革命”时，书中图文并茂地展示了手臂和手腕在快速十六分音符跑动时应如何保持放松和轴心稳定，甚至建议了特定的手指力量训练小练习，这些都是我在其他教材中学不到的“内功心法”。此外，它还收录了几位著名钢琴大师对同一首练习曲的不同处理录音的文字分析，这极大地拓宽了我的音乐视野。我发现，原来同一段音符，可以因为对声部层次的不同侧重，而产生截然不同的听感和情感表达。这本书让我明白，技巧的终极目标是服务于音乐的表现力，而不是炫技本身。对于每一个想要真正“唱出”肖邦音乐的演奏者来说，这本书绝对是案头必备的工具书。

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这本关于巴赫键盘作品的演奏解析《巴赫：赋格与平均律的结构之美》真是为那些想啃“硬骨头”的演奏者量身定做的。我过去弹巴赫，总是感觉像是在机械地跑动手指，缺乏对复调结构的清晰认知。这本书的厉害之处在于，它像一位精密的建筑师，将每一首赋格曲的“主题”、“呈示部”、“展开部”以及“再现部”的结构划分得清清楚楚，甚至用不同颜色来标记声部的进入顺序。这极大地帮助我建立了“声部独立意识”，当我弹奏时，我知道哪个手指弹的是导句，哪个手指是答句，这使得音色的层次感和对话感瞬间提升了不止一个档次。对于平均律，书中对“十二平均律”的音响特征进行了细致的对比分析，并提供了针对性地练习，以适应不同调性的“感觉”。这本书迫使我放慢速度，去倾听每一个声部如何相互交织、构建起宏伟的音乐殿堂，它强调的是逻辑和清晰度，而不是浪漫主义式的激情，对于打下扎实的复调基础，这本书无疑是教科书级别的存在。

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这本新近入手的《贝多芬奏鸣曲全集：精选与导读》简直是钢琴学习者的一盏明灯，我尤其欣赏它在曲目选择上的独到眼光。它并没有一股脑地堆砌所有奏鸣曲，而是精心挑选了最具代表性、技巧难度梯度也设计得非常合理的一批作品。比如，对于初学者来说，像“悲怆”奏鸣曲的第一乐章虽然旋律优美，但其中关于力度对比和连奏的要求，在这里都有非常详尽的注解。更让我惊喜的是，它不仅提供了乐谱，还穿插了大量的演奏提示。例如，在处理“月光”奏鸣曲第一乐章的琶音时，书中细致地分析了触键深度和踏板的保留时机，这对于我理解“气息”和“线条感”的统一，提供了切实可行的指导，避免了以往仅仅依靠模仿录音所带来的那种形似而神不似的困惑。这本书的排版也非常清晰，五线谱的清晰度极高，即使是快速音阶或复杂的和弦转换部分，也能一眼看清，这极大地减少了阅读视谱时的疲劳感。我感觉，这不仅仅是一本乐谱集，更像是一位经验丰富的钢琴教授，在我身边随时提供着专业的“幕后”解读，让原本晦涩的古典音乐语言变得生动可感。

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