昆曲精编教材300种（第5卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:上海百家

作者:顾兆琳

出品人:

页数:321

译者:

出版时间:2007-01-01

价格:120.00元

装帧:平装

isbn号码:9787807036654

丛书系列:昆曲精编教材300种

图书标签:

• 诗词曲赋
• 昆曲
• 戏曲
• 传统戏曲
• 戏曲教材
• 表演
• 艺术
• 文化
• 戏曲理论
• 中国戏曲
• 教材

《昆曲声腔流变与剧目鉴赏》 —— 一部深入探究昆曲艺术本体与历史脉络的权威专著 图书简介 本书并非对某套特定教材的选目汇编或整理，而是聚焦于昆曲艺术本身最为核心且富于变化的两个面向：声腔的生成、演变及其艺术特征，以及代表性剧目的深度文本解析与美学阐释。本书旨在为昆曲研究者、专业戏曲工作者以及对传统戏曲艺术怀有浓厚兴趣的求知者，提供一个结构严谨、论证扎实的学术平台，以期超越对单一剧目或声腔片段的表面欣赏，直抵昆曲艺术的审美内核与历史纵深。 全书分为上、中、下三大部分，逻辑递进，层层深入。 --- 第一部分：昆曲声腔的生成、分化与艺术定型 本部分立足于历史文献与音乐学分析，系统梳理了昆腔自元末明初诞生、成熟直至清中叶遭遇挑战的整个声腔发展历程。我们摒弃了将昆曲视为一成不变“雅部”的传统观点，转而关注其内部的活力与变化。 第一章：雅部之源——元末南曲的音乐土壤 详细考察了昆曲声腔的母体——南曲的音乐结构与北方杂剧的碰撞。重点分析了以《琵琶记》为代表的早期昆腔在音乐组织、板式运用（如散板、慢板、散中板的过渡与区别）上，如何区别于元曲的“一曲一宫调”模式。探讨了早期昆腔的旋律骨架如何奠基于民间小曲和雅乐的交汇之处，以及南戏的影响力。 第二章：嘉靖、万历之际的声腔完善与流派初现 集中探讨了以梁伯龙、沈璟为代表的声腔“订制”工作。不同于后世的刻板化，这一时期的昆腔仍在寻求最适合人声表达的音高与腔调组合。我们引入了对“尺调”、“飞弦”、“乙字调”等关键声腔调式的细致描摹，并首次尝试用现代记谱法对若干关键曲牌（如【皂罗袍】、【叨叨令】）的“正宗”与“变体”进行对比分析，揭示其内在的音韵逻辑。 第三章：清初“昆弋相和”的张力与整合 本书的重要创新点在于对清代早期昆弋交融现象的深入剖析。昆曲在与弋阳腔（特别是江右派）激烈竞争的过程中，并非单纯的胜利者，而是在声腔的润饰、速度的控制、以及“水磨腔”的深化上吸收了外部的张力。通过对比分析《牡丹亭》与《长生殿》中相同曲牌在不同时期演唱风格的细微差异（尤其体现在行腔的迂回度和装饰音的使用密度上），展示了昆腔在保持典雅基调下的适应性。 第四章：昆曲声腔的“程式化”与美学特征 结合作者对现代昆曲传承人唱腔的田野调查，本章探讨了“水磨腔”究竟是如何从一种演唱技法演变为一种美学范式。分析了其对气息的极限要求、对“四声”的精微处理（尤其在唇、舌、齿、颚的配合上），以及如何通过“颤音”、“滑腔”等技巧，实现文本意义与音乐情感的完美契合。 --- 第二部分：昆曲经典剧目结构、主题与文本解读 本部分跳出单纯的“唱做念打”分析框架，着重于对数部奠定昆曲艺术高度的代表性剧目进行宏观的结构分析与深层的主题挖掘。 第五章：《牡丹亭》：生死之恋的哲学思辨与空间构建 本书认为《牡丹亭》的伟大不在于其爱情故事的通俗性，而在于其对“情”这一本体论命题的哲学探讨，以及在舞台空间上实现的“梦境”与“现实”的辩证统一。重点解析“游园”一折中，杜丽娘的唱腔如何从初春的懵懂，过渡到对生命觉醒的迫切；并对比分析了“闹谢”与“冥判”两处结构，揭示汤显祖如何运用昆曲的板式变化来烘托情绪的爆发点与转折点。 第六章：《长生殿》：历史叙事下的个体悲剧与政治隐喻 对比《牡丹亭》的浪漫主义，《长生殿》则展现了昆曲驾驭宏大历史叙事的能力。本章侧重分析了“埋玉”和“献酒”两场，如何通过极度凝练的唱词和写意的表演，表现杨贵妃和唐明皇跨越生死的忏悔与思念。探讨了洪昇如何利用昆曲的程式化表演，巧妙地规避了对历史事件的直白叙述，转而聚焦于人物的内心律动。 第七章：传奇的边缘与突破：《邯郸记》与《紫钗记》的叙事野心 本部分转向对“四大传奇”中相对少受关注，但艺术成就极高的剧目进行深入剖析。重点分析了《邯郸记》中“卢生悟道”一折的结构复杂性，以及昆曲如何处理这种“仙凡转换”的剧场难度。对《紫钗记》则聚焦于“拾钗”和“剑合”中的“疑”、“怨”、“盼”三种情绪在不同曲牌间的交织表达。 --- 第三部分：昆曲的传播、接受与当代生命力 本部分关注昆曲在历史进程中的流变，以及在现代语境下如何保持其艺术的纯粹性与生命力。 第八章：清代中后期昆曲的地域性分化与审美趣味的转移 考察了在乾隆、嘉庆年间，随着京剧等新兴剧种的兴起，昆曲在不同地域（如徽州、江浙沪）如何发展出不同的“雅化”或“俗化”倾向。讨论了“花部”对“雅部”声腔规范的挑战，以及这种挑战如何反过来促使“官学”昆曲在剧目选择和演唱规范上更加趋于保守和严谨。 第九章：对“复古”与“革新”的审视：二十世纪昆曲的几次关键转向 细致梳理了上世纪初以来，以俞振飞、梅兰芳等艺术大师为代表的昆曲改革实践，分析了他们如何在保持昆曲声腔美学的基础上，对剧目结构、舞台调度进行符合时代审美的调整。这并非简单的“简化”，而是在尊重前人精髓的前提下，进行适应性重构的努力。 第十章：当代昆曲的审美困境与未来路径 基于对当代舞台实践的观察，本章探讨了在缺乏完整“班底”传承的背景下，当代昆曲面临的演员训练、剧目挖掘与观众教育等现实问题。本书强调，昆曲的未来不在于盲目复刻历史版本，而在于深入理解其声腔的内在规律，并以此为基础，在新一代创作者的实践中激活其永恒的艺术价值。 结语：声与境的永恒对话 全书最后总结了昆曲声腔艺术的不可替代性——它是一种依赖于严格训练、高度程式化的身体语言，是文本、音乐、哲学思想的完美结合体。 本书特色： 学术严谨性： 引用了大量明清档案、戏曲志及未刊乐谱片段进行交叉验证。 多维视角： 融合了音乐学、美学、文献学和舞台实践观察。 拒绝泛泛而谈： 对关键曲牌和经典剧目进行了细致的“切片”分析，而非简单的罗列。 本书为致力于深入理解中国古典戏曲最高成就的读者，提供了不可或缺的理论工具与鉴赏指南。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我深刻体会到了作者对于昆曲艺术那种炽热的爱与传承的责任感。行文之间，那种对演员精湛技艺的赞叹、对剧作家深刻思想的洞察，都字里行间地流露出来，极具感染力。它不是冷冰冰的理论堆砌，而是充满了温度和情感的引导。读着读着，你会不由自主地被带入那个婉转悠扬的艺术世界中去，对舞台上每一个眼神、每一个手势背后的深意产生共鸣。这本书成功地搭建了一座沟通古老艺术与现代读者的桥梁，让人在学习知识的同时，更获得了精神上的滋养。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计简直是一场视觉的盛宴，光是翻阅的过程就充满了享受。从封面到内页的字体选择，都透露出一种典雅和精致，让人爱不释手。装帧的质感也非常好，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是用心之作。尤其是一些插图和图版的处理，细腻得令人惊叹，那些繁复的刺绣、华丽的戏服，甚至是舞台布景的细节，都跃然纸上，仿佛能让人闻到那股古老的香气。每一次翻开它，都像走进了一个精致的艺术殿堂，让人忍不住想要细细品味每一个细节。对于一个热爱传统艺术的读者来说，这样的实体书体验是无可替代的，它不仅仅是一本教材，更像是一件值得珍藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑非常清晰，结构严谨，对于初学者来说简直是福音。它没有采用那种枯燥的、流水账式的介绍，而是将复杂的昆曲元素巧妙地分块讲解，循序渐进。从基础的唱腔、身段，到具体的剧目分析，每一步都有详实的案例和直观的图示辅助理解。我特别欣赏它在解释那些抽象的表演概念时，所采用的生动比喻和深入浅出的文字，让原本高深莫测的“做功”和“水袖”变得触手可及。这种教学方式极大地降低了学习门槛，让更多有志于深入了解昆曲的朋友能够轻松入门，并且能够持续深入地探索下去。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的学术严谨性令人印象深刻。它显然是倾注了大量心血进行研究和考证的。在涉及到某些历史背景或经典版本差异的讨论时，作者展现出了深厚的学养和批判性的眼光。它不仅仅是简单地罗列知识点，更是在引导读者思考昆曲艺术在历史长河中是如何演变和传承的。这种对细节的执着和对传统的敬畏，使得这本书的权威性毋庸置疑。对于已经有一定基础的戏迷或者研究者来说，其中引用的那些独到的见解和未曾广泛流传的资料，无疑具有极高的参考价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性也超乎我的预期。除了理论讲解外，它似乎还贴心地考虑到了实际的运用需求。比如，在某些关键的唱段解析部分，它不仅仅是提供了文本，似乎还巧妙地暗示了其在表演时的节奏和韵味把握，这对我们这些试图模仿和学习的人来说，简直是雪中送炭。而且，它所选取的范例和曲目都极具代表性，覆盖面广而不失深度，确保了读者能够接触到最精华的部分。总的来说，这是一本集知识性、艺术性和可操作性于一身的优秀读物，对于任何想真正走进昆曲世界的人来说，都是一份不可或缺的指南。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆