The New Oxford History of Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Abraham, Gerald 编

出品人:

页数:956

译者:

出版时间:1990-11-15

价格:USD 295.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780193163096

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好的，以下是一本不包含《牛津新音乐史》（The New Oxford History of Music）内容的、关于音乐史的图书的详细简介。 --- 《音律的洪流：一部跨越欧亚大陆的音乐文明编年史》 ——探寻声音的起源、演变与文化张力 导言：聆听时间的低语 音乐，作为人类最古老、最普遍的文化表达形式之一，远不止是悦耳的旋律与和谐的节奏。它是一面映照文明兴衰的镜子，是社会结构、宗教信仰和技术进步的无声记录。本书《音律的洪流》旨在提供一个宏大而精微的视角，审视人类音乐文明的整体发展轨迹，重点聚焦于那些常被单一文化史观所忽视的、跨地域的音乐互动、技术革新及其深远的社会影响。我们不满足于仅仅罗列西方古典音乐的里程碑，而是将目光投向整个欧亚大陆乃至更广阔的区域，追溯从史前节奏到数字合成的漫长旅程。 本书的叙事核心在于“流动性”与“张力”——音乐如何在不同文化间流动、融合，以及不同审美体系之间的张力如何催生出新的艺术形式。我们将避开传统史学中对特定地域或流派的过度中心化叙事，致力于描绘一幅更加立体、多声部的全球音乐图景。 第一部：根源与共鸣（史前至古典时代） 第一章：声响的黎明——音乐的史前起源 本章考察人类最早的声音实践，从骨笛的发现到萨满仪式中的重复吟唱。重点分析早期音乐与生存需求（狩猎、劳动、祭祀）的紧密关联，探讨节奏作为时间组织方式的原始意义。我们引入了考古声学的新方法，试图重建远古音乐的环境声景。 第二章：河流文明的调性——美索不达米亚与尼罗河畔的七音阶 深入研究苏美尔、巴比伦和古埃及的音乐实践。我们重点分析泥板文献中记载的乐理知识，特别是对“宁伽尔”（Nakkal）这一早期乐师群体的描绘，以及他们如何将音乐融入神庙的日常运作。通过对古希腊七弦琴（Kithara）的重新考证，我们探讨了早期音律系统与宇宙观的哲学联系。 第三章：东方轴心的奠基——印度古典音乐的萌芽与早期哲学 本卷特别关注南亚次大陆。详细阐述吠陀赞颂（Vedic Chanting）对旋律（Raga）和节奏（Tala）体系的奠基作用。我们分析了早期乐器（如维纳琴）的构造演变，并解读《乐论》（Natya Shastra）中关于情感（Rasa）与音乐表现关系的深刻论述，强调其与西方早期音乐理论的根本分野。 第四章：秦汉的雅正与胡风——中国早期音乐的制度化 聚焦于中国古代礼乐制度的建立。从黄钟大吕的音高标准，到孔子对“中和之美”的推崇。本章细致对比了周代雅乐的规范性与战国秦汉时期民间及边疆音乐（“胡乐”）的活跃，分析音乐在维护中央集权中的作用。 第二部：信仰、帝国与交汇（中世纪至文艺复兴前夕） 第五章：拜占庭的咏叹与伊斯兰的律动 这一部分探讨了三大宗教中心在音乐上的独特发展。对拜占庭圣歌的复调雏形进行考察，并着重分析伊斯兰黄金时代（特别是阿巴斯王朝）在乐理学上的巨大贡献——从波斯学者如法拉比对“和弦”和“音程”的系统分析，到阿拉伯“乌德琴”向欧洲的传播及其对中世纪音乐实践的影响。 第六章：欧洲的教会垄断与世俗的反叛 详述格里高利圣咏的规范化过程，及其如何成为西方音乐的基石。本章着重分析了从奥尔加农（Organum）到早期经文歌（Motet）的发展轨迹，并关注中世纪吟游诗人（Troubadour/Trouvère）的作品，如何以爱情、游侠精神挑战教会的审美霸权。 第七章：丝绸之路上的和声：中亚与游牧民族的音乐遗产 本书的重要突破点之一。探讨了草原民族（如突厥、蒙古）的口头音乐传统，以及他们如何通过征服和贸易，将西部的鳞状音阶与东方的五声音阶进行碰撞。详细分析了马头琴等乐器的技术特征及其在游牧史诗叙事中的核心地位。 第八章：日本雅乐的静谧：形式的固化与精神的传承 深入分析日本雅乐（Gagaku）的形成过程，它如何吸收了中国唐代音乐的元素，并在神道教和佛教的影响下，发展出极其程式化、注重“间”（Ma）的概念的独特审美体系。本书强调雅乐在技术上保持其古代形态的罕见性。 第三部：技术革命与全球扩张（文艺复兴至浪漫主义） 第九章：印刷术与音乐的民主化 本章分析了印刷术对音乐传播的颠覆性影响。彼得里奇（Petrucci）的出版实践如何改变了作曲家与听众的关系。重点讨论文艺复兴时期“人本主义”思潮对音乐主题的影响，特别是对对位法技术（如帕莱斯特里那风格）的精细化处理。 第十章：巴洛克的戏剧性与情绪理论 聚焦17世纪至18世纪的“激情理论”（Doctrine of Affections）。详细剖析歌剧作为一种综合艺术的诞生，以及巴赫与亨德尔如何通过精密的对位与装饰，将情感表达推向极致。我们特别分析了即兴演奏在巴洛克音乐中的核心地位。 第十一章：启蒙时代的理性与情感的平衡 探讨海顿、莫扎特如何将音乐语言带入“古典时期”的清晰结构与形式完美。分析奏鸣曲式作为一种理性思维模式的建立，以及它如何反映启蒙运动对秩序与平衡的追求。同时，考察了早期管弦乐队编制的标准化进程。 第十二章：浪漫主义的自我觉醒与民族乐派的兴起 浪漫主义时期音乐如何从对外部世界的描绘转向对内在主观体验的探索。贝多芬晚期作品中的突破性意义，以及舒伯特、肖邦等对抒情性的深化。本章重点对比了德奥“大传统”与俄罗斯五人组、捷克民族乐派（如德沃夏克、斯美塔那）如何通过民歌元素构建国家音乐身份的努力。 第四部：断裂、实验与重塑（19世纪末至今） 第十三章：边缘的张力：印象主义、表现主义与新古典主义 探讨音乐家如何对晚期浪漫主义的过度情绪化做出反应。德彪西如何利用音色而非传统和声推动音乐的“漂浮感”；勋伯格如何通过十二音体系，彻底打破了西方音乐近千年的调性基础，以及新古典主义者（如斯特拉文斯基）对早期形式的回归与解构。 第十四章：非西方音乐的介入与现代主义的碰撞 重点分析20世纪初期西方音乐家对“异域”音乐（如印尼加美兰、非洲鼓点）的兴趣，以及这种兴趣如何成为打破欧洲中心主义的关键。考察对非线性时间观念和复调节奏（Polyrhythm）的运用，以及这一时期录音技术对音乐创作观念的初步影响。 第十五章：电子时代的序曲：从磁带实验到合成器的崛起 详述二战后电子音乐的诞生与发展。从科隆的电子声学工作室到贝尔实验室的发现。分析具体技术（如频率调制、振荡器）如何为音乐家提供了前所未有的声音构建工具，彻底解放了音色的可能性。 第十六章：全球化、分岔与声音的未来 本章探讨20世纪后半叶音乐的极端分化：从极简主义（Minimalism）对重复与慢速变化的执着，到学院派的不可知论音乐（Indeterminacy）。最后，分析数字采样、互联网传播和流媒体对当代音乐文化结构造成的不可逆转的改变，音乐的定义如何再次被拓宽。 结语：永恒的变奏 本书最终呈现了一个持续演变的声音世界。音乐史并非一条单向的进步阶梯，而是一个不断在继承、叛逆、融合中自我更新的复杂系统。通过跨越地理与时代界限的考察，我们旨在揭示，每一种“新”的音乐，都深深根植于过往的共鸣之中。 --- 本书特色： 跨文化比较方法： 系统性地将欧洲发展与亚洲、中东、非洲的成熟音乐体系并置比较。 技术决定论视角： 深入分析乐器制造、记谱法、录音技术对音乐美学范式的重塑作用。 非主流叙事： 强调乐师、工匠、赞助人而非仅仅是“伟大作曲家”群体的作用。 丰富图表与乐谱分析： 配有大量详细的音律图解、节奏结构分析和乐谱节选，以供专业读者深入研究。

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对于任何一个真正热爱音乐并渴望深入了解其发展脉络的人来说，《新牛津音乐史》绝对是不可错过的宝藏。我尤其欣赏本书在处理不同时期音乐的过渡与衔接上的精妙之处。它没有生硬地将音乐史割裂成一个个孤立的时期，而是通过对音乐风格、作曲技法、以及当时音乐家们所面临的挑战和机遇的深入剖析，展现了音乐演进的连续性和有机性。例如，本书在论述从文艺复兴到巴洛克风格的转变时，不仅详细介绍了新的和声手法、对位技法的创新，还生动地描绘了当时社会对音乐的期待和需求的变化，解释了为何音乐会变得更加宏大、情感更加充沛。我常常会在阅读某位作曲家的章节时，回过头去复习他所处的音乐时代背景，然后再展望他所预示的未来音乐趋势，这种“前后呼应”的阅读方式，让我对音乐史的理解更加立体和深刻。此外，书中对于音乐理论和美学思想的探讨，也为我打开了新的认知维度。我开始理解，为什么某些音乐会引起我们如此强烈的情感共鸣，为什么某些作曲家的作品能够跨越时代而经久不衰。这套书所提供的，不仅仅是音乐史的知识，更是一种看待音乐、理解艺术的独特视角。

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作为一名业余的古典音乐爱好者，我一直渴望能有一本能够系统、深入地梳理音乐历史的书籍，而《新牛津音乐史》无疑满足了我这个愿望。我尤其喜欢它对每个时期音乐风格的细致分析，例如巴洛克时期那种华丽、精致的风格，以及古典主义时期追求的平衡、清晰与和谐，书中都进行了深入浅出的剖析。我常常会在阅读过程中，拿出自己收藏的相应时期的音乐唱片进行比对，这种“读听结合”的学习方式，极大地加深了我对音乐的理解。我特别欣赏作者们在讨论特定作曲家时，不仅仅局限于他们的作品，还会深入探讨他们的创作理念、技术革新以及对后世的影响。比如，贝多芬的音乐，书中不仅仅分析了他的交响乐和奏鸣曲，还探讨了他如何打破古典主义的藩篱，预示了浪漫主义的到来。这种宏观与微观相结合的视角，让我能够更全面地认识音乐巨匠们。此外，本书还涵盖了非常广泛的音乐体裁，从歌剧、交响乐到室内乐，甚至还涉及了一些相对小众的音乐形式。这让我有机会接触到更多元的音乐世界，拓展了我的音乐视野。尽管有些篇章对于我来说可能略显晦涩，但整体而言，这套书所呈现的音乐发展图景是如此清晰而迷人，让我每次阅读都受益匪浅。它不仅仅是一本书，更像是一个陪伴我深入探索音乐殿堂的良师益友。

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这套《新牛津音乐史》真的是令人惊叹的学术巨著，虽然我本人并非音乐学领域的专业人士，但出于对音乐历史的浓厚兴趣，我还是毅然决然地购入了这套鸿篇巨制。从我收到书的第一天起，就被它沉甸甸的质感和封面传递出的庄重感所折服。翻开第一页，我就仿佛进入了一个浩瀚无垠的音乐宇宙，从远古时代的原始歌谣，到中世纪的格里高利圣咏，再到文艺复兴的复调音乐，每一个时代都仿佛被精心雕琢过，带着独特的气息扑面而来。作者们严谨的研究和考证，让我能够看到音乐发展的脉络是如何一步步清晰地勾勒出来。特别是对于那些早期音乐形式的阐述，虽然有些术语对我来说是全新的，但通过生动形象的描述和引用，我逐渐能够理解当时音乐的形态和功能。让我印象深刻的是，本书并没有仅仅停留在理论层面，而是通过对乐器发展、作曲家生平以及当时的社会文化背景的细致描绘，将音乐与时代紧密地联系在一起。我常常会想象，在中世纪的教堂里，吟唱的圣咏是如何回荡，在文艺复兴时期的宫廷里，复杂的复调音乐又是如何被精心演奏。这种身临其境的感受，是我阅读其他音乐普及类书籍所未曾体验过的。尽管我只能理解其中的一部分，但这套书所激发的我对音乐历史的求知欲，已经远远超出了我的预期。它就像是一扇通往过去音乐世界的大门，我迫不及待地想继续探索其中更多的奥秘。

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作为一名对音乐史充满好奇的普通读者，《新牛津音乐史》为我打开了一个全新的音乐世界。我深深地被书中对早期音乐的考证和还原所吸引。从古希腊的音乐理论，到中世纪的民间歌谣，再到早期教会音乐的传播，作者们用严谨的学术态度和生动的语言，为我勾勒出了音乐最初的模样。我尤其惊叹于书中对不同文化背景下音乐形态的比较研究，让我看到了音乐的普适性与独特性。例如，在讨论不同地区宗教音乐的差异时，书中不仅呈现了旋律、节奏上的不同，还深入探讨了其背后的文化象征意义和宗教功能。这让我明白，音乐不仅仅是声音的排列，更是承载着文化、信仰和历史的载体。我对本书在描述不同音乐体裁的演变过程中的清晰逻辑感到非常满意。例如，在追溯歌剧的起源和发展时，书中详细介绍了从早期神话剧到意大利歌剧，再到后来的不同国家歌剧流派的演变，让我能够清晰地看到这一重要的音乐体裁是如何一步步走向成熟和丰富。这套书的阅读过程，对我而言，就像是一场穿越时空的音乐旅行，每一次翻阅，都能发现新的惊喜和深刻的感悟，让我对音乐的理解提升到了一个新的高度。

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一直以来，我对音乐史的认知都是碎片化的，直到我偶然间发现了《新牛津音乐史》。这本书给我带来的，是一种前所未有的系统性体验。我尤其被书中对不同地域音乐传统的研究所吸引，不仅仅局限于欧洲音乐，还触及到了东方、非洲等地的音乐文化。这种全球化的视角，让我意识到音乐的根源是如此的多元和丰富。我尤其喜欢书中对于音乐与社会、政治、宗教等因素之间相互作用的探讨。比如，在中世纪，教会音乐是如何成为当时音乐发展的主导力量，而到了近代，随着社会变革的加剧，音乐又如何承载了更多的个人情感和民族精神。这种将音乐置于更广阔的历史背景下进行审视的方式，让我对音乐的理解不再仅仅是孤立的旋律和和声，而是与人类文明的发展紧密相连。书中对每一种音乐风格的演变都进行了细致的梳理，让我能够清晰地看到，一种音乐风格是如何在前一种风格的基础上发展而来，又如何为后一种风格的出现奠定基础。这种“循序渐进”的叙述方式，让我在理解复杂音乐概念时感到更加轻松。尽管篇幅巨大，但我从未感到枯燥，反而常常因为书中精辟的见解而掩卷沉思。它就像一面镜子，让我得以审视音乐历史的长河，从中汲取智慧和力量。

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