木管五重奏中国曲选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中央音乐学院

作者:王永新

出品人:

页数:204

译者:

出版时间:2007-4

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787810961998

丛书系列:

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• 木管五重奏
• 中国音乐
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弦歌流光：二十世纪西方室内乐的转型与革新 内容简介 本书深入剖析了二十世纪以来西方室内乐，特别是弦乐四重奏和钢琴五重奏等经典体裁，所经历的深刻变革与艺术探索。全书聚焦于这一时期作曲家们如何突破传统功能和声的束缚，运用全新的音响语言、节奏结构和织体设计，重塑了室内乐这一古老而灵活的体裁，使其成为承载现代主义乃至后现代主义思想的载体。 第一部分：传统的瓦解与现代的萌芽（1900-1930） 本部分首先回顾了十九世纪晚期勃拉姆斯、德彪西等大师对既有室内乐范式的最后冲刺。随后，重点探讨了德彪西和拉威尔对色彩和声的运用，如何为二十世纪的自由调性开启了大门。我们详细分析了勋伯格早期作品中对晚期浪漫主义的继承，以及其在《六首小品，作品9》中对“自由无调性”的首次系统性尝试。 这一时期的核心议题在于如何处理传统对位法在新的和声语境下的失效。我们通过对斯特拉文斯基早期室内乐（如《三首小品》）的分析，展示了如何用原始的节奏动力和剥离情感的音色来构建音乐结构。巴托克在匈牙利民族音乐的田野调查中汲取的灵感，如何体现在其弦乐四重奏初期作品中对“林地音乐”和非西方音阶的融合，为后来的民族主义室内乐提供了新的范本。这一阶段的室内乐，不再是沙龙中的精致点缀，而是思想交锋的前沿阵地。 第二部分：结构主义与新客观主义的洗礼（1930-1950） 随着两次世界大战的阴影笼罩欧洲，音乐审美转向了对清晰性、逻辑性和反浪漫主义的追求。第二部分聚焦于“新客观主义”（Neue Sachlichkeit）对室内乐的影响。 第二维也纳学派的十二音体系（Dodecaphony）的成熟，是理解这一时期室内乐的关键。我们详细考察了韦伯恩的室内乐作品，特别是他如何将序列手法应用到对音高、音色、力度和时值的四重控制上，创造出晶莹剔透、极度密集的微观结构。韦伯恩的室内乐常被形容为“雕塑般”的音乐，其片段化的、非连续性的特征，彻底颠覆了传统乐章的有机发展观。 与此同时，肖斯塔科维奇的室内乐作品，特别是其弦乐四重奏，成为了对极权主义压迫下个人精神困境的隐秘记录。通过分析其对位线的张力、潜藏的讽刺与引用，我们探讨了在审查制度下，室内乐如何成为作曲家进行私人对话的最后堡垒。 第三部分：空间、电子与概率的探索（1950-1970） 五十年代中期，室内乐迎来了前所未有的技术革命。本部分将重点放在了对传统演奏技法和乐器音色的极限探索上。 1. 拓展演奏技法（Extended Techniques）：作曲家开始要求演奏者使用非常规的技巧，如弓杆敲击琴身、泛音的复杂组合、喉音演唱等。这些“噪音”或“非常态音响”的引入，模糊了传统乐器与纯粹声音之间的界限。卢西亚诺·贝里奥的《序列IV》以及克赛基斯的早期作品是这一趋势的代表。 2. 不确定性与概率音乐：受到美国实验音乐的影响，约翰·凯奇的室内乐实践带来了颠覆性的影响。我们分析了《十四》（Fourteen）或《空隙》（Vacant Spaces）这类作品中，乐谱作为“指令集”而非固定文本的性质。演奏者被赋予了选择音高、时值和乐章顺序的自由，这使得每一次演出的“室内乐”都是独一无二的现场艺术品。 3. 电子媒介的渗透：早期电子音乐技术开始与传统室内乐器结合。本章探讨了早期磁带与现场演奏相结合的作品，分析了作曲家如何处理声音的“真实性”与“加工性”之间的互动关系，为后来的电子室内乐发展奠定了基础。 第四部分：后现代的回归与多元化的声音景观（1970至今） 进入七十年代，对现代主义激进实验的反思催生了多元化的室内乐风格。 1. 新浪漫主义与回归叙事性：一部分作曲家开始重新拥抱旋律、调性色彩和更具连贯性的结构，但这不再是对古典传统的简单模仿，而是经过现代主义过滤后的重新提炼。我们分析了格拉斯和里奇蒂等简约主义（Minimalism）作曲家如何通过重复和细微变化构建出新的、类似过程的音乐体验。 2. 复调性与“新复调主义”（New Polyphony）：针对序列主义过度注重水平结构的弊端，作曲家们重新关注声部的垂直交织与多重叙事。例如，卢塔斯瓦夫斯基的“受控机会”理论，如何在保持作曲家控制的同时，允许演奏者在预设的框架内即兴互动，形成了复杂而生动的复调织体。 3. 跨文化对话：全球化背景下，西方室内乐开始吸收来自非西方音乐传统的影响，特别是在节奏复杂性、调式选择和乐器组合上，呈现出更加开放和包容的态势。 结语：室内乐的永恒空间 本书最后总结了二十世纪室内乐对“对话性”的重新定义——它不再是和谐的共识，而是张力、冲突、不确定性和多重声音的并置。这种体裁在面对技术爆炸和文化断裂时所展现出的惊人适应力和创造力，保证了它在当代音乐语境中依然保持着其作为小型、高密度、高强度艺术交流媒介的活力。本书旨在为研究者和演奏者提供一个清晰的脉络，理解这些伟大的室内作品是如何在动荡的时代中，塑造了我们今日的听觉世界。

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我必须强调一下这本书在乐曲选择和改编上的独到眼光。它巧妙地避开了那些已经被改编得烂熟的曲目，而是挖掘了一些可能被主流重奏团忽略，但音乐性极强的作品。这对于我们这些致力于拓展曲库的乐手来说，简直是雪中送炭。改编的质量高到令人发指，看得出编者是真正懂得五重奏“化学反应”的。很多段落，比如那些模仿传统丝竹乐器或地方戏曲的段落，处理得既保留了原曲的神韵，又完美地融入了西式木管乐器的语汇体系，这种跨文化的融合处理得丝毫不显突兀。比如，某首模仿江南丝竹的乐章中，长笛的那一段华彩，那种轻快而不失韵味的转音，简直让人拍案叫绝——它模仿的不是笛子本身，而是笛子在那个特定语境下的“意境”。这种对“神似”而非“形似”的追求，是区分普通改编与大师手笔的关键所在。这本书的出现，无疑为木管五重奏的曲目单注入了一股新鲜而深沉的力量。

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这本乐谱集简直是管乐爱好者的福音，尤其是对于那些痴迷于木管乐器独特音色和丰富表现力的演奏者来说。光是翻开它，就能感受到那种扑面而来的专业气息。装帧设计非常考究，纸张的质量上乘，即便是经常翻阅和在演出场合使用，也不会轻易磨损。更让人惊喜的是，编曲的细腻程度。很多我们熟悉的传统曲目，经过木管五重奏这种“精致”的编制重新演绎后，焕发出了全新的生命力。比如，对于一些原本气势磅礴的旋律，在这里被拆解、重构，用长笛的灵动、双簧管的醇厚、单簧管的圆润、大管的低沉以及巴松的诙谐巧妙地交织在一起，形成了极富层次感的对话。我特别欣赏编者在处理那些需要快速交替、技巧展示的部分时，所展现出的对五种乐器音域和特性的深刻理解——每一声部既独立又和谐，没有哪一种乐器显得多余或被弱化。对于中高级别的演奏者而言，这里面的挑战与乐趣并存，它不仅仅是提供了一套演奏的蓝图，更像是一份深入理解木管室内乐精髓的教科书。每一次排练，都像是在进行一次精密的声学实验，探索如何用五把不同的“嗓子”唱出同一个故事，那种协作的成就感是无可替代的。

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说实话，刚拿到这本乐谱时，我有点犹豫，因为我习惯了看那种信息量爆炸、配有大量演奏提示和历史背景的曲集。然而，这本《木管五重奏中国曲选》却反其道而行之，它选择了一种近乎“纯粹”的方式呈现。这种做法的妙处在于，它极大地解放了演奏者的主观能动性。它没有将一切都“喂”到你嘴边，而是留下了广阔的诠释空间。乐谱的排版清晰到令人赞叹，符号标注极简但精准，你几乎不需要费力去辨认那些复杂的指法或力度记号，目光可以完全聚焦在音符本身以及它们之间的内在联系上。我尝试着在练习中加入了自己对“气”的理解，尤其是对呼吸控制的运用，发现那些原本看似平淡的连接句，瞬间变得流动起来，充满了东方美学中那种“绵延不绝”的韵味。这种对演奏自由度的尊重，非常适合那些已经有一定基础，渴望在传统曲目中寻找个人印记的音乐家。它不只是让你学会“怎么弹”，更是激发你思考“为什么这么弹”。这种克制而有力的信息传递方式，本身就是一种高雅的艺术表达。

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作为一个业余爱好者，我最欣赏的是这本书在学习曲目难度梯度上的设计。虽然整体水准偏高，但它似乎是经过精心策划的，由易入难，让学习者有一个循序渐进的过程来适应五重奏的复杂性。例如，开篇的几首曲目，更多侧重于声部的平衡与和声的清晰度，对个人技巧的要求相对友好，能帮助团队迅速建立起“五个人听一个人”的基本默契。而越往后，对对位法的运用、快速的节奏型变换以及对休止符的处理要求就越来越高，这对锻炼团队的整体反应速度和对音乐结构的把握能力是极大的挑战。这种由浅入深的编排，意味着它不只是为顶尖乐团准备的“炫技集”，更是为普通高校乐团或业余室内乐小组量身定制的“成长阶梯”。每一次攻克一首曲子，团队的凝聚力和演奏水平都会有一个质的飞跃。这本书不是一个终点，而是一段漫长而充实的音乐旅程的起点。

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从收藏价值的角度来看，这套乐谱的装帧和细节处理也值得一提。它不像那种批量生产、用完即弃的简易印刷品。封面材质的选择，内页的装订方式，甚至是字体和留白的比例，都透露出一种对音乐文本的敬畏感。我将它放在书架上，它本身就是一件具有现代感的艺术品。更重要的是，作为一本专注于中国曲目的选集，它在对西方五重奏这种体裁的介绍与结合上做得非常平衡。它没有为了迎合而刻意“西方化”中国音乐，也没有为了“民族化”而牺牲木管乐器的演奏特性。它成功地找到了一个优雅的交汇点，使得每一个音符既能被西方的乐器完美发出，又能承载起东方特有的情感重量。对于那些希望在国际舞台上展示具有鲜明中国特色的室内乐团来说，这本选集提供了一个可以直接拿上台面、并且在专业领域内具备高度认可度的标准范本。它的价值，远超出了纸张和油墨的成本。

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