音乐二十讲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:天津人民出版社

作者:贾晓伟

出品人:

页数:354

译者:

出版时间:2008

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787201057088

丛书系列:大家西学

图书标签:

• 音乐
• 艺术
• 人文
• 音乐史
• 大家西学丛书
• 文化
• 音乐书籍
• 古典音乐
• 音乐
• 入门
• 知识
• 经典
• 赏析
• 文化
• 艺术
• 历史
• 创作
• 演奏

《声之轨迹：古典音乐的叙事与结构》 一、引言：拨开迷雾，触及本真 在浩瀚的音乐史长河中，古典音乐犹如一座宏伟的迷宫，既有令人目眩的技巧展示，也有直抵灵魂深处的哲学探讨。本书《声之轨迹：古典音乐的叙事与结构》，并非旨在提供一份枯燥的作曲家或作品目录，而是致力于构建一座桥梁，连接听者与音乐作品深层的逻辑与情感结构。我们相信，真正的欣赏并非停留在旋律的表层波动，而在于理解声音如何在时间的维度中被组织、雕刻、赋予意义。 本书的写作视角，立足于“结构即意义”的核心理念。我们将深入剖析从巴洛克时期到二十世纪初，欧洲古典音乐中最为核心的几种结构模式——无论是宏大的奏鸣曲式，精巧的回旋曲，还是复杂的多乐章套曲——以及作曲家如何利用这些框架，讲述他们的“声音故事”。我们力求以清晰、富有洞察力的语言，揭示那些隐藏在乐谱背后的“建筑蓝图”，让听众在聆听时，不仅能感受到音乐的情绪起伏，更能洞察其内在的逻辑推演。 二、巴洛克之基石：对位法的严谨与装饰的生命力 本书的第一个重要部分将聚焦于巴洛克时代（约1600-1750年）。这一时期的音乐，是西方音乐史上“秩序与情感”完美结合的典范。 我们将首先解析复调音乐（Polyphony）的精髓。重点不在于简单介绍“对位法”这一术语，而是深入探究巴赫如何运用卡农（Canon）和赋格（Fugue），将独立声部编织成一个既统一又充满张力的整体。例如，我们将详细拆解巴赫《平均律钢琴曲集》中的若干赋格，分析其主题（Subject）如何铺陈、如何展开（Episodes）、以及关键的入口（Entries）如何构建出清晰的逻辑链条。这种结构，更像是一种严密的数学证明，其美感来源于逻辑的无可辩驳。 其次，我们将探讨协奏曲的早期形态，特别是维瓦尔第的快-慢-快三乐章结构，以及大协奏曲（Concerto Grosso）中“合奏团（Tutti）”与“独奏群（Concertino）”之间的戏剧性对话。这里的叙事，是通过音色和音量的对比来完成的，而非依赖于后世浪漫主义的个人英雄主义表达。 三、古典主义的黄金比例：奏鸣曲式的逻辑与平衡 进入十八世纪中后期，古典主义风格以其对清晰、平衡与匀称的追求，将音乐结构推向了新的高峰。本书将用相当篇幅来解读奏鸣曲式（Sonata Form），将其视为古典主义的哲学体现。 奏鸣曲式并非一套死板的规则，而是一场结构性的“辩论”。我们将细致地描摹其三个核心阶段： 1. 呈示部（Exposition）： 确立两个性格迥异的主题（主调与副调），如同引入了两个相互对立的角色或观点。 2. 展开部（Development）： 这是结构的核心“冲突区”。我们将分析作曲家如何打碎、重组、转调，将呈示部的主题材料进行深度的心理和技术分析，制造紧张感。 3. 再现部（Recapitulation）： 冲突的解决。所有主题回归，但关键在于副部主题最终与主部保持在同一调性上，象征着和谐的最终建立。 通过对莫扎特、海顿乃至贝多芬早期作品的分析，我们将展示，这种结构如何完美地服务于情感的逻辑推进，而非仅仅是曲调的堆砌。 四、浪漫主义的扩张与内省：打破形式的边界 进入十九世纪，音乐的重心开始从外部的结构对称转向内在的情感深度与个人体验。这一时期的作品往往在古典主义的框架下寻求突破，或干脆彻底解放。 我们将考察交响诗（Symphonic Poem）的兴起，这标志着“标题音乐”（Program Music）的胜利。音乐不再仅仅关于音高和节奏，它开始描述文学、绘画或哲学理念。例如，如何通过乐器的配器、和声的色彩变化以及速度的骤停，来描绘一场史诗般的场景或一次深刻的心理挣扎。 同时，我们也要研究小型器乐曲的爆发，如肖邦的夜曲、圆舞曲和叙事曲。这些作品结构更为自由，它们更像是“声音日记”或“情绪速写”，其叙事依赖于即兴感和织体（Texture）的精细打磨，而非宏大的乐章对比。我们将重点分析奏鸣曲式在浪漫主义时期如何被“柔化”——主题的抒情性被加强，而展开部的结构性冲突可能被情感的洪流所淹没。 五、和声的革命：色彩与功能的变化 结构固然重要，但定义不同时代音乐“感觉”的，往往是和声语言。本书不会沉溺于复杂的理论推导，而是着重于和声功能在叙事中的作用。 从巴洛克时期清晰的功能和声（主、属、下属的稳定关系），到古典主义的精细调性控制，再到浪漫主义晚期（如瓦格纳、布鲁塞尔）对半音和声的过度使用，每一步都代表着作曲家对“稳定”与“不稳定”的认知变化。半音的增多，意味着调性的“模糊化”，这直接对应着叙事中不确定性、渴望和宿命感的增强。本书将通过具体的和弦进行分析，展示这种声音色彩如何直接作用于听者的心理预期。 六、尾声：聆听的重建 《声之轨迹》的最终目标，是培养一种“主动的聆听”习惯。我们希望读者在未来面对任何一部古典音乐作品时，不再是单纯地被动接受声音的流动，而是能够识别出声音中的“骨架”。理解了结构，便能更好地把握作曲家的意图，体会到音乐在有限的音高和时间范围内所能达到的无限的表达深度。这趟旅程，是关于理解声音如何被塑造成永恒的艺术形式。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

与其叫《音乐二十讲》，不如叫《西方音乐家二十讲》，编者收录了一些作曲家的书信、评论，以及思想家、传记作者、音乐研究者、音乐演奏家写的述评。主要是作曲家的生平和思想层面的东西，对作品的曲式分析不多。内容比较枯燥，不及肖复兴的《音乐欣赏十五讲》有趣。蒙特威尔第...  

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐的结构和形式感到好奇，而《音乐二十讲》恰恰满足了我这份求知欲，而且是以一种极其系统却又不失趣味的方式。作者并没有枯燥地堆砌乐理知识，而是将复杂的音乐形式，如奏鸣曲式、赋格、回旋曲等，用清晰的逻辑和生动的比喻一一拆解。例如，在讲解奏鸣曲式时，他将第一主题比作一次出色的开场白，第二主题则像是一位性格迥异但同样迷人的访客，而展开部则是两人之间充满戏剧性的互动，最后再现部则是在经历一番波折后，双方理解与融合的和谐结局。这种“讲故事”般的叙述方式，让我这个对音乐理论感到畏惧的人，也能够轻松理解那些看似复杂的结构。更重要的是，作者在讲解这些形式时，总是紧密结合具体的音乐作品，让我能够一边阅读一边对照着去听，从而深刻体会到形式如何服务于内容，如何塑造音乐的情感表达。我开始能够区分不同作品在结构上的差异，并欣赏到作曲家在形式上的巧妙运用。这种理解上的突破，极大地提升了我欣赏音乐的层次和深度，让我不再是泛泛地听，而是能够更具象地去感受音乐的脉络和发展，这种对音乐“骨架”的清晰认知，让我对音乐的整体把握有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

《音乐二十讲》的阅读体验，可以用“沉浸式”来形容。作者的文字极具感染力，仿佛拥有一种将抽象概念转化为具象感受的魔力。他对于音乐史上各个重要时期的描绘，不仅仅是信息的罗列，更是情感的传达。当我读到关于浪漫主义时期音乐的描写时，我仿佛能感受到那种澎湃的激情、澎湃的爱恋，以及对自由的无限向往。当读到印象派音乐时，我则能感受到那种朦胧、朦胧的美感，仿佛置身于一片充满色彩和光影的梦境之中。更重要的是，作者在讲解过程中，总是能够巧妙地将音乐与听者的个人情感联系起来。他会引导你去思考，这些音乐是如何触动你的内心，是如何唤醒你沉睡已久的情感的。这种“共情式”的引导，让我在阅读过程中，不仅仅是在学习知识，更是在进行一次深刻的自我探索。我开始反思自己与音乐的关系，思考音乐是如何影响我的情绪，是如何丰富我的内心世界的。这种由内而外的触动，让我觉得《音乐二十讲》不仅仅是一本书，更像是一位良师益友，它在引导我欣赏音乐的同时，也在引导我更好地认识自己，认识生活。

评分☆☆☆☆☆

《音乐二十讲》带给我的震撼，远不止于知识的增长。更重要的是，它唤醒了我对音乐更深层次的思考和感悟。作者在解读不同作曲家的作品时，不仅仅是罗列他们的生平和创作年代，而是深入挖掘了他们作品背后的时代背景、个人经历以及他们对音乐的独特理解。读到贝多芬在听觉失聪的绝境中创作出《第九交响曲》时，我仿佛能感受到他内心的挣扎与不屈，那澎湃的旋律不仅仅是音符的堆砌，更是人类精神力量的呐喊。又如德彪西《牧神午后前奏曲》中那种朦胧、飘渺的意境，作者将其与印象派绘画的风格相联系，让我仿佛置身于薄雾笼罩的森林，感受着空气中弥漫的神秘气息。最令我着迷的是，作者并没有将音乐仅仅视为一种艺术形式，而是将其视为一种与人类情感、哲学思想紧密相连的语言。他探讨了音乐如何在历史的长河中反映社会变迁、哲学思潮，以及如何触及人类内心最隐秘的情感角落。我开始意识到，我们平时听到的那些动人的旋律，背后承载着如此丰富的意义和深邃的思考。每一次的阅读，都像是一次与伟大灵魂的对话，我不仅在学习音乐知识，更是在体验一种跨越时空的精神连接，这种感受是如此的充实和令人陶醉，让我对音乐的敬畏之情油然而生。

评分☆☆☆☆☆

《音乐二十讲》的价值，更在于它教会了我如何“听”懂音乐。作者不仅仅是介绍音乐史和理论，更重要的是，他传授了一种科学而富有洞察力的聆听方法。他会引导我去关注音乐中的细节，比如旋律的走向、和声的色彩、节奏的律动，以及它们是如何相互作用，共同营造出音乐的情感和氛围。在解读一首交响曲时，他会细致地分析第一乐章的戏剧性冲突，第二乐章的抒情叙述，第三乐章的舞蹈性，以及第四乐章的辉煌总结，让我能够有意识地去捕捉这些结构上的变化所带来的情感体验。我开始能够分辨出不同乐器在乐队中的角色和音色特点，也能理解配器是如何影响音乐的整体效果。最让我惊喜的是，作者在分析某个作品时，会引用大量的音乐片段，并鼓励读者去主动聆听和感受，这种“学以致用”的方式，让我能够立即将理论知识转化为实际的聆听体验。通过这种方式，我不再只是被动地接受声音，而是主动地参与到音乐的创作和解读过程中，每一次聆听都变得充满发现和惊喜。这种能力的提升，让我在欣赏音乐时，更加自信和投入，也让我对音乐的理解变得更加深刻和有层次。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开《音乐二十讲》，我带着一种既期待又有些忐忑的心情。期待是因为音乐是我生活中不可或缺的养分，而“二十讲”这个结构似乎暗示着一种系统而深入的探索。忐忑则是因为我对音乐史和理论的了解仅停留在一些浅层概念，担心自己无法完全消化书中的内容。然而，从阅读第一页开始，这种顾虑就被深深的吸引力所取代。作者的文字如同涓涓细流，润物无声地将我引入了音乐的广阔天地。他没有上来就抛出晦涩难懂的术语，而是从最基础的音高、节奏、旋律这些最原始的音乐要素讲起，用一种极其平易近人的方式，解构了音乐最根本的构成。我常常被作者对某个音符、某个和弦的细致描绘所打动，仿佛他能捕捉到那些我们日常听闻却忽略的微妙情感。他对于不同时期音乐风格的阐释，更是如同一幅幅生动的画卷在我眼前展开。从古典时期严谨的对位，到浪漫时期奔放的情感宣泄，再到印象派模糊的色彩描绘，每一种风格都被他赋予了独特的生命力和性格。我尤其喜欢作者在论述过程中穿插的那些充满智慧的比喻和类比，它们巧妙地将抽象的音乐概念转化为具象的感受，让我这个非科班出身的读者也能心领神会，甚至在合上书本后，还能回味无穷，用新的视角去聆听熟悉的旋律。这种从“无”到“有”的讲解方式，为我打开了一扇通往音乐殿堂的门，让我开始真正理解音乐是如何被创造、被感知、被传承下来的，这是一种全新的启蒙。

评分☆☆☆☆☆

阅读《音乐二十讲》的过程，对我来说是一场美妙的“音乐朝圣”。作者以一种充满热情的笔触，带领我走进了音乐史上的各个重要时期，并对各个时期的代表性作曲家及其作品进行了深入的剖析。从格里高利圣咏的古朴庄严，到文艺复兴时期复调音乐的精致典雅，再到古典主义时期旋律的清晰流畅，以及浪漫主义时期情感的激昂澎湃，每一种风格都被作者描绘得淋漓尽致。他对于不同时期音乐的特征、发展脉络以及相互影响的阐述，都显得条理清晰，逻辑严谨。我印象最深刻的是，作者并没有将这些历史时期的划分视为僵化的界限，而是强调了音乐风格的演变和过渡，以及不同时期音乐之间的联系和传承。他对于莫扎特和贝多芬之间风格差异的对比，以及他们如何共同塑造了古典主义的辉煌，都让我受益匪浅。通过阅读，我仿佛穿越了时空，亲身经历了音乐发展的各个阶段，感受到了不同时代音乐的独特魅力。这种对音乐史的系统性梳理，为我建立了一个清晰的音乐知识框架，让我能够更好地理解和欣赏不同风格的作品，也让我对音乐的发展充满了更深的感激和热爱。

评分☆☆☆☆☆

我在阅读《音乐二十讲》的过程中，最常体验到的是一种“豁然开朗”的感觉。作者在处理一些复杂的音乐概念时，总是能用最直观、最易于理解的方式来解释，让那些原本我以为遥不可及的音乐理论，变得触手可及。例如，当他谈到“和声”时，他不仅仅是给出一些音程和弦的定义，而是通过比喻，将和声描述成音乐的“色彩”或“情绪的基调”，不同和弦的连接则如同色彩的碰撞或情绪的起伏。这种生动的比喻，让我能够快速地把握住核心概念，并将其与实际的音乐感受联系起来。此外，作者在引导读者分析作品时，非常注重引导读者去“感受”音乐，而不是仅仅去“分析”音乐。他会鼓励你去体会旋律的优美，节奏的跳跃，和声的张力，以及它们是如何共同作用，在你的内心激起涟漪。我发现，当我对某个作品的结构和和声有了初步理解后，再去聆听它，就会发现更多的细节和情感层次。这种“听出味道”的能力，正是《音乐二十讲》带给我的最大财富。它让我从一个被动的听众，转变为一个主动的、有鉴赏力的音乐爱好者，这种转变是如此的令人兴奋和满足。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种由表及里的音乐启蒙。在接触《音乐二十讲》之前，我对音乐的理解，多半停留在“好听”和“不好听”的层面。而这本书，则为我打开了一扇通往音乐内部世界的门。作者从最基础的音乐元素开始，循序渐进地讲解了音乐的构成、发展和表现力。他对于旋律的分析，不仅仅是描述其起伏，更会深入探讨旋律如何塑造情感，如何引发共鸣。对于节奏的讲解，也超越了单纯的节拍概念，让我理解了节奏的律动感和其所带来的能量。最令我印象深刻的是，作者在讲解不同作曲家的作品时，总能抓住作品最核心的特质，并用生动形象的语言来描绘。他对于莫扎特音乐的“优雅与精致”，贝多芬音乐的“力量与激情”，以及肖邦音乐的“细腻与诗意”的阐释，都让我感同身受。这种对音乐“灵魂”的捕捉和呈现，是我之前从未有过的体验。通过阅读，我不仅学到了音乐的知识，更重要的是，我学会了如何去“听”懂音乐，如何去感受音乐的魅力，如何去欣赏那些隐藏在音符背后的深刻含义，这是一种全新的音乐认知，也是一次让我欣喜若狂的发现。

评分☆☆☆☆☆

《音乐二十讲》给我最大的惊喜在于，它不仅仅是关于“听”音乐，更是关于“理解”音乐。作者通过大量的实例和深入浅出的分析，揭示了音乐背后隐藏的文化、历史和哲学内涵。当他谈到巴洛克时期音乐的复调织体时，他将其与那个时代严谨、繁复的社会结构和宗教信仰联系起来，让我明白了为何那些复杂的对位能够如此契合那个时代的精神。同样，当他讨论到浪漫主义音乐中个人情感的抒发时，他也联系了那个时代对个体价值的重新认识和对自由的渴望。我常常因为作者的洞察力而感到惊叹，他能够从一个乐句、一个和弦的变化中，解读出作曲家所处的时代背景、甚至是深层的哲学思考。这种将音乐与更广阔的社会文化背景相结合的分析方式，让我对音乐的理解不再是孤立的，而是将其置于历史的长河中去审视。我开始明白，音乐不仅仅是声音的组合，更是人类思想、情感和文化的一种载体。这种宏观的视角，让我对音乐有了全新的认识，也让我对那些伟大的作曲家和他们的作品充满了更深的敬意，因为他们不仅是音乐家，更是那个时代的思想者和记录者。

评分☆☆☆☆☆

《音乐二十讲》不仅仅是一本音乐读物，更像是一次与伟大灵魂的对话，一次跨越时空的思想交流。作者在书中引用的那些关于音乐的深刻见解和哲学思考，常常让我驻足良久，反复咀嚼。他将音乐视为一种普遍的语言，能够超越国界和文化，触及人类最普世的情感。他对不同作曲家创作理念的探讨，更是让我看到了音乐创作背后的人性深度和精神追求。当我读到某位作曲家如何在面对苦难时，依然能够创作出充满生命力的音乐时，我深感震撼，也从中汲取了力量。作者对于音乐与哲学、音乐与绘画、音乐与文学之间关系的探讨，更是开阔了我的视野，让我看到了艺术之间相互渗透、相互启发的奇妙联系。我开始意识到，音乐不仅仅是声音的排列，它更是人类精神文明的瑰宝，是思想的载体，是情感的表达。通过《音乐二十讲》，我不仅学到了音乐的知识，更重要的是，我开始理解音乐的价值和意义，以及它在人类文明中所扮演的重要角色。这种深刻的感悟，让我对音乐的热爱，也因此变得更加醇厚和持久。

评分☆☆☆☆☆

枯燥

评分☆☆☆☆☆

应该叫作《西方音乐家二十讲》。

评分☆☆☆☆☆

都是摘译。

评分☆☆☆☆☆

我把它当成普及类书籍阅读

评分☆☆☆☆☆

都是摘译。