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出版者:中国商业

作者:赵承祖 编

出品人:

页数:146

译者:

出版时间:2006-12

价格:29.00元

装帧:

isbn号码:9787504457752

丛书系列:

图书标签:

• 美术基础
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• 绘画
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《光影的絮语：探索色彩与形态的奥秘》 这是一本旨在引导读者走进视觉艺术世界的入门读物，而非一本涵盖所有美术知识的百科全书。本书的核心在于激发读者对“看”的敏感度，以及如何通过笔触、线条和色彩来捕捉和表达我们所见所感。 第一章：形体的结构与构成 本章将从最基本的视觉元素——“形体”出发。我们将探讨形体是如何在二维平面上呈现出三维空间的质感，以及不同几何形体（如点、线、面、体）的特性和组合方式。我们会学习如何观察和分析现实生活中物体的基本结构，例如水果的球体感、盒子的棱角分明、柱体的圆润流畅。 线条的语言： 从粗犷有力的直线到婉转细腻的曲线，线条不仅勾勒出物体的轮廓，更承载着情感和动态。我们将学习如何运用不同类型的线条来表现物体的质感、力量感和情绪。例如，锯齿状的线条可能传递不安，而流畅的曲线则可能带来平和。 面的塑形： 当线条封闭并围合出空间，就形成了“面”。我们会研究面的大小、形状、方向和组合如何影响画面的整体布局和视觉重心。理解“面”的构成，能帮助我们更好地理解光影如何作用于物体表面，从而塑造出立体的感觉。 体的感知： 在二维的纸面上模拟三维的“体”是视觉艺术的一大挑战。本章将通过透视的基本原理，如一点透视和两点透视，来解释物体在空间中的位置关系以及如何表现其深度感和体积感。我们将尝试绘制简单的几何体，如立方体、球体、圆锥体，并理解它们在不同角度下的形态变化。 第二章：光影的魔法 光是塑造形体的灵魂。本章将深入探讨光线如何与物体互动，产生阴影和高光，从而赋予画面生命和真实感。 光源的性质： 我们会区分不同的光源类型，例如柔和的散射光、强烈而集中的点光源，以及它们对物体阴影形成的具体影响。理解光源的方向和强度，是准确捕捉阴影的关键。 明暗对比的运用： 明暗对比是画面中最具表现力的元素之一。本章将介绍“明暗法”（Chiaroscuro）的基本概念，学习如何通过对比强烈的明暗关系来突出主体、营造氛围和表现物体的质感。例如，浓重的阴影可以营造神秘感，而明亮的受光面则能突出物体醒目的特征。 阴影的构成： 阴影并非简单的黑色区域。我们会分析不同类型的阴影，包括“本影”（物体本身被遮挡的部分）、“衬影”（物体投射到其他物体上的阴影），以及“反光”（物体表面因周围物体反射光线而产生的局部亮部）。掌握这些细节，能让画面更加真实和生动。 第三章：色彩的调和与表现 色彩是视觉艺术中最具情感和吸引力的语言。本章将带领读者探索色彩的奥秘，以及如何运用色彩来表达情绪、烘托气氛和塑造意境。 色彩的基本属性： 我们将首先学习色彩的三要素：色相（Hue）、明度（Value）和纯度（Saturation）。理解这些基本属性，是进行色彩分析和调色的基础。例如，同样是红色，鲜艳的红色可能充满活力，而暗淡的红色则可能显得沉静。 色彩的混合与对比： 学习颜色的冷暖对比、互补色对比、邻近色对比等，理解不同色彩组合产生的视觉效果。我们会通过实际的色彩练习，体验不同颜色搭配所带来的情绪和视觉冲击力。例如，冷暖色的强烈对比可以制造视觉张力，而邻近色的柔和过渡则能带来和谐统一的感觉。 色彩的情感联想： 色彩与人的情绪有着深刻的联系。本章将探讨不同颜色所代表的常见情感联想，以及如何利用色彩来引导观者的情绪，营造特定的艺术氛围。例如，蓝色常与宁静、忧郁相关，而黄色则常常代表阳光、快乐。 第四章：构图的艺术 构图是将画面中的各种元素有机地组织起来，形成具有视觉吸引力和表达力的整体。本章将介绍一些基本的构图原则和方法。 黄金分割与三分法： 学习如何运用经典的构图法则，如黄金分割和三分法，来引导观者的视线，使画面更具平衡感和视觉焦点。 视点与视角： 不同的视点和视角会赋予同一场景截然不同的感觉。我们会尝试从高处俯瞰、低处仰视，以及平视等不同角度来观察和描绘对象，体会视角变化带来的空间感和透视感。 留白与疏密： 画面中的“留白”同样重要。本章将探讨如何通过合理的留白和元素之间的疏密关系，来突出主体、营造呼吸感，并引导观者的注意力。 本书并非旨在教授绘画技巧的“秘籍”，而是希望通过对基础视觉元素的解析和引导，帮助读者建立起一套观察和思考视觉艺术的独特视角。我们鼓励读者在生活中多加观察，勤于实践，用自己的眼睛去发现美，用自己的双手去表达美。希望这本书能成为您艺术探索旅程中的一个起点，点亮您对光影、色彩和形态的感知，开启您对视觉艺术无尽的想象与创作。

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我花大价钱买的这本《美术基础》，阅读体验简直是一场灾难性的误会。我期待的是一本能快速提升我绘画审美和实操能力的书，结果它更像是一本厚重的艺术史或者美术鉴赏类的读物，充满了各种历史背景和流派分析，但真正实用的绘画技巧却少得可怜。比如，书中花了整整一个章节去探讨文艺复兴时期大师们对人体黄金比例的痴迷，分析了达芬奇的素描手稿，理论深度是有了，但对我这种想学习如何用铅笔画好一个苹果的人来说，帮助微乎其微。关于色彩理论的部分，也过于侧重色相环的复杂关系和色彩心理学，而不是教你如何调出漂亮的肤色或者风景中的层次感。更让我抓狂的是，书中几乎没有提供任何可供打印出来练习的线稿或者练习册页，完全依赖读者自行从其他地方寻找素材进行理论实践，这极大地降低了作为一本“基础”读物的实用价值。如果我需要一本理论集，我可能会给它更高的评价，但作为一本指导入门的书籍，它的引导性非常不足。

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这本书的装帧和纸质倒是无可挑剔，拿在手里很有分量，印刷出来的图像清晰锐利，能看出制作者在视觉呈现上的用心。然而，内容上的空洞感却让我感到非常失望。它似乎更注重于“告诉”你美术的“是什么”，而不是“教你”美术的“怎么做”。例如，在谈到构图时，它列举了大量的经典构图法则，如三分法、对称构图等，并且配上了很多古典油画的截图，但对于如何将这些法则灵活地应用到现代的速写或者插画创作中，缺乏具体的可操作步骤。我尝试跟着书中的步骤练习了几次，发现自己总是在“理解”文字描述和“实践”画笔之间迷失方向。书中的练习建议大多是开放式的、哲学层面的，比如“去感受光线的流动”，这对于初学者来说，简直是天书。我更需要的是“握笔的角度”、“下笔的力度控制”这类实在的技巧指导，而不是诗意的描述。

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对于有志于进入艺术院校深造的朋友来说，这本书或许是一剂良药，但对我这种仅仅想在周末放松一下，提高一下手绘水平的普通上班族而言，简直是毒药。书中对不同画材的介绍非常详尽，从不同硬度的铅笔到各种媒介的炭笔，专业名词层出不穷，看得我头晕眼花。它似乎完全没有考虑到“非专业人士”的需求，比如如何用最常见的HB铅笔和A4纸就能达到不错的效果。书中大量的篇幅都用来论证某个历史流派的技法优越性，比如文艺复兴时期的晕染法和巴洛克时期的强烈对比法，这些知识点更像是艺术史考试的知识点，而不是日常绘画的技能树。我翻遍了全书，都没找到一个关于如何快速捕捉人物动态的简易指南，或者一个关于如何在不借助网格的情况下准确画出比例的技巧。这本书与其说是“基础”，不如说是“通往专业殿堂的理论门槛”。

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这本《美术基础》的书，实在是让我这个零基础的爱好者摸不着头脑，完全是面向科班出身的学生的教材。打开书，迎接你的是一大堆密密麻麻的术语和理论，什么“透视原理”、“光影关系”、“解剖结构”，每一个概念都需要我反复查阅资料才能勉强理解。书中对素描的讲解极其深入，各种线条的运用、明暗过渡的细腻处理，对于我这种只是想随便画几笔的朋友来说，简直是高射炮打蚊子，完全用不上。我本来以为会有些轻松入门的速成技巧或者简笔画教程，结果里面全是严谨的学院派训练方法。比如关于石膏像的临摹，动辄要求你花上几十个小时去捕捉每一个微小的阴影变化，这对于业余时间有限的人来说，压力太大了。感觉作者默认读者已经拥有一定的艺术素养，否则根本无法跟上书中的节奏。书中的插图虽然精美，但更多的是作为范例来展示复杂技巧的，而不是手把手地教你“怎么画”。总而言之，如果你想轻松愉快地开始你的绘画之旅，这本书可能不太适合，它更像是一本需要你付出大量时间精力去啃读的专业工具书。

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我必须承认，这本书在某些高级概念的阐述上，确实展现了作者深厚的学术功底，但这种深度带来的副作用就是，它彻底疏远了大众读者。书中的章节编排逻辑非常传统，先是枯燥的几何学基础，然后是复杂的解剖学透视，最后才是稍微涉及一些创作层面的内容。当我看到关于人眼视觉残留和颜色感知的神经学解释时，我几乎要放弃了。它像是一个已经登顶的登山者在回顾自己的攀登路线，路径清晰可见，但对于下面还在半山腰挣扎的人来说，那些绳索和锚点都显得过于复杂和遥远。这本书更像是一部为研究生准备的参考资料，而不是一本可以让你拿起笔就想开始画的“入门指南”。它没有提供任何可以让你立刻获得成就感的“小胜利”，全程都在强调“扎实基础”的艰巨性，让人望而却步，最终只能让它安静地躺在书架上，成为一个美丽的装饰品。

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