素描人像-美术高考采点刀点

素描人像-美术高考采点刀点 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:辽宁美术出版社
作者:董洲
出品人:
页数:48
译者:
出版时间:2006-9
价格:15.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787531435921
丛书系列:
图书标签:
  • 素描
  • 人像
  • 美术高考
  • 采点
  • 技巧
  • 绘画
  • 美术
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  • 基础
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具体描述

《美术高考采分点:素描人像》内容简介:想要在美术高考素描人像考试中取得好成绩是与平时严格规范的训练分不开的。作者在高校工作近三十年,每年参加美术高考的评分阅卷工作,对每年素描人像考试试卷中出现的问题和影响考试分数的因素比较清楚。

《美术高考采分点:素描人像》比较系统地把如何取得美术高考素描人像的方法作了比较详细的阐述,力求《美术高考采分点:素描人像》内容直观、易懂、针对性强。加上笔者曾培养过一大批考生考入国内多所著名美术院校和综合院校的设计艺术与造型艺术专业,比较容易引导考生在报考专业的选择、心理技术上的准备、作画程序等方面作出符合考试的要求,以取得一个比较理想的考试成绩。《美术高考采分点:素描人像》中有些章节也适合参加美术高考学生的家长作专业参考,以帮助考生正确估计自己的能力,选择一个与考生能力相符的学校及专业。笔者建议考生们不盲目自大,也不气馁,以平和的心态应对考试。

好的,这是一份关于其他类型美术书籍的详细简介,旨在与您提供的书名“素描人像-美术高考采点刀点”形成对比,不涉及素描人像或高考主题。 --- 《色彩的交响:现代艺术中的光影与情绪表达》 书籍定位与目标读者 本书深度剖析了20世纪以来西方及当代艺术领域中,色彩理论在绘画、设计及视觉传达中的核心作用。它并非一本基础技法指南,而是侧重于色彩在构建艺术语言、表达深层情绪与文化内涵方面的应用与哲学探讨。本书适合有一定绘画或设计基础,希望提升色彩敏感度,探索色彩心理学与美学体系的艺术工作者、高年级艺术专业学生,以及对现代艺术史与色彩理论感兴趣的读者。 核心内容概述 第一部分:色彩的物理与心理基础重构 本部分超越了传统的CMYK或RGB三原色模型,深入探讨了艺术家如何理解和运用光的物理特性来影响色彩的感知。 视觉生理学与色彩感知: 详细阐述了人眼对色彩、明度、饱和度的复杂反应机制,并结合神经科学的最新研究,解释了色彩在不同文化背景下产生的文化偏见与普遍性感受。 情绪光谱与色彩代码: 剖析了特定色彩(如普鲁士蓝、镉黄、酞菁绿等)在艺术史中被赋予的象征意义,如何通过色彩组合来无声地传达焦虑、宁静、权力或脆弱等复杂情绪。例如,分析梵高作品中对比色的大胆运用与色彩的内在张力。 媒介对色彩的塑造: 比较了油画颜料、水彩、丙烯酸、数字媒介在记录和呈现色彩饱和度、透明度与肌理上的根本差异,以及艺术家如何因应媒介特性来调整其色彩策略。 第二部分:现代主义运动中的色彩革命 本章着眼于20世纪初至中叶,几大艺术流派如何彻底颠覆了对色彩的传统描绘方式,将其从“模仿自然”的工具解放出来。 野兽派的纯粹色彩冲击: 探讨马蒂斯等艺术家如何摒弃自然光影关系,使用高饱和度的纯色块进行平面结构搭建,以此表达强烈的生命力和装饰性。 立体派的解构与色彩的几何化: 分析立体主义者(如毕加索、布拉克)在分析阶段如何使用受限的棕、灰、赭石色系,以及综合立体主义阶段如何引入碎片化的色彩区域来强调多重视角。 俄国构成主义与功能性色彩: 探讨色彩在建构乌托邦理想中的作用,重点分析罗德琴科和马列维奇如何利用基础色块和非色彩(黑、白)来表达运动、速度与新的社会秩序。 抽象表现主义的“行动”色彩: 聚焦于罗斯科(Rothko)的色域绘画与波洛克(Pollock)的滴画。研究罗斯科如何通过颜料的层次叠压和边缘的晕染,创造出能将观者“吞噬”的沉浸式色彩场域,以及色彩在这一过程中所承担的形而上学意义。 第三部分:后现代语境下的色彩策略与跨学科应用 进入后现代,色彩的应用变得更加多元化,常常与社会批评、身份政治和技术媒介交织在一起。 波普艺术与商业符号: 分析安迪·沃霍尔等人如何挪用商业印刷中的标准化色彩,探讨高饱和度、平面化的色彩如何挑战艺术的“灵光”并反映消费主义文化。 后极简主义与环境色彩: 探讨诸如詹姆斯·特瑞尔(James Turrell)等艺术家如何利用建筑空间和环境光,将“色彩本身”作为物质材料进行创作,模糊了艺术品与观看环境的界限。 数字时代的色域与界面美学: 探讨LED屏幕、HDR技术对传统色彩理论的冲击。分析当代数字艺术家如何利用这些新媒介的特性,创造出超越传统颜料限制的“虚拟色彩体验”,以及界面设计中的色彩语言学。 作者介绍 (此处可根据实际情况虚构一位拥有深厚理论背景和丰富实践经验的学者,例如:) 李文涛,艺术史与色彩理论学者,毕业于欧洲某著名艺术学院,并在亚洲多所顶尖艺术院校任教。其研究方向聚焦于20世纪以来视觉艺术中色彩的结构性转变与文化表征。著有《媒介与光线的变奏》、《非具象绘画中的哲学空间》等多部专著。本书凝结了其二十余年对色彩理论的梳理与跨文化艺术实践的观察。 书籍特色 理论深度与案例广度并重: 理论框架严谨,但大量配有高质量的国内外艺术作品高清图例进行细致分析。 批判性视角: 不仅介绍“如何做”,更深入探讨“为何如此”,引导读者建立自己独立的色彩认知体系。 跨媒介视野: 内容覆盖架上绘画、装置艺术到数字媒体,全面反映色彩在当代艺术中的生态。 --- 《雕塑的体积与空间:从古典形体到当代材料的演进》 书籍定位与目标读者 本书专注于三维艺术——雕塑。它系统地梳理了从古希腊的理想化人体塑造到20世纪材料革命后雕塑本体语言的演变历程。全书着重于体积的组织、空间的介入以及材料的内在叙事性。本书适合雕塑专业学生、雕塑史研究者,以及所有对物质性与空间关系感兴趣的创作者。 核心内容概述 第一部分:古典雕塑的体积与秩序 本部分回归雕塑艺术的根基,分析体积如何被用以表达永恒的人类理想与叙事。 人体比例与黄金分割的运用: 详细解析波留克列特斯“规范”中的理想人体结构,以及米开朗基罗如何通过对肌肉骨骼的精确把握来赋予石膏和青铜以生命力。 动态平衡与“S”形构图: 探讨希腊化时期雕塑中,通过倾斜的姿态和复杂的动态平衡来打破古典的静止感,创造出叙事张力。 材料的内在性: 分析大理石的温润度、青铜的铸造技术如何决定了最终形态的清晰度与耐久性,以及材料本身对体积的“限制”与“赋能”。 第二部分:材料的解放与现代雕塑的诞生 本章探讨19世纪末至20世纪初,雕塑如何脱离对古典叙事的依附,开始探索材料自身的可塑性与空间的对话。 罗丹与雕塑的“内部生命”: 分析罗丹作品中对未完成面、粗粝表面的偏爱,如何通过光影在表面肌理上的跳跃,表达心理状态而非单纯的形体描绘。 野兽派与形式的简化: 考察布朗库西如何追求形式的纯粹性,将复杂的形体简化为流动的、有机的或几何的体积,强调“本质”而非“表象”。 拼装与结构主义的引入: 讨论立体主义雕塑(如雅各布·艾宾斯坦)如何使用非传统材料,并将雕塑从封闭的实体转变为开放的结构,允许空间穿透体积。 第三部分:当代雕塑的边界消融与物质的哲学 本部分聚焦于战后至今,雕塑如何与装置艺术、大地艺术等领域交叉,挑战“雕塑”的传统定义。 新材料与工业美学: 深入研究镀铬钢、玻璃纤维、塑料等新材料在“酷派”雕塑(如贾科梅蒂的金属线描和唐布利的作品)中的应用,以及它们对传统“贵重材料”观念的颠覆。 极简主义的体积回归: 分析唐纳德·贾德、卡尔·安德烈等艺术家如何使用工业化、标准化的几何体,将作品还原为纯粹的物体(Object)和摆放的空间关系,探讨作品的“场域效应”。 流动性与临时性: 研究诸如克里斯托夫妇(Christo and Jeanne-Claude)的大地干预作品,以及使用冰、沙、光线等临时性材料的实践,讨论雕塑在时间和环境中的存在状态。 数字三维与制造技术: 探讨3D打印、CNC切割等技术如何改变了体量生成的方式,使艺术家能够以前所未有的精度和复杂度来构建复杂的空间结构。 书籍特色 专注于“体”与“空”的辩证关系。 跨越材料的鸿沟,从石头到光影的完整脉络。 丰富的实物案例分析,图文结合展示结构细节。

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读后感

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用户评价

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《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,给我带来的最直观的改变,就是让我对画面细节的处理更加得心应手。以往我在画素描人像时,总是容易忽略一些细节,导致画面看起来不够真实。这本书的出现,让我意识到了“采点”和“刀点”在刻画细节中的关键作用。作者通过对不同部位的细致讲解,比如如何用细碎的“刀点”去表现皮肤上的毛孔,如何用微妙的“采点”去处理眼球的反光,如何用流畅的“刀点”去描绘衣物的褶皱,这些都让我受益匪浅。我特别喜欢书中关于如何运用“刀点”来表现人物的性格特征的部分,例如,同样的头发,可以通过不同的“刀点”组合来表现人物的飘逸、狂野或者沉稳。而且,这本书还强调了“采点”的最终目的在于塑造形体,而“刀点”则是进一步丰富画面的手段,两者相辅相成,缺一不可。通过学习这本书,我的素描人像作品在细节上有了明显的提升,画面也更加生动传神。

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我之所以对《素描人像-美术高考采点刀点》这本书评价颇高,是因为它提供了一种非常具有系统性的学习方法。很多时候,我们在学习素描人像时,会感到无从下手,不知道如何将零散的知识点串联起来。这本书恰恰解决了这个问题,它将“采点”和“刀点”这两个看似独立的技法紧密结合,并且贯穿于整个素描人像的创作过程。从最初的起稿、构图,到中间的形体塑造、明暗关系的处理,再到最后的细节刻画和整体调整,这本书都提供了清晰的指导。我尤其喜欢书中对“采点”与“刀点”之间相互作用的阐释,比如如何通过精准的“采点”来确定明暗交界线,然后用富有表现力的“刀点”来强化这条线条,从而增强画面的对比度和空间感。书中的一些练习方法也很有针对性,比如针对不同脸型、不同光线的专项练习,这让我能够更有效地巩固所学知识,并且针对性地弥补自己的不足。它让我明白了,高超的素描技巧并非一日之功,而是需要通过系统性的学习和大量的实践才能达成。

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拿到《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,我最先关注的就是它在“采点”这个概念上的处理。我之前看过不少关于素描人像的书,但很少有能如此系统地讲解“采点”的重要性。这本书让我认识到,每一个“点”,无论是高光、暗部、转折点,还是能够提亮画面或者加深层次的关键部位,都至关重要。作者通过大量的实例,清晰地展示了如何精准地找到这些“点”,并且如何利用它们来构建人物的体积感和空间感。我特别欣赏书中对不同材质(比如皮肤、头发、衣服)的“采点”方法的区分,以及如何根据不同的光线条件来调整“采点”的位置和力度。而且,书中提到的一些“刀点”技巧,比如如何用硬朗的笔触去刻画骨骼的硬度,如何用细腻的笔触去表现皮肤的柔软,这些都给我留下了深刻的印象。我尝试着按照书中的方法去练习,发现自己的画面一下子有了质的飞跃。以前我总觉得自己的素描人像缺少灵魂,画面也比较“死”,但通过学习这本书,我学会了如何让画面“活”起来,如何让每一个笔触都充满生命力。书中对考试重点的把握也非常精准,让我备考更有方向性。

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《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,给我最大的感受就是它的“干货”十足。作为一名美术考生,我深知理论知识的学习固然重要,但更关键的是实际操作层面的技巧。这本书在这方面做得非常出色,它没有过多的空泛理论,而是将大量精炼的技法融入到具体的案例分析中。我特别喜欢书中关于“刀点”运用的部分,作者通过对不同画家的作品进行剖析,揭示了他们是如何运用不同力度、方向和粗细的线条来塑造人物的。这些“刀点”不仅仅是简单的笔触,更是作者情感和对物象理解的表达。书中对头发的刻画尤为精彩,我之前总是纠结于如何画出头发的层次感和蓬松感,而这本书提供了一种全新的思路,让我明白如何通过“刀点”的组合来表现头发的发丝走向和体积。还有对五官的刻画,书中对眼睛、鼻子、嘴巴的每一个细节都进行了细致入微的讲解,如何通过“采点”来表现眼神的深邃,如何通过“刀点”来塑造鼻子的立体感,这些都极大地提升了我的绘画能力。这本书就像一本秘籍,让我受益匪浅。

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我购买《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,主要是被它在“采点”技巧上的深度解析所吸引。以往我接触的素描教材,虽然也讲解明暗,但很少有能像这本书这样,将“点”的概念如此具体化、系统化。作者将整个画面比作一个需要精心布局的棋盘,而每一个“采点”则是棋盘上的关键落子。这本书详细地指导了如何在观察人物时,快速准确地捕捉到那些能够决定人物结构和体积的“采点”,比如眼眶的凹陷、鼻梁的起伏、颧骨的突出等等。而且,书中还强调了“采点”的优先级,哪些点应该优先去刻画,哪些点可以作为补充,这对于节省考试时间、提高画面效率非常有帮助。我尤其赞赏书中关于“采点”与“刀点”如何相互配合的论述,它让我理解到,并非所有的“刀点”都适用于所有的地方,而精准的“采点”往往能够指导“刀点”的运用方向和力度。通过练习这本书中的方法,我发现自己在处理画面整体关系时更加得心应手,画面也更具有表现力。

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我非常认可《素描人像-美术高考采点刀点》这本书的价值。它不仅仅是一本关于素描技巧的书,更是一本关于如何观察和理解人物的书。书中对“采点”的深入分析,让我学会了如何在有限的时间内,抓住人物最重要的结构和光影特征。这些“采点”就像是人物的“身份证”,它们能够准确地定义人物的脸型、五官比例以及明暗关系。而“刀点”的运用,则是在这些“采点”的基础上,为画面注入生命力和情感。作者在书中展示了如何用不同的“刀点”来表现人物的皮肤质感、头发的蓬松感、衣物的垂坠感等等,这些细节的处理,让画面更加生动逼真。我通过这本书,不仅提升了绘画技巧,更重要的是学会了如何更深入地去观察和理解我所画的人物,从而赋予我的作品更强的生命力。这本书对于任何想要提升素描人像水平的美术爱好者来说,都是一本不可多得的参考资料。

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《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,真的为我打开了新的绘画视野。我一直对素描人像中的“刀点”处理感到好奇,但又常常觉得自己的笔触不够有力,画面显得比较柔弱。这本书的出现,让我找到了突破口。它不仅仅是告诉你“怎么画”,更重要的是告诉你“为什么这样画”。书中对不同“刀点”所带来的不同视觉效果的分析,让我对笔触的运用有了更深刻的理解。比如,作者如何用粗犷的“刀点”来表现人物的坚毅,如何用细腻的“刀点”来传达人物的温柔,这些都给了我很多灵感。同时,这本书也强调了“采点”的重要性,它告诉我,画面中的每一个明暗关系,每一个结构转折,都需要通过精准的“采点”来确立,然后才能通过“刀点”来丰富。我尝试着在自己的练习中运用书中提到的“采点”策略,发现自己对画面整体的把控能力有了显著提升,画面也变得更加有条理。这本书让我明白了,高水平的素描人像,是“采点”的精准与“刀点”的灵动相结合的产物。

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《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,说实话,我拿到它的时候,内心是充满期待的,毕竟是美术高考的参考资料,而且书名听起来就很有专业性。翻开第一页,就被作者严谨的排版和清晰的逻辑吸引了。对于我这种备考多年的考生来说,光是目录就让我眼前一亮。它没有像市面上很多教材那样泛泛而谈,而是直击高考素描人像的“采点”和“刀点”这两个核心技术,这让我觉得作者对考情有着非常深刻的理解。我尤其喜欢的是书中对于不同年龄、不同性别、不同风格的人物肖像的分析,每一种都详细剖析了面部骨骼结构、肌肉走向,以及如何通过光影和线条来塑造立体感。书中穿插的一些名家作品赏析,不仅仅是简单的展示,更重要的是作者对这些作品的解读,从中可以学到很多处理细节的技巧,比如如何用笔触表现头发的蓬松感,如何通过微妙的明暗变化来捕捉人物的情绪。书中的步骤讲解也非常到位,从最初的整体造型到局部的深入刻画,都一步步地引导着读者,让我感觉自己不是在独自摸索,而是有老师在旁边指导。而且,我发现书中还强调了“意”的表达,这在高考中是非常重要的,如何通过素描来传递人物的内在气质,这本书在这方面给了我很多启发。它让我明白,素描人像不仅仅是形似,更要神似。我还会反复翻阅这本书,因为它就像一个宝藏,每次阅读都会有新的发现和感悟。

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《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,让我对素描人像的理解上升到了一个新的高度。我一直认为素描人像是一门非常注重观察和理解的艺术,而这本书恰恰让我看到了作者是如何通过“采点”和“刀点”这两个工具,来精准地表达他对人物的观察和理解。书中对“采点”的讲解,不仅仅是告诉你位置,更是告诉你为什么在这个位置“采点”,它背后蕴含着怎样的形体和光影规律。而“刀点”的运用,也并非随意的涂抹,而是带有明确的目的性,用来强调结构、表现质感、传递情感。我尤其喜欢书中对不同人物神态的刻画,如何通过微妙的“采点”变化来捕捉人物的喜怒哀乐,如何用富有表现力的“刀点”来传递人物的内在气质。这本书让我明白了,优秀的素描人像,是在精准的“采点”基础上,通过富有情感的“刀点”来完成的,它是一种高度概括与精细描绘的完美结合。

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拿到《素描人像-美术高考采点刀点》这本书,我最大的感受就是它的实用性和针对性。对于美术高考备考来说,时间是宝贵的,而这本书就像一本高效的学习指南,能够帮助我们快速掌握核心技巧。作者在书中并没有过多地介绍一些不适用于高考的理论,而是专注于高考素描人像中最重要的“采点”和“刀点”技术。我特别欣赏书中对“采点”的解析,它让我明白,画面中的每一个关键点都是经过考量的,是服务于整体塑造的。而“刀点”的运用,则是一种表达和强调的方式。书中提供的很多示范作品,都清晰地展示了“采点”与“刀点”是如何巧妙结合的,以及这些技巧如何帮助画家快速建立起画面的立体感和质感。我尝试着按照书中的方法进行练习,发现自己在处理人物的明暗关系和形体结构方面有了显著的进步,画面也更加有力量感。这本书为我的美术高考之路提供了坚实的理论和实践指导。

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