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出版者:高等教育出版社

作者:薛欣

出品人:

页数:218

译者:

出版时间:2007-1

价格:19.30元

装帧:

isbn号码:9787040207385

丛书系列:

图书标签:

• 二维动画
• 动画制作
• 动画原理
• 动画软件
• 数字艺术
• 设计
• 绘画
• 教程
• 技法
• 行业应用

影视叙事与导演技法探索 本书旨在深入剖析当代影视作品的叙事结构、视觉语言的构建以及导演在创作过程中的核心作用。它并非一部简单的技术手册，而是侧重于理论与实践相结合的深度探讨，旨在帮助有志于电影、电视剧、纪录片乃至实验影像创作的同行和学习者，建立起系统、成熟的导演思维框架。 全书分为四个主要部分，层层递进，从宏观的剧本分析到微观的镜头语言设计，力求覆盖导演工作流的各个关键环节。 第一部分：剧本的深度解构与文本转化 本部分着重于导演视角下的剧本阅读与理解。剧本是影像的蓝图，但剧本的文字描述与最终呈现的银幕形象之间，存在着巨大的转化空间。我们将探讨如何识别剧本中的潜台词、人物动机的深层结构，以及场景之间的内在逻辑关联。 结构分析与节奏把控： 剖析经典三幕剧、英雄之旅等叙事模式的内在机制，并探讨非线性叙事在现代电影中的应用及其对观众心理的影响。我们将分析如何通过场景的剪辑点、对话的密度来精准控制影片的节奏，避免平庸或失衡。 人物弧光与关系网构建： 详细阐述如何从剧本中提炼出角色的核心冲突与成长轨迹。重点讨论群像戏中人物关系网的构建，以及如何通过视觉化的方式（如构图、运动）来暗示角色间的权力关系与情感纠葛。 文学性到影像化的桥梁： 探讨如何将剧本中的抽象概念、内心独白转化为可被观众感知的视觉元素。这包括对环境、道具、服装等美术元素的“符号学”解读，以及如何运用蒙太奇理论来创造出超越文字表述的意义层次。 第二部分：视觉语言的构建与镜头美学 视觉语言是导演的“母语”。本部分将聚焦于如何运用摄影机、光线和空间来讲述故事，赋予画面以情感张力与形式美感。 光影的叙事功能： 深入研究不同布光方式（如伦勃朗光、蝴蝶光、伦纳德光）在特定情境下对人物心理状态的烘托作用。讨论高调、低调处理如何服务于影片的整体情绪基调，并分析自然光与人工光的哲学意义。 构图的心理学基础： 探讨黄金分割、三分法等经典构图法则的运用，更重要的是，分析如何通过打破规则来制造视觉上的不适感或强调特定焦点。重点分析水平线、垂直线在画面中营造的稳定感或动荡感。 摄影机运动的语法： 详细分类讨论固定镜头、推拉摇移、斯坦尼康运动、虚拟运动等不同摄影机运动方式的叙事意图。例如，持续的跟拍如何加强沉浸感，而突然的跳切（Jump Cut）又如何服务于对时间的压缩或情绪的爆发。 景深与焦点的运用： 剖析大景深（清晰展示前景与背景）与浅景深（突出主体，模糊环境）在信息密度控制和观众注意力引导上的差异化效果。 第三部分：场面调度与演员的协作艺术 场面调度（Mise-en-scène）是导演对“画面内发生的一切”的绝对掌控，它涵盖了所有元素在银幕上的排列与运动。本部分强调导演作为“现场指挥官”的角色。 空间设计与调度逻辑： 如何根据剧本要求，将人物、道具、摄影机安置在最有效的位置。讨论封闭空间与开放空间对表演和叙事节奏的影响。分析如何利用走位（Blocking）来引导观众视线，并揭示人物在空间中的权力关系。 与演员的沟通与激发： 本章重点探讨导演的“软技能”。如何建立信任关系以获得演员最真实的情感反馈？我们将介绍几种主要的表演引导方法，如方法派的启示、即兴练习的应用，以及如何精准地向演员传达“非语言”的表演要求。 复杂场面的管理： 针对动作场面、群戏调度、天气限制下的拍摄等高难度场景，提供组织、预演和风险评估的实践经验。强调在保证安全和效率的同时，如何保持艺术追求不被牺牲。 第四部分：后期制作的导演意志延续 后期制作并非仅仅是技术修补，它是导演对整个作品进行最后一次、也是最重要的一次“重构”。 剪辑的节奏与情绪控制： 深入探讨各种剪辑技巧（如交叉剪辑、匹配剪辑、跳切）如何服务于叙事目的。分析导演如何在剪辑室中发现或重塑剧本中未曾设想到的新意义。 声音设计的层次： 声音往往被低估，但它是构建电影世界观的关键。本部分将讲解对话、环境音、音效与音乐之间的相互作用。探讨如何通过“负空间”的声音处理来营造紧张感，以及背景音乐（Score）如何与画面形成对比或加强统一。 调色与最终定调： 调色是赋予影像最终情感色彩的关键步骤。分析不同的色彩风格（冷峻的蓝调、温暖的黄调等）如何固化影片的风格，并确保视觉效果在不同媒介播放时的一致性。 本书的最终目标是培养一种“导演的整体观”——即如何将剧本分析、视觉设计、现场执行和后期精修无缝整合，形成一个统一、有力且具有个人风格的表达体系。它适合对电影创作抱有严肃态度的学习者、独立电影制作人，以及所有希望提升自身叙事与视觉表达能力的创作者阅读。

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我抱着一种学习新技能的心态来阅读这本书的，结果却发现它远远超出了我的预期。它不仅仅是一本关于“如何制作”的教程，更像是一本关于“如何思考”的指南。书中并没有直接给出“套路”，而是鼓励读者去观察生活，去理解人体的运动和情感的表达。我印象深刻的是关于“情绪渲染”的章节，作者通过分析不同动画角色的微表情和肢体动作，教会我们如何通过细微的变化来传达角色的喜怒哀乐，以及如何利用光影、色彩等元素来烘托气氛。还有关于“故事板”的创作，书中详细介绍了如何从文字剧本转化成视觉化的故事板，以及如何通过故事板来预演动画的流程和节奏。这本书让我意识到，好的二维动画不仅仅是技术上的精湛，更重要的是它背后所蕴含的创意和情感。我开始重新审视我以往的作品，发现了很多可以改进的地方，也萌生了许多新的创作灵感。

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这本书对于想要深入理解动画原理的同学来说，绝对是必读之选。它没有落入俗套，没有仅仅停留在软件的教学，而是将理论与实践完美地结合。我最欣赏的地方是，作者在讲解每一个动画原理时，都会引用大量不同风格的动画片段作为案例，这让我能够更直观地理解抽象的理论概念。例如，在讲解“反作用力”时，作者不仅解释了原理，还展示了如何在不同角色的动作中体现出来，无论是人物跳跃落地时膝盖的弯曲，还是角色挥动手臂时身体的晃动，都蕴含着这个基本原理。此外，书中关于“场景设计”的探讨也让我眼前一亮，它不仅仅是画好看的背景，更是如何通过场景来烘托角色，推动剧情，甚至表达角色的内心世界。这本书让我对二维动画的理解进入了一个全新的层次，感觉自己以前看的动画片都“活”起来了。

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这本书的内容，我只能说，太硬核了！对于我这种已经接触过一些动画制作软件，但总感觉缺乏系统性理论支撑的人来说，简直是及时雨。它没有过多地纠结于某个特定软件的操作细节，而是将重点放在了动画设计的普适性原则上。我尤其喜欢它对“角色表演”的深入剖析，它不仅仅是在讨论肢体动作，更是从眼神、面部表情、肢体语言等多个维度，教你如何赋予角色生命力，让观众能够感同身受。书中关于“镜头语言”的讲解也让我受益匪浅，如何通过画面的构图、景别、运镜来引导观众的视线，增强故事的张力，这些都是我之前忽略了但又至关重要的环节。还有关于“叙事节奏”的处理，书中列举了许多经典的动画片段，分析了它们是如何通过画面和声音的配合，在有限的时间内传达丰富的信息和情感。读完这本书，我感觉自己不再是那个只会“搬砖”的制作人员，而是能够从更高的层面去思考动画的艺术性和观赏性。

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这本书简直让我大开眼界！我一直以为二维动画制作离我遥不可及，充其量就是画几张图然后让它们动起来。但这本书彻底颠覆了我的认知。它不仅仅是教你怎么用软件，更重要的是它深入浅出地讲解了动画的灵魂——运动规律。从最基础的“挤压与拉伸”到复杂的“跟随与 الثانو”等原理，书中都用大量的实例和图示进行了详尽的阐述。我印象最深的是关于“预判”的章节，作者用生动的比喻解释了为什么角色在扔球之前会有蓄力的动作，以及这个动作如何影响观众对力度和意图的感知。还有关于“时间与空间”的运用，书中解释了如何通过调整关键帧的间隔和动画的轨迹来表现角色的情绪和速度感。我甚至开始尝试自己画一些简单的骨骼动画，尽管离专业人士还差很远，但那种将静态线条赋予生命的感觉，真的非常奇妙。这本书真的就像一位经验丰富的导师，循循善诱，让我从一个完全的门外汉，逐渐看到了二维动画制作的乐趣和深度。我迫不及待地想去实践书中学到的每一个技巧，希望能早日做出属于自己的小动画。

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我是一位对动画充满好奇心的普通读者，平时只是喜欢看看动画片。这本书真的让我大开眼界！它没有那些艰深晦涩的专业术语，而是用一种非常亲切易懂的方式，一点点地揭示了动画制作的奥秘。我从来没有想过，原来一个简单的跑步动作，背后竟然有这么多的讲究。书中关于“重力感”的阐述，让我明白了为什么有些动画看起来轻飘飘，而有些则显得厚重有力。还有关于“角色个性”的塑造，作者分享了如何通过角色的行走姿态、说话的语气、甚至是闲时的习惯动作，来刻画出独一无二的角色形象，这让我觉得动画角色不再只是纸片人，而是有血有肉的生命。这本书还让我了解到，原来即使是简单的线条，也可以传达出丰富的情感。我甚至尝试着自己画一些小小的动态表情，虽然稚嫩，但看着它们在我笔下“动”起来，那种成就感是无与伦比的。这本书让我对动画有了更深层次的欣赏，也让我看到了普通人也可以触及的创作乐趣。

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